25 mejores cortometrajes jamás realizados

Hay muchos que no pueden dedicar de 90 a 120 minutos al día a ver una película. Están preocupados y tienen una variedad de tareas que molestar por el momento. Bueno, las películas cortas son una resolución perfecta para esas personas. Hay personas que consideran alternativas en diferentes formas de arte, pero los cinéfilos incondicionales tienen que tener una experiencia visual similar a la del cine y, al estar yo en ese extremo del espectro, créanme, sé por lo que pasan. Una película o una película es una serie de imágenes fijas cuando se muestra en una pantalla que crea la ilusión de imágenes en movimiento y no hay ninguna restricción de tiempo.

Como aprendiz ávido, debes entender que todo comienza con un cortometraje, un experimento para medir tu propio talento y entretener al mismo tiempo. Algunos buenos cortometrajes han influido y definido el cine hasta un punto que muchos desconocen y, por lo general, capturan de manera sublime la esencia de un director floreciente. Con las restricciones de su lado y la carencia cinematográfica, siempre tiene la opción de explorar cortometrajes y algunas de las mejores películas se han concebido después de los cortos. Hay miles de cortometrajes en la red, y no todos son necesariamente de calidad y es obvio que la tarea de buscar con la mínima información proporcionada sobre ellos se debe a la mínima exposición.

Ahora, siendo un fanático de las películas de terror, siempre tiendo a buscar cortos que me inquieten y que no solo sirvan para asustarme, debes estar de acuerdo en que los sobresaltos solo son emocionantes durante su duración, pero no tienen un efecto memorable. Las películas de terror psicológico o atmosférico suelen ser las mejores del lote y, a pesar de su presupuesto comparativamente bajo, son engañosas porque exigen delicadeza a través de la técnica, mientras que la técnica podría ser de imágenes visuales o historias o actuaciones.

Dicho esto, aquí está la lista de los mejores cortometrajes de la historia que te dejarán boquiabierto. Puede ver algunos de estos mejores cortometrajes en línea en Youtube, Netflix, Hulu o Amazon Prime.

25. Código 8

'Code 8' fue producido en 2016 por Stephen Amell (Arrow) y Robbie Amell, dirigido por Jeff Chan, quien también hizo 'Operation Kingfish', el corto precuela de Call of Duty: Modern Warfare 2. Los hermanos Amell y Chan hicieron este corto película como un adelanto de un largometraje que habían planeado y tenían la intención de usar este video para obtener financiación colectiva para su proyecto. La decisión de optar por la ruta independiente fue ejercer un control creativo completo sobre su película, ya que la intromisión de las productoras en las películas ha ido en aumento. La razón por la que me gustó fue porque no incluye todos sus elementos cyberpunk, descansa en algún lugar entre nuestro mundo y el de 'Blade Runner', similar a 'Escape from New York' de Carpenter. La película también tiene un concepto similar al de 'X-Men' con una minoría de humanos mutados que enfrentan la peor parte del gobierno exclusivamente opresivo.

24. Pepito

Las personas familiarizadas con el personaje de Pinocho deben estar al tanto de Pepito Grillo, y de aquí es de donde la película obtiene su título. Ahora, la historia de Pinocho tiene dos versiones, la original que es desoladora e inquietante y la de Disney atenuada para un público más amplio. 'Jiminy' es una reimaginación futurista de un mundo donde las personas tienen chips de control similares a los de un cricket que les brindan una alternativa para llevar a cabo cada tarea a la perfección. Los chips en la superficie parecen ser muy útiles y de apoyo como la versión de Disney, pero a medida que avanzamos, comprendemos el grado de control que tienen sobre la mentalidad de las personas, convirtiéndolas en un estado mentalmente vacío en su déficit.

23. Darth Maul: aprendiz

Cuando estaba pasando por varios cortometrajes, este era un nombre por el que generalmente no hubiera optado por un millón de años. Un fanático hizo la película de Star Wars del “siglo XXI”, uno solo puede esperar lo mínimo de ella. Pero me sorprendió la calidad de la película y, para ser sincero, este es uno de los mejores trabajos de acción en vivo de 'Star Wars' que he visto. Siendo un fanático de Star Wars, despreciaba el trato de Darth Maul restringido a un trampolín para el terrible desarrollo de Anakin Skywalker. Aquí, podemos ver al hábil guerrero convertirse en un señor Sith, matando lo que parece una versión vaga de Obi-wan y sus discípulos en el proceso. Las escenas de lucha están muy bien coreografiadas y llevadas a cabo con la agilidad que se espera de las personas que han dedicado su vida al arte.

22. Kung Fury

No sé qué me dejó más fresco después de ver 'Kung Fury', el homenaje que rinde al entretenimiento retro de los 80 con su atmósfera sintetizada y maravillosa o el hecho de que finalmente encontré la fuente de los memes de 'Hackerman'. El cortometraje de David Sandberg incursiona en el futuro fantaseado y también parodia películas similares de la época retro. Kung Fury, nuestro héroe es alcanzado por un rayo que lo convierte en un guerrero de artes marciales imbatible, y lo que sigue a continuación es algo en lo que solo creerás si lo revisas. La película se reproduce mejor a una resolución de 240p, para que pueda dejarse envolver por la nostalgia del VHS, y si eso no es suficiente, el Knight Rider David Hasselhoff también hace un cameo.

21. Frankenweenie

Desafortunadamente, vi este clásico de 30 minutos del Tim Burton anterior al siglo XXI después de estar sentado durante 90 minutos a través de la versión copiada de 'Corpse Bride'. Este fue el momento en que Burton no rellenó cada centímetro posible de pantalla con una paleta inspirada en la era expresionista. Este cortometraje hizo que el director fuera despedido porque Disney lo consideró inapropiado para el público joven objetivo. Funciona como una interpretación moderna de Frankenstein con un perro resucitado por su joven amigo desconsolado. El perro ha sido el amigo más fiel del hombre, y uno puede preguntar a los adultos cuánto significaron para ellos las mascotas de su infancia y si harían algo para salvarlo. Aunque los adultos pueden aceptar la muerte, los niños no pueden, y esto proporciona una base muy sólida para el propósito de la película.

20. El nostálgico

'The Nostalgist' puede hacer llover nostalgia sobre los fans de 'A.I. Inteligencia artificial'. La película se desarrolla en un mundo distópico donde las personas pueden usar visores modificados que presentan una realidad virtual. La película presenta el vínculo entre un padre y un hijo, y me hizo pensar en cómo el término 'padre-hijo' es muy subjetivo. De hecho, uno puede amar y cuidar al otro como un padre, y el otro puede corresponder al respeto asociado con los hijos. Aunque tiene una duración de 17 minutos, junto con las películas de ciencia ficción recientes, esta ignora lo que se consideran 'requisitos previos' para tener una relación.

19. Estoy aquí

Leí 'The Giving Tree' de Shel Silverstein cuando era un niño y, aunque encontré varias versiones, ninguna es tan alta como el cortometraje de Spike Jonze. 'Estoy aquí' está protagonizada por Andrew Garfield como un robot en un mundo en el que se los trata como inferiores, no se los 'usa mal', sino que se los mira como monstruos. Sheldon de Garfield es un introvertido que vive una vida monótona, se asemeja a Theodore de 'Her', que se inspiró en esto. Sheldon se enamora del imprudente robot Francesca, que es el polo opuesto a él, y la película explora su amor incondicional por ella. A diferencia de la historia, Francesca no es egoísta, termina cometiendo errores inocentes que le cuestan mucho a la pareja.

18. Laberinto electrónico: THX 1138 4EB

Aunque George Lucas es conocido por iniciar la franquicia de Star Wars, su ópera prima 'THX 1138' sigue siendo su mejor trabajo y una de las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos. Además de ser una representación escalofriante del mundo orwelliano, la película ayudó a impulsar una categoría de películas que mezclaban ciencia ficción con sátira social. 'Electronic Labyrinth' es la base del largometraje, y Lucas lo hizo para su proyecto universitario de cine. Aunque puede que carezca de calidad debido a un presupuesto reducido, Lucas tuvo acceso a cuartos restringidos de la Marina y, por lo tanto, se siente como una proyección de un mundo distante.

17. Un viaje a la luna

Han pasado 115 años desde que se hizo Un viaje a la Luna, tómate un momento y deja que se asimile. George Melies describió los viajes espaciales en 1902, décadas antes de que se construyera el primer cohete capaz de cubrir largas distancias, y más de la mitad de un siglo antes de que a alguien se le ocurriera el diseño que podría enviar al hombre al espacio. Si esto no fuera suficiente, incluso representó a marcianos parecidos a extraterrestres en la pantalla. Melies fue un verdadero visionario y su trabajo indica el surrealismo temprano y el realismo mágico, y su obsesión por la geometría es casi hipnotizante. Está disponible en versión B / N y color en YouTube, y recomendaría lo primero, ya que la segunda se siente privada de autenticidad debido al proceso de restauración eterno.

16. La Jetee

Hice la hipótesis de una situación, supongamos que Chris Marker vio La Jetee en un teatro local un día cuando era niño, y años más tarde, si lo enviaron al pasado y se hubiera dado cuenta de que él era el creador, ¿cambiaría la forma en que se desarrolló la película? ¿hecho? Escuché que no podía pagar una cámara de video y, por lo tanto, opté por compilar las imágenes fijas, que creo que se sincroniza muy bien con la brusquedad en el flujo del tiempo desde la perspectiva del protagonista. Curiosamente, según su propia creación no pudo, porque no importa cuán vaga y metafísica sea el viaje en el tiempo en la película, simplemente no hay escape del presente. Tu plano de existencia está confinado al presente, que es probablemente lo único que importa, porque es lo único capaz de afectarte. La Jetee es experimental, apenas hay algo de realista en la película; la premisa, el proceso, el amor, todo es solo un ejercicio de engaño.

15. Alexia

Comenzando con 'Alexia', un corto argentino con una trama dominante de terror cibernético en las redes sociales. Presenta un relato sobrenatural de los eventos, que carece de verosimilitud pero compensa sus deficiencias con una gran atención al detalle. Alexia era una chica que se suicidó luego de que su novio (el protagonista) rompiera con ella y lo vemos revisando su perfil, una muestra de culpa y cariño que probablemente reside en su interior. Después de conversar con su novia actual en línea, decide dejar de ser amigo de Alexia, lo que hace que su computadora se vuelva loca y los mensajes de la muerta Alexia, incluida una imagen arrancada de 'Ringu'.

El trabajo de cámara y la edición son fenomenales con los primeros planos que capturan la confusión total en los ojos del protagonista y su creciente ansiedad a través de sus dedos y el movimiento retrasado del cursor. Los ángulos de la cámara y el cambio son un poco exagerados, pero requieren la cantidad adecuada de atención y logran crear un estado de ánimo desconcertante. Técnicamente la película es muy sólida, con los VFX a pesar de su presupuesto que no engañan el intelecto del público, el fantasma y la toma del iris son buenos logros. Alexia resulta ser más que un virus que estropea la computadora y la perspectiva al final es aterradora y te hace reflexionar sobre el destino del líder. El guión no es nada grandioso y sí se basa en sobresaltos, pero el verdadero impacto de la película solo se produce cuando la relacionas en un nivel más ordinario, pensando en ella sin inclinarte hacia el aspecto sobrenatural.

14. El hombre sonriente

'El hombre sonriente' lanza a un niño contra el diablo, y el niño no posee superpoderes o habilidades características de una película de Hollywood. No. El niño está hecho para afrontar la pura maldad y el nacimiento del terror, porque la palabra “miedo” se limita a fantasmas y brujas durante la infancia, y todo esto ocurre en medio de la muerte. No tengo la intención de discutir la trama porque no hay forma posible de centrarse en puntos importantes de la trama en su tiempo de ejecución de 7 minutos, ya que arruinaría totalmente la experiencia.

La intrusión es un tema de rutina en las películas de terror y lo que hace que algunas de ellas destaquen es la forma en que se filman. Desde el principio se le da la impresión de la presencia de una fuerza sobrenatural, pero lo que descubre es una encarnación física de ella y no una criatura gaseosa o una presencia invisible. Utiliza todos los trucos del Libro para payasos para atraer al niño hacia un evento de lo más desafortunado y este tratamiento puede no generar sobresaltos, pero te molesta, y una película de terror solo funciona cuando permanece en tu mente después de que hayas terminado. eso. Esta película no está indicada para personas que tiendan a inquietarse en compañía de payasos.

13. Se quitó la piel por mí

Sería una lástima colocarlo solo bajo el horror. Esta es la parte de la lista en la que dejaremos de lado el horror convencional desgastado y nos centraremos en el horror inducido a través de la materia y sus cualidades realistas. El cortometraje de 12 minutos de duración se rige por su título y se centra en un hombre que se quita la piel para demostrar su amor por su novia. Reforzado por un maquillaje fantástico y un uso cero de CGI, el protagonista sin piel es un espectáculo para la vista (en términos de técnica para el público y emocionalmente para su novia, que no puede expresar su reacción a su abrumadora belleza). El chico sin piel se mete debajo de tu piel (juego de palabras), pero esto se agota lentamente por la aceptación de la pareja a la situación que funciona realmente bien como una comedia oscura. Más adelante en la película, hay una tensión creciente y la moda comienza a desgastarse dejando rastros de ella por todas partes, rastros que no quieren sentir porque ya no se sienten cómodos con eso.

La película es encantadora, con una escritura, actuación y trabajo de cámara impecables (la escena en primer plano de carne frita y la toma larga de huellas por toda la casa son muy ingeniosas) y puede interpretarse como una metáfora de la transparencia. Al quitarse la piel, el protagonista deja al descubierto todo y se mantiene honesto con su relación al abrirse a pesar de que su pareja no es recíproca. Al principio, se vuelven más íntimos con la verdad elevando su vínculo, pero a medida que pasa el tiempo notamos complacencia dentro de él ya que su pareja solo ayuda a resolver sus asuntos pero nunca lo sigue, hasta el punto en que hay una tensión evidente entre ellos que resulta en la impactante última escena.

12. Canis

Canis es un cortometraje de terror en stop motion que gira en torno a un niño atrapado en una casa rodeado de perros que habrían sido las mascotas perfectas para los ghouls en 'Night of the Living Dead'. Es desolador, desgarrador y es un gran NO para las personas que no pueden soportar la violencia debido a que es una exploración impensable del gore, pero esto no debería permitirte distraerte de la obra maestra que es. El escenario se siente posapocalíptico debido a los puntos de la trama de supervivencia como la conservación de los alimentos, las ruinas de la civilización, el nacimiento de un ser humano, animales salvajes y el monocromo descolorido.

Los personajes fueron hechos de alambre, tela y madera y cobraron vida (una declaración muy dura) a través de técnicas de stop motion de Anna Solanas y Marc Riba. A pesar de su tono nihilista, tiene un final que lo clasifica legítimamente como un cuento de hadas, con la parte de 'hada' tan dominante como una pizca de sangre en el océano. Una historia sobre la mayoría de edad que obtendría una 'R'. clasificación sobre violación, disforia de especies, asesinato de un ser querido, devoradores de hombres y partes del cuerpo amputadas, es cualquier cosa menos una película para niños. Técnicamente, solo puede ser superado por la opción número 1 en esta lista con detalles impecables en la producción y el diseño de sonido, cada cicatriz está cortada con la cantidad perfecta de locura y una sola mirada puede transmitir la historia detrás de ella.

Pasando a la trama, Teo sobrevive con su perro y un anciano (que posiblemente podría ser su abuelo) y le resulta difícil aceptar la gravedad de la situación en la que están atrapados. Todo cambia cuando un error lo lleva a su La muerte del guardián en las fauces de los perros salvajes, y tiene que dar un paso al frente para protegerlo a él y a su perro matando a los intrusos. Es violado por una mujer que se disfraza de perro para sobrevivir y tiene que recurrir a comer carne de perro, mientras vemos a su perro cada vez más inquieto y salvaje debido a las adversidades y lo único que lo separa del resto de devoradores de hombres es una mera apariencia. La historia se desarrolla en una fase incluso grotesca y angustiosa que finalmente indica la finalización de la transformación de Teo en un hombre, listo para enfrentarse al mundo.

11. FUCKKKYOUU

'FUCKKKYOUU' es una película surrealista inquietante y un testimonio de la influencia del horror de Lynch. Filmada en monocromo granulado con visiones borrosas y la partitura de Flying Lotus tocando las sinfonías de 'Eraserhead', esta es una película de la que Lynch estaría orgulloso. La película comienza con una orientación que recuerda a las películas de terror de los años 30-40 y una criatura desfigurada que se parece a 'El hombre elefante'. Me resultó difícil construir una teoría que explicara los eventos y mis células cerebrales se sintieron completamente atraídas por el Elemento de la sorpresa, y tuve que recurrir a fuentes virtuales. Básicamente, la película gira en torno a una criatura humanoide que lucha con su identidad y género ante el rechazo que se produce a través de periodos de tiempo intercambiables, siendo el pasado lapsos de la realidad después de ser transformado por la inyección que se nos muestra al principio.

La película está llena de gritos de dolor y aullidos de desesperación, con la música sin alma realmente capaz de perturbar la mierda de cualquier persona cuerda. El título de la película es una broma interna, y surgió durante una sesión en la que Flying Lotus estaba improvisando melodías al azar y una de ellas sonaba como 'F * ck you'. También se puede interpretar como el último grito del ser mutado, una respuesta adecuada a esas plantas que lo desgarran. Al no tener palabras, solo puedo pedirle que lo compruebe usted mismo porque la experiencia es fascinante y, aunque puede terminar sin sacar nada, le volará los sesos. ¡Confíe en mi palabra!

10. Momentos de corte

Hubiera puesto 'Cutting Moments' un poco más arriba en la lista debido a sus imágenes y temas altamente perturbadores, pero 'The Big Shave', que es una gran inspiración para esto, tuvo un mayor impacto en un momento en que solo Peckinpah se atrevió a usar el color rojo más de lo que se consideraba normal. Cutting Moments gira en torno a una familia estadounidense que parece normal desde fuera; un hombre, su esposa y su hijo, pero padece problemas que asolan a una cantidad considerable de familias de la sociedad occidental y que dan lugar a titulares que te hacen temblar.

Sarah y Patrick viven con emociones reprimidas y han preferido el aislamiento, y Patrick niega por completo la existencia de Sarah. La frialdad entre ellos es tanto a nivel físico como emocional, con Patrick desviando sus impulsos sexuales hacia su hijo durante un evento que se presenta vagamente. Sarah intenta vestirse de manera erótica para complacer a Patrick, pero cuando este intento falla, también lo hace su estabilidad mental. En una condición completamente descompuesta, se entrega a una severa automutilación como último recurso, a la que le siguen eventos que son simplemente impensables y que habrían influido hasta cierto punto en el 'antrichista' de Lars von Trier.

9. El gran afeitado

El primer cortometraje de Martin Scorsese es el prefacio perfecto de su carrera. Agarrado con su característico subtexto católico extremista del pecado, la mortificación física y la batalla interior entre la fe y la realidad superpuestos por temas de violencia, extenuosidad y tensión. Toda la película está ambientada en un baño y en sus 5 minutos de duración, 'The Big Shave' involucra a un hombre que se enjabona la cara dos veces, una con la intención de deshacerse del vello facial y la próxima con la intención de deshacerse de él. él mismo. Es experimental y hay demasiados primeros planos de los que normalmente usaría Scorsese, pero lo hace bien equilibrando entre la representación directa (el espejo) y la indirecta (la cuchilla de afeitar) del acto, dándole una identidad diferente a una llamativa película hippie. .

Ahora discutiré la trama, ya que funciona como una metáfora oculta en su título alternativo 'Viet 67' que se muestra durante los créditos finales. Viet 67 es una referencia a la guerra de Vietnam, un tema muy criticado durante el tiempo en que se rodó con una imagen clara de la guerra y el presidente Johnson siendo revelado al país. La automutilación refleja la participación autodestructiva de EE. UU. En la guerra que resultó en la pérdida de 1 millón de vidas estadounidenses, hombres que eran personas normales como la audiencia y tenían un conocimiento mínimo sobre los eventos que tuvieron que enfrentar.

8. Melodrama Sacramental

Pieza de cine absolutamente repugnante y vil. Melodrama Sacramental es una grabación de 17 minutos de duración de la obra de teatro homónima de Alejandro Jodorowsky con su grupo teatral The Panic Movement. El grupo puede ser considerado un culto y su motivo fue lograr lo que Bunuel y Dalí hicieron en los años 20 al impactar al público y revivir el surrealismo que se había convertido en pequeña burguesía. Fue protagonizada principalmente por Jodorowsky vestido como un motociclista y lo presentaba degollando a dos gansos, pegándose dos serpientes en el pecho y desnudándose y azotando. Otras escenas incluyeron mujeres desnudas cubiertas de miel, un pollo crucificado, el asesinato simulado de un rabino, una vagina gigante, el lanzamiento de tortugas vivas al público y albaricoques enlatados.

Disfrazado de originalidad, este corto implica crueldad animal y abstracción sexual, pero a diferencia de las obras de Bunuel, termina siendo tan crudo que no sorprende ni presta su patetismo surrealista a la forma de arte. Funciona como 'Ciempiés humano' o 'Una película serbia', utilizar el horror físico sin sentido para no lograr nada y esta es una prueba muy decepcionante de la visión inusualmente magnífica de Jodorowsky, que se transmitió a través de 'El Topo' y 'La montaña sagrada'. No me desagrada, cito a Rick Blaine: 'Si lo pensara, probablemente lo haría'.

7. Seis hombres se enferman, seis veces

David Lynch La primera película, realizada con un presupuesto de 200 dólares, fue un cortometraje de animación stop-motion que le valió un premio conmemorativo en el concurso de pintura y escultura experimental de su escuela de cine. La película consiste en una pintura animada, que representa seis figuras dismórficas regurgitando en secuencia con el sonido de un bucle de sirena de fondo. Los críticos lo han descrito como un paradigma útil para el sentido narrativo de Lynch y muchos señalan las similitudes que comparte con 'Eraserhead'.

La trama real (por conveniencia) transcurre durante un minuto con el estado de las figuras que experimentan transformaciones, sus órganos internos se vuelven visibles y sus estómagos se llenan de una sustancia de colores brillantes, que viaja hasta sus cabezas, provocando que vomiten. , y esto se juega 4 veces para dar cuenta de su tiempo de ejecución de 4 minutos. Observe las apariencias anormales, la intención de repugnar (vomitar), el uso de horror físico (representación de órganos internos), el diseño de sonido en auge que estaba presente en sus películas anteriores y la parte divertida es que algunos espectadores pueden sentirse enfermos o desorientados después de ver esto y las personas que están perfectamente de acuerdo con él, de cualquier manera, la broma es tuya y tú representas a las seis personas enfermas.

6. El amor existe

Aunque es un maestro del cine por derecho propio, Maurice Pialat ha eludido tanto el renombre como las reglas cinematográficas preexistentes. Sin embargo, quienes estén familiarizados con su trabajo apreciarán cuán definida es su influencia en innumerables películas modernas. Es difícil agrupar a Pialat en una categoría concreta, ya que sus películas estaban arraigadas en un realismo tan poco sentimental y emocionalmente denso que parecía formalista. Uno de sus primeros trabajos es el cortometraje documental de 20 minutos, L'Amour Existe, que es su comentario sobre la expansión urbana en la Francia de la posguerra y su conflicto de clases subyacente. Construye una narrativa plano a plano de la sórdida realidad del desarrollo parisino con los suburbios decayendo en el abandono, con una voz en off de Jean-Loup Reynold. Pialat destaca con elaborada paciencia cuán sombría era la vida en los suburbios en la era de la posguerra cuando la publicidad se apoderó de la realidad y la gente adoptó una vida materialista y aburrida.

L'amour Existe también señala cómo la clase media y alta parisina disfruta de una mejor educación no solo académicamente sino también culturalmente, mientras que los niños de los suburbios no tienen acceso a teatros o salas de conciertos. Pialat describe los nuevos edificios de viviendas que surgieron rápidamente como 'campos de concentración' con pequeñas ventanas horizontales desde donde no hay nada que mirar. Este cortometraje ganó premios en el Festival de Cine de Venecia y Prix Lumieres. Maurice Pialat hizo muchas películas brillantes como A Nos Amours y Sous le Soleil de Satan, que ganó la Palma de Oro en Cannes.

5. Cigarrillos y café

Aunque Cigarettes & Coffee fue solo P.T. Anderson La segunda vez detrás de la cámara, de ninguna manera se siente como un trabajo de aficionado. La película tiene lugar casi en su totalidad en un restaurante, y se nos presenta a cinco personajes, sus historias y un billete de 20 dólares que los conecta. Hay un hombre tenso y nervioso que narra su historia, buscando la ayuda de un viejo amigo más sereno que es muy particular en esperar hasta que se sirva el café y se enciendan los cigarrillos, o de lo contrario la conversación no tendrá un significado real. En el otro stand, hay una pareja en su luna de miel que ha perdido todo su dinero después de que la esposa lo gasta todo en el juego. Un rato después, un hombre sombrío que aparentemente no tiene relación con los demás entra en el restaurante. Sin embargo, a medida que un billete de $ 20 pasa de uno de los personajes al otro, nos damos cuenta de que pueden estar conectados entre sí.

Este corto de 23 minutos tiene suficiente historia para una película antes y otra después. El diálogo, el encuadre y el trabajo de cámara de la película muestran que está hecho por alguien que sabe exactamente lo que quiere. La característica más distintiva de esta película es el uso de la toma de seguimiento para los cortes de escena. La actuación en esta película también es especialmente buena. Posteriormente, Anderson adaptó y amplió este cortometraje para convertirlo en un largometraje, 'Hard Eight', su próxima aventura.

4. Six Shooter

Martin McDonagh, quien ha dirigido In Bruges y Seven Psychopaths, comenzó haciendo una película de comedia negra de 27 minutos ambientada en Irlanda, llamada Six Shooter, que ganó un Oscar y es uno de los cortometrajes más conocidos de todos. hora. Es casi sorprendente cómo una película tan cargada de muerte y pérdida personal logra ser tan divertida y expresiva al mismo tiempo. El cortometraje está extremadamente bien hecho e inteligente, por lo que el humor se siente diferente tanto de las marcas estadounidenses como británicas de comedia negra. Sigue a un hombre anciano, Donnelly, que acaba de perder a su esposa y en el viaje en tren de regreso del hospital, se encuentra sentado con un adolescente revoltoso cuya madre acaba de morir. Sentado junto a ellos hay una pareja triste que acaba de perder a su hijo recién nacido.

Sin embargo, este escenario aparentemente sombrío pronto toma un giro más oscuro y las cosas se vuelven más desordenadas y divertidas al mismo tiempo, con revelaciones de asesinatos, suicidios, tiroteos con la policía, vacas explotando y muertes de mascotas. Cualquiera que esté familiarizado con las otras películas de McDonagh no necesitará más razones para ver esta obra maestra. Sin embargo, esta película también constituye un visionado esencial para cualquiera que disfrute de una comedia negra inteligente, que simplemente significa para todos.

3. Una mujer coqueta

Probablemente el más prolífico de todos los directores de la New Wave, Jean-Luc Godard ha estado haciendo películas desde la década de 1950 con la misma inventiva de siempre. Hasta el momento, ha dirigido más de cien películas, incluidas Desprecio, Sin aliento y Band of Outsiders. Pero Godard comenzó su viaje como director con un cortometraje menos conocido, Une Femme Coquette, en 1955. Basado en una historia de Maupassant, el cortometraje en blanco y negro de 9 minutos sigue a una mujer casada que de repente se ve tentada a coquetear con ella. un extraño después de ver a una prostituta atraer graciosamente a hombres transeúntes desde una ventana sobre la calle. Está muy impresionada por la manera elegante en que la mujer atrae a los extraños, con una sonrisa informal pero acogedora que podría haber significado fácilmente “¡Qué hermoso día!”.

Habiendo presenciado esto, decide impulsivamente sonreír coquetamente al próximo hombre que ve. Une Femme Coquette recuerda a otros trabajos tempranos de Godard, con una banda sonora animada, impulsada por diálogos articulados, tomas de gran angular y una edición algo rápida. Se pensó que la película se había perdido durante mucho tiempo hasta hace poco, cuando apareció en YouTube. El corto también presenta un cameo de Godard, de 24 años, lo que debería ser motivo suficiente para que los cinéfilos lo vean. (Míralo aquí )

2. Tranvía

Krzysztof Kieslowski hizo Tramwaj, uno de los mejores cortometrajes, cuando aún era estudiante en la escuela de cine. En esta película de 5 minutos de duración, seguimos a un joven en una noche de invierno mientras sube a un tranvía en el que ve a una hermosa joven sentada sola. Sus miradas se encuentran, la niña parece inquieta al principio, pero poco a poco se calienta con su presencia mientras cierra la puerta del tranvía al ver cómo el aire la enfría y luego comienza a masticar un terrón de azúcar infantilmente. Pero antes de que suceda algo, el tranvía llega a la parada del hombre y éste lo desembarca. Inmediatamente se arrepiente de perderse un momento tan oportuno y se siente abrumado por las ganas de acercarse a la chica, por lo que corre detrás del tranvía esperando atraparla. Al principio habíamos visto al hombre parado solo en un club donde todos bailan, y no parece estar pasando un buen rato. Probablemente no tenga mucha suerte con las damas, razón por la cual debe haber sentido una fuerte sensación de lamento y de ahí su carrera impulsiva.

Casi todos los usuarios han sentido al menos una vez una calidez similar al ver a un extraño al azar, alguien diferente al resto, alguien tan atractivo que queremos llegar a conocerlos. Este mismo predicamento también fue expresado por Bernstein en Citizen Kane cuando cuenta que todavía recuerda a una chica a la que vio por un segundo cuando era joven, con un vestido blanco en un ferry. Aparte de la trama, lo que hace que el corto sea interesante es la destreza magistral de Kieslowski detrás de la cámara y su gran talento para contar historias. Desde entonces, Kieslowski se ha convertido en uno de los nombres más importantes del cine de autor y ha realizado grandes obras como The Dekalog y la trilogía Trois Couleurs.

1. Un perro andaluz

El perro andaluz es una raza con origen en España, cuna de Luis Buñuel y Salvador Dalí, los dos creadores de este monumental cortometraje. En la Península Ibérica hay pinturas rupestres que representan perros con un gran parecido con esta raza y, francamente, el elemento de realidad nebulosa de las pinturas rupestres es lo único que la película toma prestado de la existencia del perro andaluz. Aunque el movimiento surrealista ya había comenzado en los años 20, no logró atraer la atención mundial y Bunuel-Dali lo logró al sorprender al público con imágenes que no simbolizaban nada más que la supresión de la creatividad.

Desde el primer plano de apertura que involucra al mismo Bunuel, cortando el ojo de una mujer con el humor vítreo derramado que agita sus cerebros hasta la última imagen de una pareja muerta enterrada en la arena de la playa, la película nunca pierde su intensidad una vez y aunque una. Podríamos discutir sobre el absurdo patrón de escenas que ayudan a esa causa, es importante notar cómo están ordenadas de manera que les dé una continuidad propicia. Las técnicas e imágenes del horror corporal en la mayoría de las escenas se han estudiado y aplicado en innumerables otras películas basadas en sueños o temas de terror. Los ejemplos más notables son 'Oldboy', 'Spellbound', 'Quills' y 'The Blood of a Poet'. Aunque una gran cantidad de críticas han adoptado varias teorías para explicar los eventos de la película, se limitan a la palabra 'teoría' y Bunuel se ríe de cualquier explicación plausible al respecto.