100 mejores películas de todos los tiempos

Alejandro Jodorowsky Prullansky, el famoso director de cine, poeta, dramaturgo y compositor de música chileno-francés, dijo una vez: “Siempre he pensado que, de todas las artes, el cine es el arte más completo”. Estoy de acuerdo. En más de un sentido, el cine es en realidad una amalgama de todas las demás formas de arte importantes: pintura, escritura y música. No puede ser una coincidencia que el cine sea también la forma de arte más moderna. Después de todo, la evolución de otras formas de arte fue necesaria para que existiera el cine. El hecho de que siga siendo la forma de arte más popular casi desde el momento en que nació le dice tanto su fuerza como su debilidad: es fácilmente accesible y, por lo tanto, más comercializable.

Con eso en mente, me complace presentarles la lista de The Cinemaholic's 100 mejores películas de todos los tiempos . Antes de comenzar a explorar nuestra lista de las 100 mejores películas jamás realizadas, recordemos nuevamente que las listas, por su naturaleza, nunca son perfectas. Por lo tanto, no pretendemos que este sea el Santo Grial de la lista de las mejores películas del mundo. Pero lo que puedo asegurarles es que se han realizado muchas investigaciones detrás de la elaboración de esta lista. Se consideraron miles de títulos de películas y se debatió cada elección final. Estoy seguro de que encontrarás muchas de tus películas favoritas que faltan en la lista. ¡Muchos de mis favoritos también faltan! Pero en lugar de frustrarse por ello, aproveche esta oportunidad para ver las películas que no ha visto. Quién sabe, ¡podrías terminar descubriendo tus nuevos favoritos!

100. Los paraguas de Cherburgo (1964)

Jacques Demy colorea su ópera romántica con una sofisticación suave y desmesurada que parece un poco hipster. Pero este color no es solo el de las paredes, la ropa y los paraguas. También está en las mejillas de una joven increíblemente enamorada mientras cruza la calle para saludar a su amante y su ausencia cuando vemos ese rostro en un velo, la joven ahora la novia de otra persona. También hay color en la forma en que la gente habla, o para ser más precisos, se canta. Pero sus conversaciones líricas no riman como la mayoría de las canciones. Cuando todo, desde las profesiones del amor hasta las preocupaciones sobre el dinero, está mezclado con una pasión indistinguible, no te vendría muy bien ir a pescar por la rima o la razón. Si bien la película y todas sus revelaciones melódicas, reforzadas por la música sobrenatural de Michel Legrand, son desgarradoramente románticas, todas las decisiones que toman nuestros personajes, como todo en la vida, definitivamente no son así.

Para una trama tan tediosamente conocida, después de haberla visto ser la base de innumerables canciones pop y telenovelas, cada fotograma de 'Los paraguas de Cherburgo', rebosante de melancolía, es seductoramente fresca, incluso desconocida. Puedes atribuir eso a lo genuinas que son las emociones y a lo sincera que es su expresión. Operando en una escala tan humilde como lo hace, 'Umbrellas' te devasta con los reflejos más pequeños. Me quedé estupefacto ante lo sustancial que podría ser el impacto de dos sillas vacías, una vez ocupadas por los dos amantes. En la delicadeza hecha con cariño por Demy, marchamos en carnavales llenos de cintas y confeti, decoramos árboles de Navidad y nos hacemos regalos, guardando todos nuestros sentimientos en algún lugar de nuestro corazón, porque no importa lo difícil que sea soportar la ausencia de alguien o la el pasado es olvidar, todo lo que podemos hacer es vivir en la fantasía de hoy.

99. Trainspotting (1996)

Es un poco difícil explicarles a los cinéfilos como nosotros el fanatismo de 'Trainspotting'. Llegó un momento en el que la realidad de las drogas acababa de empezar a asimilar. Uno diría que embellecía el abuso de drogas y, hasta cierto punto, es cierto. El hecho que surgió fue el intento de Danny Boyle de mostrar los altibajos del abuso de drogas, sin tomar partido. 'Trainspotting' es una película de culto que cuenta la historia de cuatro amigos y su cita con la adicción. Escandaloso y extraño son las únicas dos palabras para describirlo. Un drogadicto que quiere estar limpio, solo para vacilar a cada paso debido a su más profundo deseo de drogarse. Generosamente sobredosificada de humor, la película intenta subrayar un hecho con absoluta seriedad: a pesar de los lujos que ofrece la vida, la juventud los niega con mucho aplomo. ¿Y las razones? No hay razones. '¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?'

98. El graduado (1967)

¡Ah, los días de la juventud! Despreocupado y alegre. Diversión llena de nada de qué preocuparse. Sin preocupación por el pasado, que se ha dejado atrás, y sin preocupación por el futuro, que aún está por llegar. Benjamin Braddock llevó esta vida sin preocupaciones, después de graduarse de la universidad. Y cuando finalmente regresó a su ciudad natal, allí conoció a la Sra. Robinson. La llama de una aventura comienza a arder. La vida da un giro tortuoso cuando el joven Ben confunde sexo con compañía. Se pone patas arriba cuando se enamora de su hija. Una película que invita a la reflexión, con el atuendo de una comedia, 'The Graduate' es una de las películas más divertidas de la historia. Protagonizada por Dustin Hoffman, presenta la línea icónica: 'Sra. Robinson, ¿está tratando de seducirme?'

97. La doble vida de Veronique (1991)

Quizás ningún otro cineasta comprendió a las mujeres en una profundidad emocional tan profunda como Krzysztof Kieslowski. El hombre simplemente los amaba y lo mostró con tanta pasión e intimidad que no puedes evitar sentirte enamorado de su crudo poder emocional. 'La doble vida de Veronique' podría ser su mayor logro artístico. La película trata sobre una mujer que comienza a sentir que no está sola y que hay una parte de ella viviendo en algún lugar del mundo en un alma diferente. Veronique y Weronika son las dos mujeres idénticas que no se conocen y, sin embargo, comparten una conexión emocional misteriosamente íntima entre ellas. La cinematografía altamente estilizada de Slawomir Idziak pinta la película con un sentimiento tiernamente melancólico que te envuelve y no te deja pasar. Hay sentimientos y emociones que nos cuesta mucho poner en palabras y la película da vida a esos sentimientos inexplicables de tristeza pensativa y soledad. 'La doble vida de Veronique' es una obra de arte impresionante que retrata el alma humana en todas sus bellas debilidades y ternura.

96. Cinema Paradiso (1988)

Mucha gente ve el cine como un lujo, una actividad de ocio, una diversión que no tiene ninguna consecuencia en la vida. Pero yo, con un ejército de cinéfilos ardientes que me respaldan fervientemente, puedo afirmar con absoluta convicción que el cine es tan necesario para la vida como la vida para el cine. Y 'Cinema Paradiso' es una forma hermosa, aunque irónica, de expresar mi punto de vista. El exitoso director de cine Salvatore regresa a casa un día con la noticia de la muerte de Alfredo, lo que recuerda a su ciudad natal en la Sicilia de los años 50. El joven y travieso Salvatore (apodado Toto) descubre un amor duradero por las películas que lo atrae al cine del pueblo Cinema Paradiso, donde Alfredo es proyeccionista. Después de enamorarse del chico, el viejo se convierte en una figura paternal para él mientras le enseña a Toto las habilidades que serían el trampolín para su éxito cinematográfico.

Ver a Toto y Alfredo hablar de cine con reverencia, y ver a Alfredo dar consejos para la vida a través de citas de películas clásicas, es pura alegría. A través de la historia de la mayoría de edad de Toto, 'Cinema Paradiso' arroja luz sobre los cambios en el cine italiano y el comercio moribundo de la realización, edición y proyección de películas tradicionales mientras explora el sueño de un niño de dejar su pequeña ciudad para incursionar en el mundo exterior. Una de las mejores 'películas sobre películas' que jamás haya existido.

95. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975)

Una de esas raras experiencias cinematográficas que te hace sentir una plétora de emociones a la vez. Es divertido en algunas partes, estimulante en algunas y francamente desgarrador en otras. También es una de las otras hazañas raras en la narración simplista y efectiva, que cuenta de Randle McMurphy, un criminal que con la esperanza de evadir el tiempo en la cárcel, finge ser un enfermo mental y se declara inocente por motivos de locura. Al llegar a una institución mental, se rebela contra la autoritaria Nurse Rached (interpretada por una férrea Louise Fletcher) en un escenario clásico de orden contra caos. La película establece que de hecho no hay nadie mejor para interpretar personajes con golpe y encanto en igual medida que el propio Jack Nicholson, lo que le valió una merecida victoria en el Oscar por su actuación en la película. Lo que comienza como una película duradera y conmovedora, se convierte en un final trágico, aunque esperanzador, tras escenas inquietantes que involucran un suicidio y una terapia electroconvulsiva en pacientes. La película, sin embargo, nunca deja de lado la atención del espectador y el patetismo por los personajes en la pantalla, evocando emoción genuina y alegría por el espíritu humano que emana incluso frente a una autoridad no correspondida.

94. Pyaasa (1957)

Lleno de ideas de cambio social y comentarios mordaces sobre la malicia predominante y los estigmas de la sociedad, 'Pyaasa' no solo personificó la edad de oro del cine indio, sino que también fue un reflejo del propio burgués indio. Es una película que tiene una cualidad sutil sobre sí misma, donde todas las verdades descaradas y las duras realidades de la sociedad están hirviendo bajo la superficie debajo esperando ser exploradas y extrapoladas por un público consciente. 'Pyaasa' es un clásico atemporal, no sin razones. Incluso después de 60 años de su lanzamiento, sigue siendo relevante en los tiempos modernos, porque India sigue estando plagada de las mismas maldiciones sociales - corrupción, misoginia, materialismo - que 'Pyaasa' aborda directa o indirectamente.

93. Tiempos modernos (1936)

'Tiempos modernos' es una película humorística con un mensaje poderoso. Con los temas característicos de Chaplin de esperanza y pobreza, esta imagen se centra en los efectos adversos que la maquinaria y otras formas de avances tecnológicos tienen en la gente común, al poner en el centro de atención a un trabajador de fábrica cuya vida pasa por muchos giros y vueltas mientras intenta hacer frente al nuevo mundo. Aunque la payasada es tremendamente divertida, todo está contenido dentro de un recipiente de tristeza. 'Modern Times' utiliza elementos inteligentes y sutiles para hacer preguntas filosóficas importantes de vez en cuando. El clímax es uno de los más conmovedores de todos los tiempos, involucra una forma triste de felicidad y sin una respuesta o resolución real. Esta película puede muy bien ser la obra mejor escrita de Chaplin, y es sorprendente cuán relevantes son las ideas aquí presentadas incluso hoy. Sin duda, habiendo resistido la prueba del tiempo, el camino que toma Modern Times para compartir sus pensamientos es probablemente el mejor aspecto de este triunfo cinematográfico.

92. La delgada línea roja (1998)

Terrence Malick El regreso a la cinematografía tras una pausa de 20 años estuvo marcado por este drama de guerra magníficamente impresionante que explora, no la guerra, sino la emoción de luchar en la guerra. La película es verdaderamente de naturaleza malick-iana con más énfasis en las imágenes que en la historia, lo que te permite sumergirte en la experiencia de la misma. La genialidad de la película radica en la visión de Malick de ver la belleza en algo tan oscuro y sangriento como la guerra. Se necesita un genio absoluto para convertir algo tan brutal y sangriento como la guerra en una experiencia tan hipnótica que trasciende las realidades de la guerra y, en cambio, te permite empaparte de las emociones de sus personajes. Es una experiencia tan inmersiva que te pide que sientas a los seres humanos detrás de las armas y las bombas. Son almas devastadas como nosotros, que anhelan un toque delicado, se pierden la calidez del aliento de sus amantes y esposas mientras tienen que lidiar con la más fea de las realidades lejos de ellos. 'The Thin Red Line' es simplemente una experiencia como ninguna otra; uno que hay que ver, sentir y reflexionar.

91. Blade Runner (1982)

Creo que el corte final de 'Blade Runner' de Ridley Scott es la mejor película distópica jamás realizada. Aunque Metropolis es una opción discutible, hay que observar las imágenes inauténticas asociadas con el cine expresionista alemán. 'Blade Runner', por otro lado, es más que perfecto para construir un mundo que sufre de desigualdad financiera, auge demográfico, deficiencia en cualquier cosa natural porque aquí ni siquiera se puede confiar en la carne. La iluminación centelleante es contextualmente natural, porque es un mundo electrónico y Jordan Cronenweth la usa de manera similar a los objetos iluminadores cotidianos del cine negro. Aunque puede que no plantee preguntas tan trascendentales como 'Una odisea del espacio', nos hace preguntarnos si 'los androides sueñan con ovejas eléctricas'.

90. Fargo (1996)

Violenta, divertida, cálida y brutalmente intensa, 'Fargo' es una de las mejores películas estadounidenses de los 90 y uno de los mejores dramas criminales jamás realizados. La película trata sobre un hombre que contrata a dos hombres para secuestrar a su esposa y extorsionar a su rico suegro. El brillante uso del humor negro de los hermanos Coen impregna la película con un aire de calidez que le da un tono muy distintivo. Es esta magistral mezcla de comedia, drama y violencia lo que hace de 'Fargo' una experiencia cinematográfica tan memorable. Esa hermosa toma de apertura de una Minnesota nevada, bellamente complementada por una partitura inquietante, establece el tono de la película y establece una sensación de profunda tristeza que se esconde debajo de la violencia y el humor que la película está llena. Frances McDormand es claramente la estrella de la película y se roba el show, interpretando a una jefa de policía embarazada atrapada en un mundo de maldad y brutalidades, pero logra encontrar luz y esperanza. 'Fargo' es una pieza de cine puramente fascinante emocionalmente cruda, brutalmente intensa, tiernamente divertida y dolorosamente realista.

89. Eraserhead (1977)

'Eraserhead' es un libro de texto sobre el terror atmosférico. Al contar la historia de un hombre con cabello extraño que trata de formar una especie de familia por sí mismo, esta película se convierte en una pesadilla surrealista con cada minuto que pasa. Usando sonido y primeros planos para ofrecer una sensación de miedo claustrofóbico y alineando esto con una trama que tiene poco sentido en un primer vistazo, el debut de David Lynch demuestra ser uno de los mejores del director maestro, lo que en sí mismo es un gran elogio. Lo que hace 'Eraserhead' es crear un mundo distópico, salpicado de feos edificios y artilugios mecánicos bañados en un feroz blanco y negro, y arrojar en él personajes que están más o menos confundidos por su entorno. Aunque averiguar el 'significado' de esta imagen es casi imposible, uno debe darse cuenta de que esta nunca es la intención. 'Eraserhead' coloca en la mente de su audiencia una sensación de absoluta incomodidad, utilizando tanto sus imágenes como su estilo surrealista, y encuentra una manera de manipular sus pensamientos. Solo un puñado de imágenes están tan bellamente estructuradas como esta, pero innegablemente amenazantes, y eso es algo que solo alguien como Lynch podría lograr.

88. Boyhood (2014)

'Boyhood' es un grato recordatorio de los años pasados ​​de alegría desinhibida, optimismo inquebrantable e inocencia burbujeante. Se basa en obtener belleza, alegría y emoción de la vida ordinaria de las personas y no de ningún acto dramático elevado (el pan y la mantequilla en la mayoría de las películas). Es fascinante ver cómo de una escena a otra, no solo hay cambios en la fisicalidad de los personajes, sino que también notarás la transformación en su moda, peinado, gusto por la música y, en general, perspectivas sobre la vida. 'Boyhood', de una manera que muy pocas películas lo hacen, trasciende los límites del cine y se convierte en una pequeña parte de nuestra propia existencia y experiencia. Linklater nos recuerda una vez más por qué es el mejor en los negocios cuando se trata de contar historias simples sobre la gente común.

87 Días del cielo (1978)

La evolución de Terrence Malick hasta convertirse en un visionario cinematográfico autorizado y totalmente controlado es una de las cosas más grandes que le han pasado al cine estadounidense. Está claro por sus primeros trabajos que estaba desesperado por saltar de los límites convencionales del cine. Películas como 'Badlands' y 'Days of Heaven' tenían narrativas aparentemente sencillas, pero eran películas que intentaban ser algo más. Algo más que una simple historia. Una experiencia. 'Days of Heaven' logra esto de manera más brillante que 'Badlands'. Muchas personas han criticado a menudo la película por su débil trama. No podría decir que estén completamente equivocados, pero la historia, de todos modos, no es el aspecto más importante de una película. Lo que hace Malick aquí es utilizar la visualidad del cine que pone énfasis en el estado de ánimo de la historia más que en la historia en sí. Sus intenciones no son emocionarte usando la difícil situación de los personajes, sino permitirte observarlos, sentir la belleza de los paisajes y la fragancia de su lugar. Y crear tal tipo de experiencia conmovedora visceralmente es nada menos que un milagro.

86. Tumba de las luciérnagas (1988)

Una película conmovedora y conmovedora que está a la par en todos los aspectos que se puedan imaginar, con las otras películas de acción en vivo destacando el botín de guerra. Esta película de animación japonesa se centró en los horrores de la Segunda Guerra Mundial al centrarse en la vida de una pareja de hermanos, me rompió el corazón de una manera que ninguna otra película ha logrado, y siguió pisando fuerte las piezas hasta el final. Al ser una película de guerra, también hace maravillas en el frente humano, al darse cuenta y desarrollar maravillosamente la tierna relación entre Seita y Setsuko frente a la adversidad que fue la Segunda Guerra Mundial. El mensaje es fuerte y claro. Ninguna guerra se gana verdaderamente, y toda gloria que conlleva victorias también va acompañada de lamentos de vidas inocentes destruidas en la guerra. Aplaudiría la película por no ser abiertamente manipuladora emocional al hacernos apoyar a sus personajes; pero no te equivoques, su punto de vista poderoso e intransigente sobre la guerra y las parodias sufridas por la pareja de hermanos te reducirán a un lío de llanto. Es TAN triste. Dicho esto, no hay otra forma en que lo haría. Es la perfección, en su forma más desgarradora.

85. Manhattan (1979)

El romance en las películas de Woody Allen siempre se ha sentido dolorosamente veraz y deprimentemente realista a pesar del delicioso sentido del humor con el que las envuelve. Si bien 'Annie Hall' sigue siendo su película más atrevida, 'Manhattan' resulta una obra más madura, artísticamente. La película tiene a Allen interpretando a un neoyorquino aburrido y confundido, recién divorciado, saliendo con una chica de secundaria, pero termina enamorándose de la amante de su mejor amigo. Allen atenuó ligeramente el humor de esta película para dejarnos sentir realmente la tristeza que envuelve a sus personajes, lo que la convierte en una experiencia tan emocionalmente agotadora. Es solo un retrato profundamente conmovedor de relaciones agitadas y seres humanos imperfectos que luchan consigo mismos y con su existencia, buscando desesperadamente la felicidad que nunca reconocerían y alcanzarían. Y es esta comprensión dulcemente delicada y conmovedora de la condición humana lo que hace de 'Manhattan' una película tan poderosa.

84. Marketa Lazarova (1967)

El paisaje onírico incorpóreo del icono checo Franti & scaron; ek Vláčil, Marketa Lazarová, es simplemente una de las obras de arte más increíbles de los 20^thSiglo. Su enfoque vanguardista del lenguaje cinematográfico apenas se ajusta a los límites de esa frase a menudo condenatoria, porque es algo más. Una asombrosa fusión de vista y sonido, libre de convención, estructura o cualquier regla escrita, los estudiosos del cine desenfrenados han abofeteado la forma cinematográfica a lo largo de los años. En comparación, todo lo demás parece tan estrictamente controlado, tan antinatural y artificial en la ejecución. Marketa Lazarová es cruda, visceral y sorprendentemente dinámica. En resumen: es gratis - un verdadero pináculo de las posibilidades de explorar cada centímetro de medio cinematográfico. Por eso, se encuentra entre las mejores películas jamás realizadas.

83. Cantando bajo la lluvia (1952)

Singin ’In The Rain es el musical más definitorio de la Edad de Oro de Hollywood. Es imposible olvidar la imagen de Gene Kelly bailando junto a la farola, cuando hablamos de los momentos brillantes del cine. La película no solo celebra su propia competencia con deleite, sino también el paso del cine de ser un medio visual a uno resonante y estimulante. Un logro monumental en el cine Technicolor, el esfuerzo como director de Kelly fue divertido inicialmente descartado por la crítica y el público. Creo que la relevancia de este clásico se hace más fuerte día a día, a medida que la brecha entre los períodos de tiempo que cubre la película (vida real y de carrete) y el presente crece cada vez más. Estamos perdiendo contacto con una época importante, y esta película te invade con su nostalgia.

82. No mires ahora (1973)

Es muy difícil encontrar una obra de arte visual que sea tan hipnótica como 'No mires ahora' de Nicolas Roeg. En muchos sentidos, esta obra maestra es como el horrible enano del final. Está bellamente envuelto en colores extáticos, pero alberga la peor parte de la vida: la muerte. No importa cuán efectivo sea el personaje de Sutherland, creo que esta es una película impulsada por la emoción, ya que Roeg coloca la búsqueda del amor perdido en una historia concluyente. La fundación gótica es un recurso muy poderoso para exclamar la importancia de los lazos en los que se apoya, el del amor paterno y familiar, así como para dar una forma vaga a los fantasmas que acechan al protagonista. “Algunos lugares son como las personas, algunos brillan y otros no”.

81. Fight Club (1999)

De vez en cuando, llega una obra de arte que define la psique de una generación. En cuanto al cine, los 50 tenían 'Rebelde sin causa', los 60 tenían 'The Graduate' y los 70 tenían 'American Graffiti'. E incluso dos décadas después, 'Fight Club' encaja como un guante en el espíritu inquietante, descontento y antisistema de nuestra generación. Como tantas grandes películas, 'El club de la lucha' es muy divisivo y puede interpretarse filosóficamente de muchas formas distintas: algunos encuentran que define la masculinidad contemporánea, mientras que otros piensan que glorifica la violencia y el nihilismo.

Esencialmente un thriller, la película se cuenta desde el punto de vista de un protagonista anónimo que sufre de insomnio y está descontento con su monótono trabajo que se cruza con un impetuoso fabricante de jabón llamado Tyler Durden. Durden y el protagonista pronto inician un 'Club de la lucha' clandestino como una forma de que los miembros descontentos de la sociedad expresen su ira. Pero pronto los planes de Tyler y las relaciones del narrador se salen de su control, lo que lleva a un clímax explosivo (¡literalmente!)

Junto con la actitud despreocupada que propaga, 'Fight Club' también es un sello distintivo de una dirección excelente de la leyenda contemporánea David Fincher. La paleta de colores sombríos, la edición nítida y el trabajo de cámara elegante han inspirado una horda de thrillers oscuros después de la película. Una película decisiva de los noventa.

80. Antes del atardecer (2004)

Aquí está la verdad sobre la evolución humana que nadie le dirá: la humanidad pronto perderá el arte de la conversación. Los avances tecnológicos tienen un gran efecto secundario: las personas están cada vez menos interesadas en entablar una conversación real, porque tienen tecnología detrás de la cual esconderse. Y esa es exactamente la razón por la que la serie Before se mantendrá durante las próximas décadas. Una serie de películas que tratan sobre dos personas involucradas en una conversación real son una rareza incluso para esta generación. En el futuro, estas películas no se harán en absoluto. Es por eso que las generaciones futuras mirarán hacia atrás a la trilogía Antes con asombro y asombro. Y no me sorprenderá que la trilogía encuentre su lugar merecido no solo en la historia del cine, sino también en la biblioteca de todas las escuelas de cine.

Entre las tres películas de Before, 'Before Sunset' se destaca porque es la más desgarradoramente hermosa. Una película que trata inherentemente del deseo humano más fuerte: el deseo de estar con alguien con quien podrías pasar el resto de tu vida. Si miras de cerca, 'Before Sunset', en última instancia, se convierte en un espejo, al mirar en el cual, puedes juzgar tus propias relaciones: ¿Dónde te equivocaste? ¿Quién era realmente 'el indicado' para ti? ¿Qué oportunidades perdiste? ¿Lo que pudo ser? Es una de las películas más raras en las que su propia experiencia en la vida enriquecerá y nutrirá su experiencia con la película.

79. The Matrix (1999)

Una idea ingeniosa e inteligente interpretada en pantalla por los Wachowski, que resultó en una película que hizo que muchos espectadores desconfiaran de la realidad en la que se encontraban. Es cierto, una vez que se hizo 'The Matrix', no hubo vuelta atrás, cambió. cosas. La película no solo abrió nuevos caminos en su historia, sino que también revolucionó la forma en que se concibieron las películas de ciencia ficción y acción a partir de entonces. El éxito de 'The Matrix' como película también radica en la forma magistral en que incursiona entre temas como la filosofía, el existencialismo e incluso la religión, todo mientras se disfraza de película de acción y ciencia ficción. La capacidad de Neo para manipular la realidad simulada para realizar hazañas aparentemente imposibles y el uso del 'tiempo de bala', una técnica de acción que ahora es nada menos que icónica, se suma al ingenio de la película. El género puede estar sobrecargado ahora, pero cuando salió por primera vez, es seguro decir que el público no había visto nada parecido.

78. El séptimo continente (1989)

Llamar película de terror a 'El séptimo continente' de Michael Haneke me suena muy mal, pero así es como la llaman la mayoría de las personas que la han visto. Es difícil discutir con ellos, porque ver esta película deja a uno sintiéndose desesperanzado, deprimido y asustado. Al tener que ver con una familia que odia el mundo y la vida en general, este clásico de 1989 adopta una postura fría y distante para aislar aún más a los tres protagonistas del resto de la sociedad, lo que de forma lenta pero segura provoca que el público sienta profundamente por ellos como su la existencia da un giro oscuro. Siendo una de las películas más inquietantes que jamás haya aparecido en la gran pantalla, la pieza debut de Haneke se burla del espectador y nunca la suelta. Si el público lo llama película de terror, lo hace refiriéndose a una película de terror que no se parece a ninguna otra. Cubierto de ambigüedad y realismo, El séptimo continente es un recuento personal, íntimo y aterrador de una historia real que te deja en silencio, porque durante al menos un par de minutos después de que termina, te vuelves incapaz de pronunciar una sola palabra.

77. Zodiac (2007)

'Zodiac' no es un thriller convencional; es de ritmo lento y se centra más en el estado de ánimo y los personajes que en la trama. Hay un aura que David Fincher construye tanto que puedes sentir el estado de ánimo de la película en tus huesos. No es una película que te deje feliz cuando termine. También es una película donde el malo gana, los buenos pierden. Y por eso es tan bueno. No solo bueno, sino una obra maestra moderna. Cuando una película logra inquietarte durante dos horas y media completas y dejarte pensando durante días, debe haber acertado muchas cosas que los thrillers de rutina no hacen. En mi opinión, 'Zodiac' es la mejor película de Fincher, donde él, con su disciplina y variedad de habilidades, muestra por qué a veces 'menos es más'.

76. Magnolia (1999)

'Magnolia' es, sin duda, el trabajo más personal de Paul Thomas Anderson. La vibra histérica que Anderson infunde en la película aporta cierta fluidez emocional al melodrama que es increíblemente adictivo y catártico en su energía. La película se desarrolla íntegramente en el Valle de San Fernando con varios personajes interrelacionados que atraviesan diferentes fases en sus vidas, luchando por lidiar con sus propios demonios internos y conflictos emocionales. Anderson ama a estas personas, las conoce y las comprende, pero las presenta sin disculpas como quiénes son; Seres humanos crudamente desnudos, crudos y puros, enfrentando y superando sus miedos y debilidades más profundos. Lo que hace que 'Magnolia' sea tan especial es que es una película que cuenta mucho sobre su cineasta. Se nos da un vistazo a la vida de Anderson, el lugar al que pertenece y las personas en su vida. Hay mucho de Anderson en toda la película. Una película como 'Magnolia', si hubiera sido dirigida por cualquier otro cineasta, se habría sentido anticuada y parecería un producto de su época, pero con Anderson solo aumenta el atractivo de la película.

75. El bebé de Rosemary (1968)

'El bebé de Rosemary' es una obra de arte oscura y retorcida que juega con la inocencia para generar una sensación de horror. Al tener que ver con una mujer que experimenta complicaciones durante el embarazo, la película toma un camino completamente nuevo con su trama al permitir que los elementos rituales jueguen un papel importante. Hay mucho sobre esta película que me encanta, desde los personajes bien escritos hasta el ambiente distante y melancólico que rodea cada incidente que ocurre. Siempre hay una sensación de tensión en toda la película, y eso se debe en parte a la cinematografía silenciosa y prolongada ejecutada con el estilo de dirección estricto de Polanski. Mia Farrow ofrece la mejor actuación de su carrera aquí como Rosemary Woodhouse, una mujer que se debilita mientras lucha con los dolores que conlleva tener un hijo. En general, la atmósfera capturada por esta película es igualada por pocas otras, y la forma en que se filtra en tu piel es realmente algo más.

74. El bueno, el malo y el feo (1966)

Personajes cautivadores interpretados por actores legendarios, acción brutal y desenfrenada, música enganchadora y cinematografía intensa: la tercera parte de la trilogía 'Dollars', que se dice que es el nacimiento de los spaghetti westerns, es un cine indulgente, cautivador y entretenido en su máxima expresión. Blondie or No Name (The Good), un pistolero profesional y Tuco (The Ugly), un forajido buscado, forman una alianza involuntaria cuando descubren un detalle importante sobre un alijo de oro escondido por un cómplice fugitivo. a quien Angel Eyes (The Bad), un sicario, está contratado para matar. El viaje del trío forma el quid de una trama fascinante que termina en una mirada fija al estilo occidental clásico. Clint Eastwood como Blondie es la imagen del machismo, Lee Van Cleef como Angel Eyes es la personificación del mal y Eli Wallach como Tuco agrega una complejidad de carácter de impulso y rabia a los actos del bien contra el mal más simples pero más llamativos de las dos estrellas más grandes. Pero las riendas del director están para siempre en manos de Sergio Leone: utiliza planos largos extensos y una intensa cinematografía de primeros planos, según sea necesario, para crear tensión en el proceso. Una película que define el género Quentin Tarantino, uno de los máximos exponentes del western moderno, una vez llamada 'La película mejor dirigida del mundo'.

73. Los jugadores que viajan (1975)

Durante demasiado tiempo, la epopeya íntima y delicadamente ensamblada de Theo Angelopoulos fue conocida por pocos entusiastas del cine y, quizás, apreciada incluso por menos. Su erección majestuosa y gradual de un monumento cinematográfico a nuestra relación esotérica y críptica con el tiempo es comprensible, no para todos. Pero para los curiosos entre nosotros, se ha sabido que brinda consuelo, brinda sabiduría y brinda una percepción que ayuda a encontrar constantes a las que aferrarse en este mundo universal y cruelmente dinámico. Entre las muchas cosas que acerta esta película se encuentra su impecable comprensión de las revelaciones del cuento de 'Orestes'. La mitología asociada con la figura trágica está capturada con una humildad abrumadora y, sin embargo, la película logra transportarnos a través de su visión flexible a una visión melancólica y persistente de la Grecia de mediados del siglo XX. Su elegancia temporal justifica ver la historia al pararse junto a la compañía: de afuera hacia adentro. Tiende a sentir la dureza de la misma y reflexiona sobre su creación. Es una rara lección de historia antifascista porque nunca nos dice qué pensar. Solo nos muestra qué sentir. Angelopoulos y el director de fotografía Giorgos Arvanitis nos sitúan en escenarios desgarradores y los bañan con la devastadora crueldad de la época. 'The Travelling Players' es una joya humilde y rara que se siente como si se hubiera salvado de las calles llenas de disturbios y hubiera sobrevivido al hambre. En términos más simples, no lo merecemos.

72. Caché (2005)

Michael Haneke es acusado a menudo de tratar siempre con narrativas sombrías. Esa caracterización es completamente injusta porque lo que él esencialmente hace es proporcionar información humana sobre la oscuridad que nos envuelve a todos, cómo nuestras percepciones defectuosas conducen a un aislamiento agonizante y cómo nuestras ilusiones reducen nuestras posibilidades de superar dicho aislamiento. 'Caché' no es solo un documento enorme y abrasador que apunta a la crueldad de la masacre del río Sena de 1961 y nuestra inhumanidad como sociedad, sino también un estudio de carácter poéticamente universal. Georges, nuestro protagonista, percibe la vida y su presencia como un ser social en un sentido de alegría distorsionado. Huye de la comodidad de confiar y comunicarse con los demás. Disfruta de su alienación, al igual que aliena a tantos que lo aprecian tanto. Con eso, Haneke se burla de la generación que desea quedarse sola. Su cámara está a veces inusualmente distante, al igual que muchos de nosotros lo estamos en relación con nuestro entorno. Pero bajo su control, tenemos que afrontar nuestra indecencia, nuestra desconsideración, nuestra realidad. Una de las obras de cine más desafiantes que jamás hayas visto.

71 Espíritu de la colmena (1973)

El maestro español Víctor Erice hizo solo tres largometrajes antes de retirarse. Aún hoy, sus películas como El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ y especialmente Spirit of the Beehive, su indefinible debut, que nos hacen desear que todavía estuviera haciendo películas. Una historia parabílica de dos niños, uno explorando su existencia con una fascinación inocente, a menudo desconcertante, y el otro obsesionado con la película 'Frankenstein', que se proyectó en su teatro local. Su desconcertante retrato del corazón de España queda en una seductora ambigüedad por la dirección característicamente neutral de Erice, que rara vez se aventura en el método cinematográfico en favor de la observación silenciosa. El trabajo resultante es desconcertante, fascinante y te dejará preguntándote sobre el enigma intrínseco de la vida misma: sus preguntas incontestables, sus grandes misterios y su desconcertante inexpugnabilidad. Para dejarlo completamente devastado o incomparablemente conmovido, no hay duda de que, en cualquier extremo, 'Spirit of the Beehive' será una experiencia importante.

70. Todos los hombres del presidente (1976)

Watergate. Una palabra que derribó el telón de la presidencia de Richard Nixon e hizo que la gente se diera cuenta de que incluso una persona de la estatura de un presidente puede agacharse lo más posible para hacer sus cosas. Mientras los compinches del presidente estaban ocupados limpiando el desorden que él había creado, hubo dos reporteros que se dieron cuenta. A pesar de las amenazas que se avecinaban, trabajaron incansablemente, siguieron hasta la más mínima de las pistas y, a veces, se pusieron en peligro en el proceso para hacer llegar los hechos a la gente. Basado en el libro del mismo nombre, escrito por los reporteros Bob Woodward y Carl Bernstein, 'Todos los hombres del presidente' es una astuta observación de lo que debería ser el verdadero periodismo. Dirigida por Alan J Pakula, fue nominada para ocho premios de la academia, finalmente ganó tres y, de paso, perdió la mejor película ante 'Rocky'.

69. Army of Shadows (1969)

Creo que un excelente punto de comparación para los recién llegados al trabajo de Jean-Pierre Melville es el de Stanley Kubrick. Ambos practican una precisión técnica extrema y exudan una confianza absoluta en cada rollo de trabajo que realizan a lo largo de carreras largas y creativamente lucrativas. Dicho esto, una queja barata pero desafiante que cualquiera puede presentar al director estadounidense es su 'falta de alma'. Una vacante de expresión humana. Ese no es el caso de Melville. En 'Army of Shadows', los personajes de Melville arden con una chispa amarga alimentada por la desesperación que hace que todas sus acciones rezuman humanidad. En el mundo mortal del movimiento Wartime Resistance, un movimiento en falso puede resultar en una destrucción total y es con la gracia antes mencionada y el control virtuoso sobre su cine que Melville siembra las semillas de un mundo totalmente creíble y convincentemente muerto. 'Army of Shadows' es una de las obras más silenciosas, intrigantes y monumentalmente conmovedoras del cine francés, y perderse un clásico tan criminalmente pasado por alto sería hacerse un flaco favor.

68. El resplandor (1980)

Con su adaptación del clásico de Stephen King, Stanley Kubrick creó en 1980 una película que pasó a redefinir el género de terror. Aquí, no es solo la historia o los personajes lo que teme al nacer. El entorno y la forma en que ha sido filmado ayudan maravillosamente a permitir que la tensión adormecedora penetre en las mentes de la audiencia. La película sigue a Jack Torrence, un cuidador recién nombrado en The Overlook Hotel, y su familia mientras pasan un período de total aislamiento en el misterioso edificio. A través de impresionantes actuaciones y un excelente trabajo de cámara, Kubrick se asegura de que el contenido de la película penetre profundamente en nuestro subconsciente. La forma en que manipula el sonido y la atmósfera es absolutamente increíble, y crea para unas dos horas y media inolvidables y escalofriantes. El mundo de 'The Shining' es bellamente oscuro, agarrándote con fuerza por el cuello durante la totalidad de su impresionante tercer acto.

67. Barrio chino (1974)

Hay cine negro y neo-noir y justo entre esos dos, se sienta Jake Gittes, vestido pulcramente con un sombrero de fieltro para complementar esa sonrisa en su rostro. Aunque es un gran admirador de Polanki, siempre hay algo que no coincide con el producto final de sus películas. Excepto Chinatown. Esta obra maestra seminal no solo creó una identidad para sí misma, sino que siempre es vista por cineastas que toman prestado su estilo para crear una identidad para su película. Polanski es un mago en el trabajo, engañándonos con pistas distinguibles, así como con el ritmo y el escenario del noir clásico. Pero luego viene el último acto de Chinatown, que rompe con tanta rapidez todas las convenciones que originalmente estaban unidas a películas de misterio similares, que te deja con una abrumadora sensación de conmoción y desesperación. Su fracaso para vencer al Padrino II todavía me desconcierta, pero después de medio siglo, la gente se ha olvidado de Sicilia, pero nunca de Chinatown.

66. Satan Tango (1994)

Confesión número uno: casi nunca vi la enorme y prodigiosa obra maestra de Béla Tarr. Uno asumiría su estatus de favorito cinéfilo de todos los tiempos y la excelente reputación que ha acumulado entre los círculos de las casas de arte estadounidenses y entre algunos de los críticos de cine más informados de todo el mundo me intrigarían. Pero la mera inmensidad de su duración (unos 432 minutos) y el ritmo de loris que tanto había disfrutado en 'Werckmeister Harmonies' de Tarr me parecieron abrumadores. Confesión número dos: Vi 'Sátántangó', por primera vez, de una vez. Me hipnotizó su sentido pragmático del mundo real y su sentido paciente y prudente del cine. Observó más de lo que reflejó y contempló más de lo que entregó declaraciones pulcramente formadas. Su realismo mítico y sombrío era demasiado bueno para ser verdad y demasiado brutal para haber sido realizado con tanto ojo para la belleza.

Todo lo que quería hacer al final era cerrar todas mis ventanas y envolverme en la oscuridad porque la película para mí había sido como ese loco en la iglesia y sus lamentos habían tenido demasiado sentido. Confesión número tres: Me complace informar que las sagaces reflexiones sociales y políticas de 'Sátántangó' han comenzado a hacerse claras para mí, ya que he regresado a ellas repetidamente. Un verano dedicado a devorar la novela de László Krasznahorkai, que actúa como material fuente de la película, fue especialmente memorable. Todo lo que puedo hacer ahora es esperar seguir cosechando los dividendos de este feliz accidente.

65. El exorcista (1973)

'El exorcista' de William Friedkin está perfectamente dirigida. El hombre es famoso por una carrera errática en la que los clásicos caen con fuerza (y a menudo los dos grupos se cruzan para algunas exploraciones fascinantes de la desvergüenza cinematográfica). Con su mejor película, Friedkin decidió rodar un drama que casualmente trataba sobre la posesión demoníaca: cosiendo patetismo a sus personajes complejos y traduciendo visceralmente el texto del autor original William Peter Blatty atrapado entre la creencia y la duda paralizante. El resultado final de dos maravillosos artistas que trabajan en la cima de su juego para ofrecer un brillante clásico del cine estadounidense: uno que eclipsa a casi todas las películas de su género (excepto quizás la desmesuradamente horrible 'Wake in Fright' o la afortunada gira de Tobe Hooper -fuerza La masacre de la motosierra de Tejas ). Simplemente impresionante.

64. Suspiria (1977)

'Porque en nuestros sueños, entramos en un mundo que es completamente nuestro' - JK Rowling. ¿Y si una de las mentes más retorcidas del cine decidiera rociar su subconsciente en un trozo de película? Se considera que Suspiria de Dario Argento desafía la lógica cinematográfica con su historia extrañamente estructurada. Pero creo que es una obra maestra neoexpresionista que captura la verdadera esencia del cine, que es hacernos sentir verdaderamente vivos. Argento comprende el valor del espacio y, por lo tanto, muestra un mayor enfoque hacia la cinematografía y el diseño de escenarios, que son los habitantes dominantes de su película. 'Suspiria' no solo representa el estilo de Argento, sino todo el horror italiano, un género picado por la estética del arte.

63. Un hombre escapó (1956)

Impecablemente preciso e inspiradoramente económico, la diana tan rara de Robert Bresson fue golpeada con 'A Man Escaped' de 1956. La cima de los poderes mercuriales del hombre como cineasta, sigue los intentos del agente de la resistencia francés Fontaine de escapar de una prisión nazi cada vez más peligrosa y encuentra significado en cada fotograma. Desde la interpretación asombrosamente humana del protagonista por el no actor François Letterrier, cuyas mejillas hundidas y ojos desordenados expresaron de manera tan convincente el peso aplastante de vivir en tiempos de guerra, hasta el minimalismo de Bresson que logró cultivar una intimidad abrasadora entre el público y dicho hombre desesperado. : De frecuentes puntos de vista y elegantes composiciones que no se exceden en las técnicas en las que el trabajo circundante de Bresson a veces se ha ahogado. No cortaría ni un solo cuadro, y por lo tanto, la película sirve como un modo absolutamente vital de educación para los cineastas en ciernes: pinta algo tan vivo y denso sin que nunca se sienta dominante.

62. Matar a un ruiseñor (1962)

En tiempos como estos, no hay mejor película que 'Matar a un ruiseñor' para explicar a los neonazis el verdadero significado de casta, credo y raza. Ambientada en las líneas de tiempo de una América dividida racialmente, un hombre afroamericano es acusado de violar la modestia de una mujer blanca. En la cima de las injusticias raciales, cuando una corte llena de gente blanca clama por su sangre, solo queda un hombre para defender su caso. Un hombre blanco, llamado Atticus Finch. Luchó valientemente para presentar el hecho de que todos los hombres son creados iguales en el tribunal de justicia, ya sea de color o no. Sus esfuerzos son inútiles, ya que el tribunal declara culpable al hombre. Pero lo que se queda atrás con el espectador es la lección que Atticus Finch inculca a sus hijos. Es decir, 'nunca se comprende realmente a una persona hasta que se consideran las cosas desde su punto de vista'. Basado en el bestseller de Harper Lee del mismo nombre, 'To Kill A Mockingbird' es una de las mejores películas de todos los tiempos.

61. Ventana trasera (1957)

Lo que distingue a una película de suspenso de obra maestra de las aguas residuales comunes y corrientes que se amontonan regularmente sobre nosotros, es que en esta última, los giros llegan en un instante, descansando más en nuestro impacto que en la veracidad del giro para causar un impacto. Pero en películas como 'Rear Window', las cosas diminutas son evidentes desde el momento en que el fotógrafo profesional en silla de ruedas L.B. 'Jeff' Jeffries mira por la ventana trasera y acumula gota a gota hasta que se inundan, lo que hace que el inocuo Jeff sospeche que un hombre que vive al otro lado del patio ha cometido un asesinato. Hitchcock usa su cámara magistralmente como las herramientas de un ilusionista para mantener a sus espectadores tensos, engañados y adivinando hasta que la revelación asombrosa. A través del acecho obsesivo de Jeff de su tema de interés, Hitchcock comenta las falacias del voyerismo, lo atractivo que puede ser y la tristeza del estilo de vida urbano solitario que lo lleva. Aún más increíble, es tanto un comentario sobre el voyeurismo del espectador como el de Jeff; ya que estamos cautivados por el encanto de Jeff. Vigilar cuando no se está siendo observado es un gozo perverso; Hitchcock lo sabe, lo admira y nos atrae.

60. 4 meses, 3 semanas y 2 días (2007)

Algunas películas te conmueven; algunos te hacen reír; algunos te rompen el corazón. '4 meses, 3 semanas y 2 días' pertenecen a una categoría especial de películas: aquellas que te ponen ansioso y nervioso. Como habrás adivinado, estas películas son probablemente las más raras de las raras. La película sigue a dos amigos que intentan arreglar un aborto en el brutal régimen comunista de Ceausescu en Rumania. Visceral e intransigente, la película te agarra por la nuca y nunca te suelta. Ver esta película es como experimentar la sensación desgarradora que tiene cuando espera nerviosamente que uno de sus seres queridos salga de un quirófano después de una cirugía. No es solo cine realista en su máxima expresión; también es una de las películas que te cambiarán la vida que jamás verás.

59. El año pasado en Marienbad (1961)

Película de 1961 de Alan Resnais 'El año pasado en Marienbad' es lo más cerca que hemos estado de visualizar un sueño, y se hace de la manera más extraña posible. La música que ocupa el fondo durante la mayor parte del tiempo de ejecución funciona como un sedante que pone al público en un estado somnoliento. A pesar de esto, es prácticamente imposible mantener la vista fuera de la pantalla, porque están sucediendo muchas cosas a lo largo de la imagen, aunque solo se muestra poco. Me gusta pensar en 'El año pasado en Marienbad' como una película imaginada desde el subconsciente, por su carácter repetitivo y confuso. Los personajes también están confundidos por el extraño mundo en el que se han metido. Es una pieza madura y sofisticada, y encuentro que la trama principal, que involucra a un hombre y su relación con una mujer extraña a la que recuerda claramente haber conocido el año anterior, aunque ella no recuerda lo mismo de él, es muy inmersiva, original, apasionada, romántica, onírica y, por supuesto, brillante.

58. Fresas salvajes (1957)

¿Alguna vez has estado en un viaje por carretera donde no tienes nada mejor que mirar por la ventana? Durante un cierto tiempo, miras la vista exterior, antes de que tus pensamientos entren rápidamente y lo que hay fuera ahora sea solo una plantilla; ya no retiene tu atención. Así ocurre con Isak Borg, el protagonista de la clásica pieza de humor de Bergman que ha encontrado su lugar en innumerables listas de las mejores películas de todos los tiempos, incluida una compilada por Stanley Kubrick en 1963. Viaja con su nuera para recibir el título. del “Doctor Jubilaris” de su alma mater. A ella no le gusta y planea dejar a su hijo. Pero nuestro profesor, interpretado por el brillante Victor Sjöström, no está muy interesado en el futuro. Sus pensamientos y, como consecuencia, la película, catapultada por las muchas personas con las que se cruza en su viaje, arrojan una luz solo sobre su pasado. Visto a través de la lente indulgente y segura de Bergman, sus recuerdos son simples, familiares y humanos. No glorifican su vida ni rechazan sus logros. Son desordenados, como la mayoría de los nuestros y deliberadamente distorsionados. Cuando finalmente llega al lugar para recibir el honor, nos damos cuenta de que nunca necesitó una recompensa. Ya lo consiguió en esas fresas que recogió con su novia de la infancia, el comerciante que lo recordaba, la convulsa relación con su esposa, lo bueno y lo malo, lo redentor y lo imperdonable. Como nosotros, en la forma de esta película misteriosa e inexplicablemente conmovedora.

57. Las reglas del juego (1939)

La ingeniosa y mordaz comedia de modales de Jean Renoir se las arregla para mantenerse sorprendentemente bien después de todos estos años, sin dejar de ser tan juguetona e inquietante como siempre. Tanto los críticos como el público lo rechazaron en el momento de su lanzamiento, lo que provocó que Renoir cortara una parte significativa de la película después del desastroso estreno, una parte que presentaba principalmente al personaje de Octave, interpretado por el mismo Renoir. No sorprende su crecimiento desde entonces. La película, en su malabarismo astuto y autoritario de personajes, temas, tonos y escenario, es siempre delirantemente entretenida, pero nunca menos diligente o menos suntuosamente elaborada que lo mejor del cine mundial de la época. Sus imágenes escrupulosamente forjadas palpitan con sofisticación, pero el esfuerzo nunca se ve y la película te deja boquiabierto y maravillado cuán profundamente enredado estabas en su atmósfera hábilmente construida. El director de fotografía Jean Bachelet y Renoir juegan con la cámara de una manera que le da ligereza a la película, pero su control implacable es lo que la convierte en una aventura constantemente intrigante. Si todo esto no es suficiente, debe saber que Alain Resnais dijo una vez que la película era la experiencia más abrumadora que había tenido en el cine. Sería difícil encontrar una recomendación más entusiasta.

56. El tercer hombre (1949)

El cine negro es un género asociado con películas que abundan en callejones oscuros, personajes secretos y seductores, una sensación de misterio y un cremoso blanco y negro para cubrirlo todo. Aunque muchas de estas imágenes son intrigantes y ofrecen un buen momento, pocas prueban algo innovador y diferente. El tercer hombre es uno de los mejores films de cine negro jamás realizados, porque cuenta su asombrosa historia excepcionalmente bien, haciendo uso de impresionantes inclinaciones holandesas, luz llamativa y música hermosa. La película tiene que ver con un hombre y su investigación autodirigida sobre el asesinato de su amigo económicamente acomodado. La trama de El tercer hombre está llena de romance, humor negro, giros y suspenso. En el fondo, la película puede llamarse una dulce historia de amor, pero con todo lo demás incluido, ese enamoramiento queda en duda. Interpretando un guión magistralmente escrito, la obra maestra de Carol Reed es una que te mantiene al borde de tu asiento desde su primer acto humilde y alegre hasta un final que puede ser el final más inteligente para cualquier película que hayas visto. alguna vez veremos.

55. Gritos y susurros (1972)

El trágico drama familiar de Ingmar Bergman trata sobre una tristeza que es inmaculadamente desesperada y febrilmente urgente. No se construye pacientemente escena por escena y se entrega en una bandeja al final. Estás hecho para inhalarlo desde el comienzo de la película, que presenta a los protagonistas principales y su dolor endurecido y combustible con hermosos primeros planos que hacen que su sofocante malestar sea claramente evidente. Todo esto está cubierto de una implacable plétora de rojo, en forma de carmesí con el que están pintadas las paredes de la casa en la que transcurre la historia. Bergman nos hace conscientes del hedor a muerte que envuelve a las mujeres con una dirección tan imponente que una muerte real no es motivo de alarma. El anhelo intrínsecamente violento de las mujeres hizo que todo en la película fuera un recuerdo inquietante y empapado de sangre en mi mente. Las imágenes constantemente fascinantes de Sven Nykvist están atenuadas por la escritura sutil de Bergman y las interpretaciones magistralmente vividas de los actores. La luminosa Liv Ullman parece desconcertar y cautivar cada vez que la cámara está sobre ella, mientras que las incrédulas Ingrid Thulin y Harriet Andersson son tan intachables en su trabajo que se siente invasivo entrar en contacto con sus sentimientos. Bergman no nos da ideas claras para llevarnos a casa, pero nos niega todas las demás sensaciones que las que experimentan sus personajes. Nos preguntamos hasta dónde llega su acceso a nuestras emociones y lo extiende a cada paso. En última instancia, 'Gritos y susurros' no se debe creer, se debe vivir.

54. Érase una vez en el oeste (1968)

Tal vez sea la banda sonora inquietante de Morricone o tal vez la visión de Delli Colli que es tan vasta como Occidente o tal vez la determinación inquebrantable que brilla en los ojos de Bronson y Fonda y tal vez sea la culminación de todos estos aspectos en casi todos los cuadros del maestro Sergio Leone. . Si necesitas un western que tenga tanto la belleza de John Ford como el despiadado desenfreno de Sam Peckinpah, entonces simplemente no hay nadie cercano a Leone. En su obra magna, logra lo que le llevó 3 películas anteriormente, crear un mundo místico en medio de la nada. Aunque puede que no haya nada espiritual en la superficie, la película tiene dioses. Dioses luciendo coronas llenas de 10 galones de pólvora y arena que tragan con agua. Además, la elección de Henry Fonda como antagonista fue probablemente la decisión de esa década, ya que sus gélidos ojos azules no se parecían a nada que Occidente hubiera presenciado.

53. Annie Hall (1977)

Nadie puede pretender comprender el enigma confuso y devorador que es el amor como Woody Allen. Y ninguna película de Woody Allen se acerca a mostrarla en su gloria genuina y peculiar que esta historia de Alvy Singer, un comediante neurótico y nihilista de Nueva York que se enamora 'más que del amor' de la tonta, voluble y alegre Annie Hall, y luego se cae de ella. La película también explora las diferencias de género en la sexualidad a través del tipo de relación de Alvy y Annie 'Yin y Yang'. Al final, incluso Alvy acepta el amor como “irracional, loco y absurdo” pero necesario en la vida. El uso de múltiples técnicas narrativas innovadoras, como la ruptura improvisada de la cuarta pared, la rápida alternancia del pasado y el presente a través de cortes suaves, mostrando en subtítulos cómo se sienten Alvy o Annie mientras en realidad hablan algo completamente diferente, y la adición de un ' historia dentro de una historia 'como el clímax, elevan la historia ya atractiva. 'Annie Hall' es probablemente el primer romance verdaderamente modernista en celuloide y ha inspirado a una generación de comedias románticas en su lugar. Sin embargo, ninguno es tan encantador como el que buscan imitar.

52. M (1931)

La aparición de la tecnología de grabación de voz, un fenómeno cuyo encabezado era 'El cantante de jazz' de 1927, provocó una saturación absurda de los diálogos en las películas. La tecnología se dio por sentada como una actualización directa, en lugar de una herramienta para ser utilizada junto con el lenguaje cinematográfico establecido. Fritz Lang, un hombre que comenzó su carrera en el cine mudo con una serie de obras magistrales que incluyen Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen y la excepcional Metrópolis. Su migración al sonido alcanzó su punto máximo en la 'M' de 1931, una película que, al contrario de todas las fuentes circundantes, había eliminado casi todo el ruido ambiental. El resultado es un talkie silencioso con una atmósfera abrumadoramente sin vida: una que apuntala de manera tan efectiva su narrativa. La historia en cuestión ataca a un asesino de niños y la incompetencia del gobierno alemán para atraparlo, formando su propia corte canguro para castigar al asesino. Lo que Lang comunica aquí es de una madurez increíble en el mensaje: la justicia que merece ser servida completamente socavada por el contexto político de la época, con la política registrada del Partido Nacionalsocialista de eutanasia y los ideales cada vez más violentos que se manifiestan como un tumor vicioso en las acusaciones de la gente. . La actuación de Peter Lorre, rica en patetismo y humanismo torturado, ayuda a martillar el profundo engaño de 'M', uno que sigue siendo inconmensurablemente conmovedor incluso hasta el día de hoy.

51. 12 hombres enojados (1957)

La respuesta sobre si el niño era culpable o no, nunca lo sabremos. Pero una cosa que afirma 12 Angry Men es que la lógica siempre prevalecerá sobre la intuición, si hay un hombre cuerdo en medio de un mundo de tontos. ¿Y es la necedad una enfermedad o simplemente un subproducto de la ignorancia? El drama de Sidney Lumet no te pide que uses tu cerebro sobre el corazón, sino que te esfuerces por llegar a un punto en el que puedas tomar una decisión, con ambos trabajando en conjunto. Junto con su fascinante guión, que se enorgullece en el plan de estudios de todas las escuelas de cine del mundo, el trabajo de cámara y la puesta en escena son sacados de un clásico japonés de la nueva ola. Con una actuación inolvidable del elenco, 12 Angry Men es un monumento del cine estadounidense.

50. Luces de la ciudad (1931)

No muchos de los primeros cineastas gozan del reconocimiento y la popularidad en la cultura actual que disfruta Chaplin. Esto puede deberse a muchas razones. Sus películas le hablan al hombre común y son tremendamente divertidas, pero más que eso, sus historias miran situaciones melancólicas bajo una luz humorística. Tal es el caso de la que probablemente sea su imagen más personal, 'Luces de la ciudad', que cuenta la historia de un vagabundo y sus esfuerzos por impresionar y ayudar a una pobre florista ciega. Lo hace bajo una fachada, fingiendo ser un hombre rico para llamar su atención, pero se mete en problemas mientras lo hace. Cuando una película sigue siendo tan divertida y conmovedora en la actualidad como lo era hace más de 75 años, normalmente significa que hay algo que está haciendo bien. 'City Lights' ha dejado su huella en el mundo con su descripción de la pobreza y la vida durante los duros años de la Depresión, que está tan bien ejecutada y se siente que nunca deja de conmover a la audiencia, al mismo tiempo que les da esperanza de un mejor mañana.

49. Ven y mira (1985)

La última mitad de un equipo de cineastas increíblemente hábiles, el director Elem Kilmov estaba casado con Larisa Shepitko, la luminosa virtuosa detrás de 'Wings' y 'The Ascent'. Cuando murió tan tristemente en un accidente automovilístico, Kilmov terminó el trabajo en su excepcional proyecto inacabado 'Farewell' (que podría haber tomado este lugar fácilmente), y creo que lo que hace que todo este contexto sea tan poderoso es la forma en que el dolor del hombre se desangra. cada cuadro de su trabajo. El cine de Kilmov hierve de rabia y desesperación inexpresadas: descomunal en su propio peso abrumador de emoción, y pocas películas jamás realizadas han latido con un sentimiento tan poderoso como Vamos a ver . Podría decirse que el La mejor película de guerra jamás realizada, su infernal descripción de la invasión de Bielorrusia por la Wehrmacht resuena con explosiones ensordecedoras, imágenes de pesadilla y un mundo que se va vaciando lentamente de la vida, sus escenas filmadas con una luz hermosa y hueca. Sin embargo, en toda esta angustia, Kilmov encuentra su camino hacia la comprensión en su conclusión trascendentalmente madura. Quizás, en su compromiso de contemplar la permanencia de la vida, finalmente encuentre la fuerza para enterrar los huesos de su difunta esposa. Uno solo puede esperar.

48. El séptimo sello (1957)

Desde las primeras imágenes del icónico documento de Bergman sobre la fe, el miedo y la alegría, hay un hechizo sobre ti. La mirada dura y granulada al mar, a la costa y sobre ella a un valiente caballero y su fatídico encuentro con la personificación de la muerte definen la claridad del objetivo de la película, incluso si deja espacio para una ambigüedad seductora, casi aterradora, presente constantemente. Beneficiándose de una actuación magnética del incomparable Max von Sydow y de una banda de actores que elevan el asombroso material de Bergman, basado en su obra 'Wood Painting', a niveles inesperados, 'The Seventh Seal' en sus escasos 90 minutos tiene la influencia de una vieja fábula transmitida de generación en generación que impulsa la imaginación mucho más expansiva de lo que ella misma puede esperar contener. El blanco y negro brillante y nítido de Gunnar Fischer asegura que la intensidad desgarradora se arrastre debajo de nuestra piel. La fluidez similar a una corriente es el resultado de una narrativa desarrollada con una confianza sublime y una sensatez tangible. Puede ser una historia completamente simple, que no obstante alberga ideas valiosas en su seno, pero está cosida con una tela tan intrincada y atrevida que no puedes evitar mirarla una y otra vez para que se traduzca en un recuerdo duradero.

47. La Dolce Vita (1960)

El virtuoso de Fellini con cautela, paciencia y poesía suavizado se muestra en su Palme d'Or ganador que en su glamour conmovedor y sombrío captura una forma de vida que parece demasiado esquiva y, de alguna manera, demasiado real. Su ritmo subraya la sensación de falta de rumbo del protagonista y nos obliga a sumergirnos en el arreglo sinfónico de la vitalidad de la vida y lo fugaz que es todo. Este protagonista es interpretado por un Marcello Mastroianni, el mejor de su carrera, quien emplea este regalo del tiempo para llenar sus ojos con un cansancio irresistible del mundo. Cuestionar el significado de ciertas secciones de 'La Dolce Vita' que pueden parecer desprovistas de importancia filosófica o relevancia narrativa es rechazar la posibilidad de dejar que los detalles picantes te inunden y luego contemplar las consecuencias. Mientras la partitura celestial de Nino Rota nos lleva al vertiginoso mundo de Roma, visto a través del ojo ilusorio de Fellini, solo ves lo que él quiere que veas y rápidamente se convierte en lo que tú también quieres ver.

46. ​​Psicosis (1960)

Los seres humanos, en el mejor de los casos, pueden describirse como peculiares. La mente humana, que es capaz de muchas cosas asombrosas, también es capaz de degenerarse más allá de la comprensión. 'Psicosis' de Alfred Hitchcock no necesita presentaciones, ya que mantiene la cabeza en alto, en medio de cines atemporales. Además de ser un clásico, también es un comentario triste sobre la mala moral de los seres humanos. ¡Y no es Norman Bates, claro está! El dominio cáustico de la Sra. Bates que puso la vida de Norman en la depresión durante su infancia y, finalmente, la edad adulta es un recordatorio de cómo el amor puede ser asfixiante. Es famoso que el señor Hitchcock adoptó políticas extrañas para 'Psycho', que incluían no permitir que los participantes tardíos en la película. Fue adoptado para garantizar plena justicia a la palpitante escena culminante de la película. Un thriller en su forma más auténtica, 'Psycho' es la historia de un hijo, su madre y su vínculo posesivo enfermizo. Hitchcock estaba tan ferozmente protegido sobre el final, que promocionó la película con esta línea de etiqueta: 'No revele el final, ¡es el único que tenemos!'

45. Solaris (1972)

'Solaris' de Tarkovsky es bastante parecido a los fenómenos representados en la película. Desde desconcertarme con su concepto profundamente arraigado, hasta convertirme en una entidad de la que no puedo separarme, es una experiencia que me hace pensar en la naturaleza inconsciente de cada molécula que constituye el universo. Tal vez estemos conscientes de las dimensiones científicas, pero ¿algún instrumento puede calcular la cantidad de amor o dolor que uno tiene en un nanogramo del corazón? ¿Algo puede encontrar la célula cerebral donde reside un recuerdo inolvidable? Desde la fascinante música de Bach en la secuencia inicial hasta la perenne escena de la carretera, el uso del tiempo de Tarkovsky para separar al espectador del funcionamiento de un mundo normal es magistral. Solaris es un reino donde las emociones te envían a dar una vuelta por la locura, pero quién no se emocionaría cuando la locura es hermosa al tacto y lo suficientemente visceral como para absolverte de ti mismo.

44. Lista de Schindler (1993)

Una película importante que se beneficia enormemente del talento dramático de Spielberg, es una experiencia igualmente inquietante y sensible en sí misma. La película es, como muchas otras en esta lista, una clase magistral en algo que me gusta llamar narración simplista e impactante. La narrativa sigue a Oskar Schindler, un empresario alemán que salvó la vida de más de mil judíos al emplearlos en sus fábricas durante el Holocausto. Los tres protagonistas, Liam Neeson como Oskar Schindler, Ralph Fiennes como Amon Goth y Ben Kingsley como Itzhak Stern están en excelente forma, convirtiendo en la más sincera de las actuaciones. Una escena en particular hacia el final de la película, donde Schindler se derrumba considerando cuántas vidas más podría haber salvado, es profundamente conmovedora y permanece grabada en mi mente como una de las escenas de interpretación del corazón más poderosas del cine. El hecho de que la película haya sido filmada en blanco y negro, con un uso excepcional y ocasional del color para simbolizar o resaltar un elemento de importancia, realza la experiencia. Fácilmente, la mejor película de Spielberg, sigue siendo una experiencia de visualización de películas esencial.

43. Lawrence de Arabia (1962)

El cine como medio es cada vez más grandioso. Con tecnología de punta a su disposición, los realizadores de hoy nos ofrecen algunas experiencias cinematográficas viscerales. Pero hay algunas películas realizadas antes de que CGI estuviera de moda, cuya escala pura y monumental no ha encontrado un igual. El épico drama histórico de David Lean basado en la vida de T. E. Lawrence , una de las figuras más reconocidas de Gran Bretaña, es una de esas películas. Está protagonizada por Pater O'Toole como Lawrence y narra sus aventuras en la Península Arábiga durante la Primera Guerra Mundial. Desde el primer momento, David Lean pinta una resplandeciente imagen en movimiento del desierto infinito en todo su esplendor, con la ayuda del director de fotografía Freddie Young y una apasionante partitura de Maurice Jarre. Pero de ninguna manera sacrifica la emoción por la extravagancia. En esencia, 'Lawrence de Arabia' es un impresionante estudio del personaje de Lawrence: sus luchas emocionales con la violencia personal inherente a la guerra, su propia identidad y su lealtad dividida entre su Gran Bretaña natal y su ejército y sus nuevos camaradas dentro. las tribus del desierto de Arabia. Esta sana cualidad convierte a 'Lawrence de Arabia' en una de las películas más influyentes que jamás haya existido.

42. Los buscadores (1956)

Posiblemente el mejor western jamás realizado, la mejor película de la gran carrera de John Ford, 'The Searchers' es un clásico estadounidense, entre las mejores películas surgidas de los años cincuenta. Aunque admirado y respetado en ese momento, su poder lacerante y asombroso no fue reconocido durante algunos años, pero a principios de los setenta fue aclamado como un clásico del género y quizás el mejor western jamás hecho. Ciertamente, el tiempo ha erosionado el poder de algunas películas, pero no la actuación imponente y furiosa de Wayne, ni el racismo dentro de la película que alimenta la ira y la rabia. La narrativa que impulsa la película, Ethan y su búsqueda es atemporal, tan poderosa hoy como lo fue entonces, quizás más porque muchos de los puntos sutiles de la historia ahora están claros.

41. Pather Panchali (1955)

La película que trajo el cine indio al mundo y le dio al cine uno de los mejores autores, Satyajit Ray. Basada en la novela de Bibhutibhusan Bandopadhay, 'Pather Panchali' cuenta la historia de una familia empobrecida que intenta prosperar a través de muchas adversidades de la vida. Se puede argumentar que romantiza la pobreza, ya que el espectador es testigo de las muchas pruebas a las que se enfrenta la familia para ganarse la vida. A pesar de eso, son los momentos, intercalados con la música del maestro Ravi Shankar, los que se quedan con el espectador. La afectuosa relación entre Appu y su hermana Durga, la secuencia del tren que es uno de los aspectos más destacados de la película, lleva la película a un nivel completamente diferente. 'Pather Panchali' a lo largo de los años se ha convertido en una de las películas de culto y aparece con regularidad en las listas de las mejores películas de todos los tiempos, y con razón.

40. Casablanca (1942)

La película clásica estadounidense por excelencia. Quizás haya algo tan contagioso en su encanto que aún te enamorarás de él, incluso en los próximos años. Aparte de su inmenso factor de capacidad de volver a ver, su memorable partitura (¡A medida que pasa el tiempo!) Y el diálogo sumamente citable constituyen un caso sólido. En pocas palabras, es un placer cuando todos los elementos de una gran experiencia cinematográfica están presentes en las cantidades adecuadas.

La historia es simple por decir lo menos, casi rozando lo banal a veces. Un hombre cínico y desconsolado que dirige el club nocturno más famoso de Casablanca se encuentra en una encrucijada cuando la dama que amaba aparece con su esposo. Los dispositivos de la trama aquí son las famosas letras de tránsito, pero la historia trata directamente sobre los dos amantes en el contexto de las primeras etapas de la Segunda Guerra Mundial, y la difícil decisión que enfrenta el personaje de Bogart, de aferrarse o soltarse. Sin embargo, como ocurre con muchas películas de este género, la ejecución funciona, transformando 'Casablanca' en uno de los dramas románticos más cautivadores de todos los tiempos que también está increíblemente bien interpretado; Humphrey Bogart e Ingrid Bergman son de primera categoría y cuentan con el apoyo de jugadores como Paul Henreid, Claude Rains y Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Cuando se mira el cine como una forma de arte, no se puede negar la perfección de Barry Lyndon, desde la hermosa cinematografía, fascinantes piezas decoradas, música sobresaliente hasta una dirección poderosa. Como historia, habla de la vida de un joven en la Europa del siglo XVIII mientras sube los escalones hacia la aristocracia, solo para ser devuelto por su mala suerte. La imagen tiene en sí misma algunas de las mejores escenas jamás filmadas, con usos asombrosos de la luz, los colores, las características físicas, etc. No hay mejor manera de resumir la vida de una persona que mirarla objetivamente, y eso es lo que esta película lo ha hecho usando un narrador poco confiable. Es frío y distante, rara vez le da al público la oportunidad de sentir por el protagonista. Desde esta perspectiva, Barry Lyndon es un estudio de personajes lujoso, con personajes ricos, un toque realista y una forma poética de comunicar emociones. Simplemente es el cine en su máxima expresión.

38. El General

Uno de los títulos más antiguos de la lista, 'El general' sirve como recordatorio de que muchas obras maestras de acción modernas están sentadas en una sombra muy larga, proyectada nada menos que por el genio de la comedia muda Buster Keaton. Con una obra tan impresionante como la de Charlie Chaplin, el adorable vagabundo de este último artista intercambia lugares con una cabalgata de personajes deliciosamente tontos en el caso de Keaton; todo ello rodeado de una inquietante inquisición cinematográfica que amplió los límites del medio en películas como Sherlock Jr. y The Cameraman. Todo esto sin siquiera mencionar su obra maestra, El general de 1927: siguiendo a un ingeniero confederado que se apresura a advertir a su lado del avance de las tropas de la Unión durante la Guerra Civil estadounidense. Su narrativa forma una plantilla para la reciente 'Mad Max: Fury Road' de George Miller y casi todas las películas sobre el gato y el ratón que se hayan hecho, perdurando con su comedia hilarante, efectos especiales impresionantes y acrobacias de valentía que hacen que Keaton ponga su vida en peligro más. de una vez por todas para la adulación de su amante público. The General sigue siendo una de las mejores películas de acción jamás hechas, si no la mejor, una que se divierte con cada gramo de su ser y logra convocar tantos momentos magníficamente manejados de escala épica para competir con cualquier jugueteo cargado de CG realizado hoy.

37. Blow Up (1966)

El tiempo ? Los oscilantes años sesenta. ¿El lugar? Londres. La ciudad que deslumbra y enloquece. Vibrante y glamorosa. Sexo, drogas y rock'n'roll. Con todo, un día en la vida de Thomas, un fotógrafo de moda que vive una vida de, digamos, dudosa moralidad. En un día lleno de hechos, mientras repasa las fotografías de una pareja que capturó de manera bastante subrepticia en un parque, descubre un cadáver en él. Va al mismo lugar y encuentra el cuerpo del hombre de la pareja. Asustado, regresa a su estudio para encontrarlo saqueado pero con una foto, la del cadáver. Al día siguiente, el cuerpo desaparece. ¿Quién lo asesinó? ¿Y por qué desapareció el cuerpo? ¿Por qué Thomas sintió que lo estaban siguiendo? 'Blow Up' es el acto de clase del director Michelangelo Antonioni que ha inspirado a muchos cineastas a lo largo de los años, incluidos Brian De Palma y Francis Ford Coppola.

36. Eterno resplandor de una mente impecable (2003)

La epifanía vertiginosa y surrealista del amor y la angustia nunca ha sido explorada de la manera y el grado de éxito con que lo hace 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Exuberante con hermosas imágenes y una partitura inventiva similar a la banda sonora de la época del cine mudo, es imposible explicar todo sobre 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Sin duda, la película tiene una narrativa difícil de seguir, aunque en realidad es simple una vez que comienzas a seguirla, es una de esas películas que es muy gratificante simplemente porque no puedes evitar desmayarte por el concepto tan reflexivo y profundamente conmovedor. película que es. Pero la verdadera estrella del programa es su escritor, Charlie Kaufman , quien en la forma de 'Eterno resplandor de una mente impecable', bien podría haber escrito el guión más profundamente brillante en la historia del cine. Una película que no solo es única a su manera, sino que también se puede volver a ver sin cesar con algo nuevo que se encuentra en cada vista.

35. Taxi Driver (1976)

En 'Taxi Driver', Martin Scorsese nos ofrece uno de los protagonistas más perturbados, inverosímiles pero caprichosos de nuestro tiempo en Travis Bickle. La película lo sigue mientras se convierte en taxista para hacer frente a su insomnio y lo ve ser superado lentamente por toda la locura de la ciudad que lo rodea. La verdadera forma en que Taxi Driver gana como película es cómo logra acercarse sigilosamente a usted, abriéndose camino lentamente a través de la sordidez y el horror que parece afligir a Travis Bickle. En eso, se gana legítimamente su distinción como un thriller psicológico más que un drama, a menudo trabajando en más niveles que simplemente los dos. La película puede ser un reloj perturbador para algunos, debido a su tema oscuro, un tratamiento aún más oscuro y un puñado de violencia, pero para los espectadores dispuestos a mirar más allá, es nada menos que un intento brillante de comprender la parte de la película. psique humana que con mayor frecuencia surge en forma de vigilantismo. Quiero decir, ¿quién no reflexiona acerca de levantarse a la incorrección de nuestro tiempo y devolverlo? Es esa fantasía profundamente arraigada de cumplimiento de deseos con la que juega 'Taxi Driver' de una manera altamente efectiva. La película ahora es ampliamente considerada como una de las más importantes jamás realizadas, y presentó al mundo la fuerza que fue Scorsese.

34. Senderos de gloria (1957)

Antes de que Stanley Kubrick avanzara para explorar los aspectos inexplicables de la sociedad que no solo trascendían el tiempo, sino también las expectativas de los espectadores de sí mismos, hizo esta fascinante pieza de guerra que clasifico junto a 'Ven y mira'. A diferencia de este último, Paths of Glory extrae su desgarradora interpretación de WW de la misma superficialidad de la humanidad, que dominó las últimas obras de Kubrick. En el mundo de Kubrick, los demonios no están cubiertos de sangre y barro, sino de medallas y orgullo, y el infierno se adentra en el lugar más sagrado, la corte. En un momento en que la industria había adoptado las atractivas 3 tiras, el monocromo de Kubrick pintó la guerra con un solo tono. Los cadáveres, los harapos, los barracones, el humo, las cenizas, todo camuflado con la vista común de angustiosa agonía.

33. Tres colores: rojo (1994)

La parte más triste de la desaparición de un artista es cuando piensas que su trabajo final es el mejor de todos. Este fue el caso del autor polaco Krzysztof Kieslowski y su última película 'Red'. Kieslowski ya había anunciado su retiro del cine después del estreno de la película en Cannes en 1994, pero es su trágica desaparición casi dos años después de que anunció su retiro lo que lo entristece aún más profundamente. 'Red' es la última entrega de su aclamada trilogía 'Tres colores' y trata sobre una joven que se encuentra con un anciano después de que accidentalmente golpea a su perro con su coche. El anciano es un juez retirado, alejado de la vida y de cualquier tipo de emociones y se pasa el tiempo espiando a otras personas. Se desarrolla un vínculo poco probable con sutiles matices románticos entre los dos. 'Rojo' trata sobre las oportunidades y las coincidencias que nos golpean todos los días y nuestra incapacidad para reconocer la belleza y el significado de la misma. Hay una inexplicable sensación de melancolía que recorre la película sobre la tragedia del destino y el tiempo humanos y cómo nosotros, como personas en el mundo, estamos todos conectados de una manera u otra. 'Red' es una hazaña asombrosa en el cine y es simplemente una de las mejores películas jamás realizadas.

32. The Treasure of Sierra Madre (1948)

Como sugiere el nombre, a menudo asociamos la búsqueda del tesoro con la aventura palpitante y la descarga de adrenalina asociada a ella. Pero hay muy pocas historias que hablen de las emociones que experimentan las personas al emprender un viaje para conseguir ese oro. A menudo se dice que la adversidad saca a relucir tu verdadero carácter. 'El tesoro de la Sierra Madre' cuenta una historia en la que la lujuria por el oro trae cambios desagradables en los personajes, que finalmente resultan en su desolación individual. Si bien la atención se centra en la codicia que corrompe la conciencia, es el estudio del carácter humano en situaciones adversas lo que permanece en el espectador. Una trágica historia de codicia y traición, esta película ganó el premio de la academia al mejor director, mejor guión adaptado y mejor actor de reparto. Con los años, esto se ha convertido en un clásico de culto para los amantes del cine de todo el mundo.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, término que se denota a las revistas o libros que destacan por encima de la violencia, el sexo y el crimen. Estos elementos hicieron que las revistas se vendieran como panqueques calientes. Tarantino tomó estos elementos, los mezcló en tres historias y creó una narrativa que era nada menos que un genio cinematográfico. Una de las películas de la cultura pop más singulares que se han hecho, el espectador se introduce en el mundo del asesino a sueldo de la mafia Vincent Vega, su socio en el crimen y boca de motor Jules Winnfield, la esposa del gángster Mia Wallace, el boxeador Butch Coolidge y se queda impresionado su elegante tratamiento del crimen y la violencia. Uno de los aspectos más importantes de la película que contribuyó a su éxito fue la actuación de Samuel L Jackson. Como el asesino a sueldo Jules Winnfield, que cita versículos de la Biblia como remate, fue fenomenal. Una de las mejores películas de esta época, 'Pulp Fiction' se ha convertido en un libro de texto para los aspirantes a cineastas de todo el mundo.

30. La batalla de Argel (1966)

Pocas películas han ejercido el peso de la política de una manera que enriquezca su efecto cinematográfico, pero dejar que el maestro italiano incendiario de nombre ingenioso Gillo Pontecorvo tome el punto de inflamación aún hirviendo de la opresión colonial francesa de finales de los 50 contra el pueblo argelino y lo convierta en algo. absolutamente convincente. Los paralelos aún proféticos que la observación admirablemente neutral de Pontecorvo del terror y el terrorismo cometidos por ambas partes dibuja hoy en día hace que experimentar 'La batalla de Argel' sea un desafío intelectual fascinante para nuestra comprensión de la guerra en blanco y negro, al igual que la frialdad de Miklós. La filmografía imborrable de Jancsó. Además, sus técnicas de edición de noticieros son un hito en la comunicación cinematográfica y, en mi opinión, hizo un uso mucho más fuerte de las frenéticas técnicas de corte de la Nouvelle Vague que muchas de sus cabeceras exploratorias. Una vez visto, nunca olvidado, 'La batalla de Argel' es simplemente una pieza fundamental del cine mundial.

29. Goodfellas (1990)

El sueño de un director es crear una película que marque la época en la que se hizo. Pero para Martin Scorsese, es un hábito. Por cada década que ha sido A-Lister, ha realizado una película considerada una de las mejores del período. Hizo 'Taxi Driver' en la década de 1970, 'Raging Bull' en la de 1980, 'Goodfellas' en la de 1990, 'The Departed' en la de 2000 y 'El lobo de Wall Street' en la de 2010. Y es el drama de gángsters de 1990 basado en la historia real del socio mafioso Henry Hill el que se convirtió en uno de los referentes del género. La película, narrada en primera persona por Hill, narra su ascenso y caída como parte de la mafia de Nueva York desde 1955 hasta 1980. En contraste con toda la extravagancia de gángsters en 'El padrino' o 'Scarface', 'Goodfellas' trata sobre el auténticas minucias de la vida cotidiana de un gángster, centrándose tanto en la relación de Hill con su esposa Karen como en sus hazañas con sus compañeros de pandilla. Pero Scorsese usa todas las flechas en su carcaj de trucos para hacer que este asunto sea atractivo, como este legendario tiro largo , un diálogo memorable y un acto explosivo de Joe Pesci como Tommy DeVito, el tempestuoso socio de Hill. Cuando se trata del género criminal, 'Goodfellas' es tan bueno como parece.

28. Toro salvaje (1980)

Martin Scorsese es conocido por representar historias de protagonistas rotos, defectuosos y a menudo autodestructivos en sus películas. Y a menudo ha buscado en los anales de la historia para encontrar a sus héroes caídos en historias reales. 'Raging Bull' es la historia de vida del legendario boxeador Jake LaMotta, cuya rabia autodestructiva y obsesiva, celos sexuales y apetito animal, que lo habían convertido en un campeón en el ring, destruyeron su relación con su esposa y familia. La película está completamente filmada en blanco y negro, para retratar verdaderamente la época en la que se desarrolló y el estado de ánimo oscuro y deprimente que definió. Scorsese esperaba que este fuera su proyecto final. Por lo tanto, fue minuciosamente exigente en su realización cinematográfica. Igualmente dedicado fue Robert De Niro, quien protagoniza el papel titular. Aumentó 60 libras y de hecho entrenó como boxeador. Se empapa de los manierismos de LaMotta con ardiente perfección mientras se sumerge por completo en el personaje. Recibió un merecido por sus problemas. Este es el mayor triunfo de Scorsese-De Niro. Una obra magna intensa y poderosa.

27. El Padrino: Parte II (1974)

En la historia de las segundas entregas, se han conocido pocas películas que estén a la altura de la gloria de la primera, por no hablar de superarlas en algunos aspectos. Si se hace una lista que incluya tales películas, 'El Padrino: Parte II' será su joya de la corona. Estar a la altura del legado del primero fue una tarea gigantesca en sí misma, pero esta continuación de la saga 'El Padrino' no solo tuvo éxito en eso, sino que también expandió su legado para convertirse en parte de la mayor historia estadounidense sobre el crimen organizado jamás contada. La película presenta dos narrativas paralelas; uno trata sobre Michael Corleone como el nuevo director de la 'empresa familiar' de Corleone, el segundo muestra a un excelente Robert De Niro como un joven Vito Corleone, y su ascenso al poder. Las dos historias están hábilmente tejidas, proporcionando una narrativa atractiva que no suelta al espectador ni una sola vez. Al Pacino hace algunos de sus mejores trabajos aquí, su nueva mirada virtualmente mastica el escenario cada vez que aparece en la pantalla. Una de esas películas casi perfectas que se pueden ver independientemente de la hora, el lugar y la última vez que las viste, y aún así terminas en total sumisión y asombro por ella. Si la Parte I es el altar sagrado, la Parte II es el pan y el vino.

26. Una naranja mecánica (1971)

Lo primero que probablemente le viene a la mente cuando se le pide que describa esta película en una palabra es 'perturbador'. La única película de la lista que me atrevo a volver a visitar, me sorprendí estremeciéndome varias veces mientras veía esta película. 'Una naranja mecánica' es un comentario social en su forma más intransigente, que proporciona imágenes crudas de las que uno nunca puede recuperarse. Es oscuro, retorcido y no proporciona redención para quienes lo buscan en una película que probablemente tenga la interpretación más desoladora de una distopía en términos sociales. Y ahí, creo, radica el éxito de la película en llevar un mensaje perturbador a casa. Poco convencional de cualquier manera que puedas imaginar, nos proporciona protagonistas que son rencorosos hasta la médula y se entregan a actos de “ultraviolencia” y violación; comenta sobre el estado sociopolítico de las cosas de la manera más dura que puedas imaginar, te pone en un estado de confusión mientras Alex DeLarge (interpretado por un carismático Malcolm McDowell) es sometido a formas inhumanas de reacondicionamiento y termina dejando a la audiencia en un Farrago de todas las cosas que esta inquietante experiencia te hace sentir a la vez. En verdad, una obra de proporciones kubrickianas.

25. Vértigo (1958)

La historia de 'Vértigo' es la siguiente: el ex detective Scotty (James Stewart) sufre de acrofobia debido a un incidente que sucedió en el cumplimiento del deber. Un viejo amigo se le acerca para vigilar a su esposa Madeleine, que él cree que está poseída. Inicialmente escéptica, Scottie pronto se obsesiona autodestructivamente con la hermosa dama, que parece ser mucho más de lo que deja ver. La brillantez de Alfred Hitchcock radica en el hecho de que sus mejores películas, emocionantes de ver la primera vez, parecen abrir una nueva capa de comprensión al espectador en cada mirada sucesiva. Claro, en un vistazo rápido, 'Vértigo; es un misterio de asesinato psicológico bien elaborado. Pero cuando lo miras una y otra vez, sus temas de agresión masculina y de construcción de la imagen femenina en la mente de un hombre comienzan a desplegarse como una caja infinita y te envuelven. Probablemente la película más envejecida jamás realizada, la brillantez de combustión lenta de Vértigo queda atestiguada por el hecho de que, al abrirse a críticas mixtas, la película es considerada como una de las mejores películas jamás realizadas. Una obra maestra del maestro de los thrillers.

24. Hiroshima, mi amor (1959)

Nacida de la mente del visionario francés de la margen izquierda Alain Resnais, 'Hiroshima mon amour' es una película que llora con un poder trascendental. Su historia del tiempo se entrelazó con la memoria y las cicatrices de ambos que tuvieron lugar en Hiroshima durante la Segunda Guerra Mundial, contada a través de dos personas, un francés y otro japonés, mientras intentan reconstruir el mensaje predominante de la devastación causada allí. Excepto que no hay nada que ganar, intelectual o emocionalmente, con semejante locura. Es un trabajo impregnado de dolor internacional, que va más allá del conflicto mismo y se adentra en las verdades y represiones que acechan a los seres humanos todos los días. A través de las reverberaciones de la explosión atómica, encontramos una pequeña parte de lo que está tan mal en nosotros mismos. El hecho de que Resnais simplemente comprenda esta confusión intocable, en lugar de intentar arreglarla, es lo que hace de 'Hiroshima mon amour' una de las grandes obras maestras del cine.

23. Random Balthazar (1966)

La desolada obra maestra de Robert Bresson es un ejercicio de sentimiento. Se aleja de definir un protagonista claro o un tema central a menos que cuentes la fuerza milagrosa de la naturaleza que es Balthazar y si tomas la película por su valor nominal, no lo haces. Pero si le permite ser su punto de acceso al panorama emocional y temático de la película, es difícil regresar sin recompensa. El estilo visual peculiar, delgado y fresco de Balthazar parece casi glamoroso en retrospectiva; su plácida fragilidad envuelta en una resignada y singularmente sabia sensación de control. Incluso su franqueza palpable oculta un esfuerzo estudiado por reprimirse un poco, por nutrir en su sencillez de escenario y carácter una riqueza dejada al público para descubrir y en algunos casos impresionantes, imaginar. Debido a que los actores hablan tan poco de su situación, experimentamos actos de crueldad aleatorios e irracionales y sentimos una tristeza sofocante. para ellos. En una forma en la que incluso los artistas más consumados apuntan solo a aumentar los sentidos de los espectadores al ajustarse a lo probado y probado, las imágenes de Bresson me proporcionaron una plantilla lírica en la que basar la magnitud de mi compasión, para incluso evaluar cuán consciente es esa compasión. .

Todo esto me devuelve a mi pensamiento original. Asignar significado a cada momento en 'Balthazar' no depende de si asumimos que sus contenidos son alegorías de carácter social o incluso político, sino de la forma en que nos hacen sensación saboreando su complejidad y tranquilidad, en lugar de depender de la exposición sin sentido a la que recurren la mayoría de las películas. Tiene mucho sentido, entonces, que el protagonista sea el burro epónimo.

22. Andrei Rublev (1966)

Creo que 'Andrei Rublev' es el mejor ejemplo del concepto de escultura en el tiempo del autor ruso Andrei Tarkovsky. Gran parte de su último trabajo fue abstracto, ya que se ocupó de temas y visualizaciones increíblemente personales, que se dispersaron a lo largo de períodos de tiempo. Con 'Andrei Rublev', Tarkovsky capturó el tiempo mismo y luego lo acarició con los tonos más profundos del alma de un artista. Tarkovsky es probablemente el único cineasta que pudo alcanzar el mayor logro al representar la represión de un artista. Explora los regímenes opresivos de Rusia que son tan autóctonos del país como su profunda literatura que sorprendentemente ha cuestionado las cuestiones más apremiantes relativas a lo espiritual y lo metafísico. Muchos de los rasgos posteriores de Tarkovsky, incluida la filmación del flujo de la naturaleza, se pueden observar en el viaje de Andrei Rublev. Es una película que te filma, te hace añicos y te hace pensar, tanto durante la película como mucho después de que se hayan publicado los créditos.

21. La aventura (1960)

¿Qué opinas de un misterio sin resolver? ¿O una historia inconclusa? ¿Buscas un cierre buscándolo desesperadamente? ¿O acepta los hechos y luego sigue adelante? ¿No se trata de la vida? ¿Compromiso y seguir adelante? La película que le dio a Michelangelo Antonioni el reconocimiento en todo el mundo, 'L’Avventura' es la historia de una joven que desaparece durante un viaje en yate por la costa de Sicilia. La búsqueda de ella, une a su ex amante y mejor amigo y comienza una relación inquietante. Si bien la historia se entreteje en torno a la búsqueda de una mujer desaparecida, su verdadero propósito es construir una narrativa, sin centrarse en un evento importante y aún así poder cautivar a la audiencia. Los verdaderos motivos de los personajes centrales nunca se explican por completo y, cuando termina la película, el espectador se ve obligado a aceptar que algunos eventos permanecen sin explicación, al igual que la vida. ¡Una obra maestra indiscutible!

20. Sin aliento (1960)

Mucho antes de que Quentin Tarantino se abriera camino en la escena indie estadounidense con su enfoque salvajemente inconformista de la realización cinematográfica que realzaba el enfoque del estilo sobre la sustancia, estaba este hombre llamado Jean Luc-Godard que asumió sin miedo las gramáticas cinematográficas tradicionales y las rompió imprudentemente. hacia abajo, redefiniendo y dando forma a las películas de la forma en que las vemos hoy con una película llamada 'Breathless'. Quizás ninguna otra película haya logrado capturar la locura fugaz de la juventud de la manera que lo hace 'Breathless' con su energía imprudente y su ambiente embriagador. El uso extraño de los cortes de salto estimula la locura inherente de la premisa cuando Godard te aparta ferozmente de sus personajes y te pide que te concentres en los aspectos fragmentados de la historia en lugar de en la historia como un todo. 'Breathless' es uno de los estrenos cinematográficos más importantes de la historia del cine y, si bien continúa polarizando a cinéfilos y críticos, no se puede negar la influencia que tiene en el cine moderno.

19. Siete samuráis (1958)

Akira Kurosawa es uno de los directores más originales, influyentes y referenciados que jamás haya existido. Roger Ebert dijo una vez sobre Kurosawa: “Se podría argumentar que este gran director dio empleo a héroes de acción durante los próximos cincuenta años” y no podría haber sido más cierto. 'A Fistful Of Dollars' de Sergeo Leone, que se dice que dio origen al género Spaghetti Western, se inspiró en 'Yojmbo' de Kurosawa. Nuestra entrada actual también es un hito técnico y creativo y ha inspirado innumerables versiones directas, así como muchos elementos visuales en el cine moderno . El drama épico narra la historia de siete ronin (samuráis sin amo) que toman las armas para defender una civilización pobre que ya no tiene lugar para atacar a los bandidos en el Japón del siglo XVI, que culmina en una feroz batalla climática. Pero la brillantez de 'Seven Samurai' radica en el hecho de que cuenta una gran cantidad de historias bien elaboradas que abarcan todos los géneros dentro del drama principal. Hay elementos de acción, aventura, romance y mayoría de edad presentes en toda la película. También consta de personajes tan desarrollados como un filete raro, que más tarde se convertiría en elementos básicos de múltiples géneros. Verdaderamente una obra de arte inspiradora.

18. El árbol de la vida (2010)

'El árbol de la vida' es la forma más elevada de cine: simplemente no cuenta una historia, sino que tiene como objetivo cambiar tu vida. Es una película que tardará en crecer en ti, y cuando lo haga, te resultará difícil no pensar constantemente en ella. Un poema cinematográfico de alcance y ambición extraordinarios, 'El árbol de la vida' no solo pide a su audiencia que observe, sino que también reflexione y sienta. En su forma más simple, es una historia del viaje de encontrarse a uno mismo. En su forma más compleja, es una meditación sobre la vida humana y nuestro lugar en el gran esquema de las cosas. No importa en qué fe creas o si crees en una entidad superior. La verdadera sensación de asombro en la película surge de la magia que es la vida misma. El aspecto más hermoso de la película es que sigue mejorando con el tiempo, como un buen vino.

17. Primer plano (1990)

El fallecido gran autor iraní Abbas Kiarostami a menudo veía belleza y poesía en los episodios más absurdamente mundanos de la vida humana. Con tramas engañosamente simples y escenarios naturalistas, Kiarostami exploró temas universales que trascendieron sin problemas las barreras culturales debido al tipo de humanidad en la que estaba inherentemente envuelto su cine. 'Close Up' es posiblemente su obra más lograda y una de las obras más originales e inventivas del arte cinematográfico jamás producido. La película toma la forma de una docu-ficción que narra el juicio en la vida real de un hombre que se hizo pasar por el director de cine iraní Mohsen Makhmalbaf. El elenco incluye personas que estuvieron realmente involucradas en el juicio, interpretándose a sí mismas en la película. 'Close Up' es una asombrosa exploración de la identidad humana vista a través de los ojos de un hombre común que lucha por enfrentarse a sí mismo y a su vida y, debido a una tristeza desesperada y un amor genuino por el arte del cine, se pone en la piel de su ídolo para Sepa lo que se siente estar verdaderamente vivo, admirado y respetado. Este es un cine del más alto nivel.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruselas (1975)

Esta película de vanguardia francesa protagonizada por Delphine Seyrig como el personaje principal no es una mera experiencia cinematográfica. Está más cerca de un ejercicio, una prueba, y le afecta de una forma que pocas películas han hecho antes o después. La pieza independiente se centra en tres días en la vida de una ama de casa solitaria y con problemas, mientras pasa por su estricto horario lleno de tareas domésticas mundanas. Es madre y viuda que realiza trabajos sexuales para caballeros por la noche para ganarse la vida. Los problemas surgen cuando, en el segundo día, su rutina se altera levemente, provocando una especie de efecto dominó que se refleja en las horas siguientes. Jeanne Dielman atrae a uno a su mundo lento y meditativo con la firma de director distintiva de Akerman, que involucra una atmósfera diegética y un aura hipnótica provocada por la personalidad tranquila, sutil y paciente de la obra maestra, que es una celebración dolorosa de la monotonía de la existencia.

15. Rashomon (1950)

Una de las piezas cinematográficas más poco convencionales y experimentales de su época, 'Rashomon' observa al maestro en acción, haciendo todo lo posible con sus habilidades narrativas. En pocas palabras, es un relato de un incidente que ocurrió a través de cuatro puntos de vista muy diferentes, los del acusado, las víctimas y los que dicen ser testigos presenciales. Se destaca en todos los aspectos técnicos con una edición casi impecable y una dirección magistral, pero la película asegura sus victorias en las cuestiones temáticas que trata; las preguntas sobre la existencia de una verdad absoluta. ¿Es la verdad realmente tan objetiva e inequitativa como uno pretende que sea, o hay alguna subjetividad relacionada con ella? Normalmente, es objetivo, o al menos se considera que lo es, aparentemente sin otras versiones. Esta película lo cuestiona de una manera que el propio espectador se exaspera con preguntas, y también comenta con frecuencia cómo las personas a veces no son completamente honestas ni siquiera consigo mismas. Es tan complejo temáticamente como parece, pero aparentemente tan simple como quieres que sea.

14. Stalker (1979)

Manteniendo a raya a sus descendientes menores, que incluyen la exitosa serie de televisión 'Westworld', no se puede exagerar la enorme influencia de 'Stalker' en la narración visual. Las ideas, filosóficas, espirituales y científicas, así como su hábil y gloriosa exploración cinematográfica en 'Stalker' han encontrado sus impresiones en muchas obras de ciencia ficción que vendrán después. No es tanto el deslizamiento, el trance y los puntos, el ritmo abstracto o el uso conmovedor de la sepia monocromática fuera de la 'Zona' y los colores de impresión de las ubicaciones en Estonia, lo que se ha reflejado en el trabajo de cineastas como Terrence Malick y Lav Diaz, por nombrar algunos, pero la paciencia y la humildad perdurables. Tarkovsky, en gran parte entregando las riendas filosóficas a la audiencia, deja tanto espacio para que los espectadores descubran múltiples facetas metafísicas de la película por sí mismos, que incluso su inigualable poesía literal y visual parece tanto un producto de nuestra fabricación como de su y sus colaboradores '. Y, sin embargo, la película permanece distante, guiándonos hacia los inescrutables misterios de la mente y el corazón, y nunca terminamos por desentrañarlos, porque el camino recto nunca es el correcto.

13. Fanny y Alexander (1982)

Casi 35 años después de su lanzamiento inicial, el largometraje de dirección final de Bergman es tan fascinante de analizar como lo fue para los críticos de todo el mundo en ese momento, quienes parecían estar luchando para asegurarse de que sus opiniones al respecto fueran escuchadas. Estas opiniones fueron mucho más divisorias de lo que son hoy, pero el lugar de la película en la filmografía de Bergman todavía parece difícil de definir. Es diferente, en tono, estructura y magnitud, a todo lo que Bergman había hecho hasta ese momento. Pero también es una amalgama indudable de todos sus instintos temáticos y visuales entrecruzados en este tapiz que afirma la vida de una familia en la Suecia de principios de 1900. Su pintoresca exuberancia parece llamar toda su atención en la primera vista con sus variaciones profundamente envolventes de rojos, verdes y amarillos suaves y cálidos que forman una paleta de colores tan embriagadora que su ausencia, cuando todo está cubierto de blancos, negros y azules fuertes, parece punitivo. Las crónicas meticulosamente elaboradas de Bergman irradian el entusiasmo de un picnic familiar y poseen la familiaridad de los lazos humanos que se han mantenido unidos durante décadas por un afecto genuino y frágil. En esta interpretación de la vida generosamente montada, el nacimiento y la muerte son incidentales. En el pequeño mundo que habitan estos personajes, como la mayoría de nosotros, las alegrías circunferenciales son todo lo que uno puede esperar y son suficientes para ellos, como deberían ser para nosotros. ¿Es todo una ilusión? Al ver este gigantesco conjunto hacer tales maravillas, uno podría pensar que sí. Si lo es, créame, no quiere que se rompa.

12. Apocalipsis ahora (1979)

Hay películas de guerra que muestran las complejidades de la guerra (como 'Enemy At The Gates'), algunas otras que reprenden y aborrecen su noción (como 'The Pianist') y luego está la audaz 'Apocalypse Now', que no ofrece opinión o conclusión, pero en su lugar deja al descubierto una descripción gráfica de los horrores de la guerra mientras glorifica a los soldados que participan en ella. El debate continúa hasta la fecha sobre si 'Apocalypse Now' es a favor de la guerra o en contra de la guerra. Amalo o odialo; lo seguro es que lo vas a recordar. Una de las producciones más problemáticas en la historia de Hollywood, el corte final del guionista y director Francis Ford Coppola terminó siendo su trabajo más brillante desde el punto de vista técnico. La premisa básica es simple: el capitán Willard debe 'terminar con un prejuicio extremo', el coronel Kurtz, que ha entrado en territorio enemigo y se ha ido sin permiso. Pero es el viaje debilitante de Willard a través de los angustiosos campos de batalla de Vietnam (elevado por la impresionante cinematografía de Vittorio Storaro) lo que permanece grabado en la mente mucho después de que aparezcan los créditos. Con una escena memorable tras otra y actuaciones definitivas de Martin Sheen como Willard, Marlon Brando como Kurtz y Robert Duvall como 'entusiasta del napalm', el teniente coronel Kilgore, 'Apocalypse Now', como Coppola dijo correctamente, 'no se trata de Vietnam. Es Vietnam ”.

11. Los 400 golpes (1959)

'Los 400 golpes' de François Truffaut es una verdadera obra de arte que surge del dolor real. Un trabajo verdaderamente sincero y profundamente personal, Truffaut dedicó la película a su padre espiritual y teórico del cine internacionalmente aclamado André Bazin. De naturaleza claramente autobiográfica, la propia infancia de Truffaut fue turbulenta, y eso se refleja muy claramente en la película. En el exterior, la película trata sobre la delincuencia juvenil y adolescente que a menudo es impulsada por la negligencia social y parental. Mire un poco más profundo y encontrará una película sobre la esperanza; Espero que sea intenso y terapéutico. Antoine Doinel, el protagonista, es de alguna manera una cruda representación de la propia sociedad, una sociedad que esconde sus propios fracasos detrás de reglas, castigos y juicios. La película fluye como un río y lleva a la audiencia por un viaje de esperanza, desesperación, empatía e incluso pura ira. Si alguna vez quisiste ver cómo se ve una obra maestra, no busques más que 'Los 400 golpes'.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch no es un cineasta. El hombre es un soñador. Y 'Mulholland Drive' es el mayor sueño que jamás haya soñado. Un sueño que encierra todas las emociones que encierra la existencia humana. Es difícil explicar o describir una película como 'Mulholland Drive' porque se trata de una película sobre la experiencia y lo que extraes de ella, en lugar de una trama basada en una narrativa convencional que te alimenta con respuestas que felizmente podrías llevarte a casa. Lynch ha declarado a menudo que su visión de una película se basa básicamente en numerosas ideas y sentimientos. Y esto se convierte en una puerta de entrada para comprender una película tan compleja y estratificada como 'Mulholland Drive'. Es un laberinto de sueños, ambiciones, deseos y pesadillas. Lynch sabe lo que más nos aterroriza y lo que nos lleva a la locura total. Y es este reflejo inquietantemente íntimo del subconsciente humano lo que hace de 'Mulholland Drive' una obra de arte tan profundamente desgarradora. Uno que te envuelve con una sensación de calidez y ternura antes de atravesar tu cráneo.

9. Ladrones de bicicletas (1948)

“La simplicidad es la máxima sofisticación” - Leonardo Da Vinci. Una de las tareas más difíciles en la realización de películas es averiguar cuándo terminar la película. El final de Bicycle Thieves está tan sincronizado con el principio, ya que comenzamos desde Antonio, un hombre común que emerge de la multitud, a Antonio, un hombre común que se disipa entre la multitud. La vida en la Roma de la posguerra se había convertido cada día en una lucha, y casi nadie salía de ese pantano de miseria. Hay muy pocas películas que ofrezcan una introspección tan profunda como Bicycle Thieves. Es una película que romperá tu corazón en pedazos y, sin embargo, te inspirará a vivir la vida al máximo. Rara vez, una película tan simple en su premisa es tan brillantemente eficaz en su mensaje. Es prácticamente imposible olvidar la película una vez que la ha visto. Aunque el mayor logro de la película está en la cantidad de cineastas independientes que inspiró, que hasta el día de hoy citan a 'Ladrones de bicicletas' como inspiración.

8. Historia de Tokio (1953)

'Tokyo Story' es a lo que aspira todo cineasta que quiera contar una historia significativa. ¡Obviamente, todos se quedan cortos! No hay mejor ejemplo de película que presenta una historia épica de una manera tan sencilla pero magistral, eficaz e inolvidable. Con 'Tokyo Story', Yasujiro Ozu logró algo que es el sueño de todo cineasta vivo: residir para siempre en el corazón y la mente del público. Cualquiera que haya visto 'Tokyo Story' sabrá de lo que estoy hablando. La película cuenta la historia de una pareja japonesa tradicional que envejece y visita a sus hijos en Tokio solo para darse cuenta de que sus hijos están demasiado ocupados con sus vidas para cuidarlos y se han distanciado inmensamente de ellos, cultural y emocionalmente. . Lo que también es genial de la película es su tema universal con el que cualquier persona, en cualquier lugar, puede identificarse. El estilo cinematográfico de Ozu también asegura que estés absorto en una historia que ofrece una visión profunda de la psique humana cambiante con los tiempos cambiantes. ¡Simplemente genial!

7. In the Mood For Love (2000)

'In the Mood For Love' es simplemente la mayor historia de amor jamás filmada. Período. Fácilmente podría haber sido una obra de teatro o incluso una poesía. Con imágenes hermosas y cautivadoras y una música exquisita y desgarradora, 'In The Mood For Love' cuenta la compleja historia de dos personas sencillas. Dos personas que pasan por el miedo y la tentación de enamorarse; y una vez enamorado, el puro dolor de dejarlo incompleto. 'In the Mood for Love' representa el amor en su forma más vulnerable. Y al hacerlo, revela nuestras propias vulnerabilidades y lo indefensos que estamos frente al amor. Rara vez una película tan sobria y reservada tiene tanto impacto después de verla.

No estoy seguro de si el director Wong-Kar-Wai tenía la intención de hacer la película que hizo, considerando que la mayoría de las veces la filmó sin guión. Si miras la historia, las obras de arte más definitorias son los accidentes felices. Cuente 'In the Mood For Love' entre ellos.

6. 8 1/2 (1963)

Número ocho y medio en la filmografía del maestro italiano, esta épica sofocante y deliciosa de fantasías, pesadillas y una realidad demasiado confusa es como un biscotti, decididamente absurdo en su forma y horneado de una manera que no permite devorarlo por completo en Uno va. Su trabajo de cámara espantoso e inquieto complementa la visión consciente de Fellini de un cineasta que intenta canalizar las muchas experiencias cambiantes que ha tenido a lo largo de su vida en su nueva película. Por muy semi-autobiográfico que sea, '8 1/2' pasa junto a su audiencia con toda su deslumbrante complejidad intacta a un ritmo tan radical, que me encontré intentando deconstruir sus imágenes astutamente compuestas con el propósito de encontrar mi propio lugar en La enorme especificidad de Fellini, pero nunca pudo aterrizar firmemente en el suelo.

Aprovechando la sombría seriedad de Marcello Mastroianni, la pura electricidad de Fellini puede ser abrumadora. Te aferras a tu percepción de un momento en particular y reconoces su sensual riqueza solo para descubrir que el cineasta ha pasado a otra secuencia revoloteante y deliciosamente equilibrada. Sus ideas sobre los artistas y su obsesión desconcertante y ridícula con ellos mismos pueden parecer anticuadas, o peor aún, irrelevantes, pero la audacia de su construcción y expresión nunca se nos escapa. Nos embruja y seduce, nunca nos permite apartar la vista de él y luego se desliza entre nuestros dedos cuando nos damos cuenta de que nunca lo tuvimos a nuestro alcance. Fellini no se diferencia mucho de la clarividente Maya de la película que parece saber lo que todos piensan: una habilidad que su asistente atribuye a la telepatía. Cuando nuestro protagonista, Guido, le pregunta a la asistente cómo lo hace, él dice claramente: 'En parte es un truco y en parte es real. No lo sé, pero sucede '. No hay palabras más aptas para describir la película.

5. Persona (1966)

Creo que es seguro decir que 'Persona' rompió el cine sin ayuda. Siendo una película de terror en la superficie, el clásico de 1966 de Ingmar Bergman es más un estudio de la identidad individual que cualquier otra cosa. Haciendo uso de técnicas de edición innovadoras, ángulos de cámara nítidos, expresiones frías, diálogos envolventes y una dirección espléndida, esta película cuenta de la manera más perfectamente ambigua posible la historia de una famosa actriz que pierde la voz y la enfermera que la cuida. en un hogar apartado, donde sus personalidades distintivas lentamente comienzan a fusionarse entre sí. Siendo la empresa más 'cinematográfica' del director, 'Persona' se asegura de torcer todas las reglas convencionales del cine para tratar de brindar una experiencia fresca y fascinante. Con algunas de las mejores actuaciones jamás puestas en celuloide, la atmósfera de la película nos ayuda a apreciar las preguntas que tenemos al respecto al cambiar inteligentemente nuestro enfoque al arte que se pone en juego. Simplemente no existe nada como 'Persona', y eso podría ser un hecho.

4. El padrino (1972)

Posiblemente, la película más influyente jamás realizada. Una de las adaptaciones más raras que en realidad es mejor que el material original, en este caso, la novela del mismo nombre de Mario Puzo, la película ha perdurado a lo largo de los años y es un clásico en el sentido más verdadero de la palabra que sigue mejorando con cada visita. La película narra una familia de la mafia bajo el mando de Don Vito Corleone y se centra en la transición de su hijo cuando se hace cargo del negocio familiar tras la desaparición del patriarca. Sin duda, las actuaciones son una de las mayores fortalezas de esta película, con grandes como Marlon Brando como Vito Corleone y Al Pacino como Michael Corleone redefiniendo los estándares de actuación con sus actuaciones. Todo lo demás, especialmente el guión y la cinematografía y la partitura que establecen el estado de ánimo, se espera que sean de categoría A y definan el género. Con razón, no existe un cinéfilo que no haya visto esta obra maestra de una película. Es el altar donde vamos a rezar.

3. Ciudadano Kane (1941)

El Santo Grial del cine estadounidense. 'Citizen Kane' definió casi todos los aspectos que abarcan el arte del cine. Una película que rompió innumerables convenciones del cine solo para crear otras nuevas. Desde sus innovadores tecnicismos, incluida la iluminación, el sonido y las imágenes, hasta su estilo narrativo altamente innovador, 'Citizen Kane' cambió la forma en que se hacían las películas. La película es un estudio de personajes profundamente profundo que toma la forma de un drama de misterio al desvelar las verdades de la vida de un enigmático magnate editorial cuya última palabra ha despertado el interés de un reportero. Se embarca en un viaje, explorando a un ser humano que una vez comenzó su vida con ambiciones y deseos crudos, pero que pronto sucumbiría a los poderes seductores de la codicia y la autoridad. 'Citizen Kane' es una obra de arte inmensamente poderosa que explora temas profundos y captura las facetas emocionales infinitamente complejas de vivir la vida como ser humano.

2. El espejo (1975)

¿Es posible que el arte sea tan personal que uno no pueda distinguirlo de su creador? Esta es una pregunta que me llamó la atención cuando vi por primera vez 'El espejo' de Andrei Tarkovsky. Se trata de una obra de arte en la que el artista se entrega por completo a su trabajo y no se puede distinguir entre él y el trabajo que está haciendo. Es casi como si Tarkovsky respirara toda la película. Los autores han hecho sus obras maestras, cambiando y dando forma al cine como lo vemos hoy, pero Tarkovsky dio un paso más allá y alcanzó lo inalcanzable; dando vida a su arte. 'El Espejo' es solo cine. Podías ver a Tarkovsky, su familia, la cultura en la que creció. De hecho, podrías lograr verte a ti mismo, a tu madre y existe este sentimiento de Deja Vu que te asalta al mirar estos lugares. Es casi como si hubieras estado allí, tal vez en la vida o en un sueño perdido en alguna parte. Y que un artista cree algo tan personal e íntimo es algo realmente más allá de las palabras. Es una película que corrobora lo que siempre supimos: el cine es la forma de arte más grande.

1. 2001: Una odisea del espacio (1967)

Como cualquier otra entrada de esta lista, '2001' también es una lección de realización cinematográfica. Varios cineastas, como Christopher Nolan y Denis Villeneuve, han hablado de cómo la película ha sido su inspiración. Entonces, sí, la película es una maravilla técnica. Pero no es por eso que la película encabezó esta lista de tantas grandes películas. Se sienta en la parte superior porque es una película que se atrevió a ir a un lugar donde ninguna película había ido antes. Demonios, nadie sabía siquiera que existía un lugar así al que el cine podría aspirar a ir. Y si alguna vez el arte del cine requirió una razón o una prueba para corroborar que su propósito de existencia es mucho más que un mero entretenimiento, entonces aquí está: el absolutamente convincente y supremamente mítico, '2001: A Space Odyssey'.

Stanley Kubrick amplió los horizontes del cine con casi todas sus películas. Con '2001: A Space Odyssey' también dio un nuevo significado a lo que el cine puede lograr. La mayoría de los cineastas utilizan el cine como medio para contar una historia. Pero Kubrick usó el cine para cuestionar. ¿Qué cuestionó? Todo, desde Dios hasta el propósito de nuestra existencia. Si bien '2001: A Space Odyssey' es una película de ciencia ficción muy inteligente por derecho propio, también es mucho más. Creo que es una película que es más una búsqueda filosófica para determinar si Dios existe. ¡Habla de apuntar alto!

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