100 mejores películas japonesas de todos los tiempos

En primer lugar, me gustaría dedicar algo de tiempo a las menciones honoríficas y los cuasi accidentes: las laboriosas nubes flotantes de la desagradable Miko Naruse, cuando una mujer sube las escaleras, el anhelo y el sonido más perdonable de la montaña no lo lograron. He intentado dejar mucho tiempo para que me entusiasme con su trabajo, pero continuamente no me interesa, es triste decirlo. Tampopo, Castle of Sand, The Man Behind the Sun, Angel's Egg, Belladonna of Sadness y The Taste of Tea tampoco encajaban en mi paleta cinematográfica. Para cortar el flujo de la marea en una sobreabundancia de Akira Kurosawa y Yasujirō Ozu, no incluí su magnífico Stray Dog, Scandal o Kagemusha; ni el prolífico I was Born But & hellip ;, de Ozu, Principios del verano, Finales del otoño, El único hijo, Fin del verano, El sabor del té verde sobre arroz y Una gallina en el viento, respectivamente.

Tenga en cuenta que esta lista es para las mejores películas: por lo que ninguna de estas películas realmente la superó al puesto número 100 independientemente. Solo quería reconocer su calidad entre tantas otras gemas. También están ausentes los sólidos pero finalmente insatisfactorios cerdos y acorazados de Shohei Imamura, Los pornografistas y A Man Vanishes, junto con el hermoso Coup D'état y Cumbres borrascosas de Yoshishige Yoshida, la humilde Conflagración de Kon Ichikawa, El corazón y diez mujeres negras, así como Hirokazu Koreeda tocar después de la vida, como padre como hijo y nadie lo sabe & hellip; todo lo cual me ha emocionado de buscar After the Storm cuando esto termine. Finalmente, me gustaría tomarme un momento para hablar sobre el trabajo de Sion Sono: a pesar de la perseverancia frustrada y la esperanza desesperada, no puedo decir que una sola pieza suya que probé valió la pena. Cold Fish, Tokyo Tribe, Guilty of Romance y la execrablemente pobre Love Exposure son todas tonterías, sobre todo esta última, que fue la peor película que vi en este viaje por el cine japonés. Inaguantable.

Con eso fuera del camino: comencemos. Aquí está la lista de las mejores películas japonesas jamás realizadas.

100 Puerta del infierno (1953)

Una empresa de época lujosamente equipada, el atractivo de Gate of Hell radica en su hermosa paleta de diseños. Dirigida por Teinsuke Kinugasa, más famoso por su hito de 1926 Una página de locura , es una historia muy cerrada que requiere dos intentos para apreciarla por completo, especialmente para las reseñas occidentales que no están familiarizadas con el código de honor del Japón feudal, pero recompensa con un giro ricamente elaborado y siniestros indicios de la amenaza sobrenatural a la que alude el título.

99. Serie Lone Wolf and Cub (1972… 74)

Un candidato extraño para el rey de las franquicias de cómics, Lobo solitario y cachorro rastrea a un verdugo exiliado y a su hijo pequeño a través de una serie de películas de siete partes que conforman este lugar en la lista. Parte III: Carrito de bebé al Hades y Parte VI: Cielo blanco en el infierno son los más fuertes en mi mente, aunque cada uno es digno de un reloj y está disponible recientemente en la Colección Criterion a partir de este año. Es una selección de piezas de personajes cálidos con acción tentadora y humor para eclipsar cualquier formalidad en la narrativa, todas dignas de ser vistas y más que dignas de forjar su propio espacio aquí.

98. Ichi the Killer (2001)

Escandaloso más que indignantes, el intrépido estilo de Miike socava cualquier necesidad de sustancia, centralizando un enfoque en la depravación y el exceso desde el primer momento y cumpliendo su promesa de dolor y derramamiento de sangre en una medida que pocas películas del lado legal de la línea pueden siquiera comprender. Es una diversión gloriosa y tonta con una pizca de oscuridad tan extrema que tienes que tomártelo en serio. No puedo evitar respetar Ichi el asesino por sentirse tan cómodo en su propio absurdo, y aunque el personaje principal demuestra ser un cliché aburrido, Miike encuentra suficiente impulso en las primeras etapas para avanzar hasta el final conmigo confundido, perplejo y absolutamente fascinado por la experiencia en todo momento.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, el hombre detrás de la antología criminal Batallas sin honor ni humanidad , es un artista que aquí expresa una cualidad omnipresente tan maravillosa sobre el cine japonés en general: no tener miedo de abrazar la realización de películas de género. Batalla real está singularmente diseñado como una comedia satírica súper tonta y, si bien golpea marcas humanistas en el camino, los ríos de salpicaduras y una sincronización cómica impecable que Fukasaku adhiere incluso a las situaciones más morbosas hacen de la película una explosión absoluta. El turno de Takeshi Kitano es particularmente notable, descartando todas las nociones de respetabilidad para un asalto total al ingenio y el gusto. Batalla real Es desordenado, eso es cierto, pero la forma en que se reagrupa tan incansablemente una y otra vez para otro ataque más a los escépticos es gloriosa. Sin dudarlo, Fukasaku comprende el arma contundente que sostiene en sus manos y la balancea con toda su fuerza. El hecho de que fuera su última película otorga cierta dignidad a los esfuerzos del hombre: una misión suicida que golpea un hueso de la risa en el que tendrías que estar en coma para no sentir un hormigueo al menos una o dos veces. Entretenimiento esencial.

96. Godzilla (1954)

Una película de monstruos clásica que rivaliza con la de King Kong y cualquiera de la excelente alineación original de Universal, al menos en escala. Godzilla no tiene la humanidad y el ingenio de The Invisible Man o el feroz anhelo de The Creature from the Black Lagoon, pero es divertido. Ver a un hombre grande con un traje mortalmente difícil atravesar el Japón urbano es una experiencia fascinante hasta el día de hoy, principalmente por su ineludible y humilde encanto. Se siente en el momento y, a pesar de sus efectos de rápida datación, es más que bienvenido quedarse allí como la reliquia de una era que se perdió hace mucho tiempo, y ahora es un mejor momento que cualquier otro para esperar que el líder enmascarado Haruo Nakajima descanse en paz.

95. Fruto enloquecido (1956)

Un fundador precursor de la nueva ola japonesa, Frutas enloquecidas el foco en la llama de la juventud encuentra sus pies con una historia sencilla que se extiende mucho más allá de sus humildes parámetros: Saltar la valla de dos hombres enamorados de la misma mujer para reflejar una impresión de la generación de la posguerra en su conjunto. Estas personas son feroces, independientes y desesperadas por demostrar su valía, marcadas por la repetida profanación de los valores de su nación. Encuentra un nicho de narración que rebota en los contextos sociales y políticos y representa los primeros pasos generales de la Nueva Ola. A medida que esta lista continúa, veremos que el movimiento longevo se aventuró para siempre hacia adentro, ya sea fascinado o asustado, y al hacerlo encontrando una narrativa no de naciones, sino de sexualidad, perversión, violencia, codicia, sobrenaturalidad y psicosis. La Segunda Guerra Mundial aún puede acechar en estas historias, pero me parece intrigante que abordarla tan abiertamente como Fruta enloquecida lo que hizo finalmente se encontró con un enfoque, en lugar de una explosión de tema.

94. La vida de Oharu (1952)

Nuestra primera película de Kenji Mizoguchi, La vida de Oharu demuestra un estudio de personajes clásicamente conmovedor que hace que su protagonista refleje la situación de las mujeres en el Japón de la posguerra, algo que Mizoguchi hizo admirablemente a lo largo de su carrera. Una pieza dramática expansiva y compleja que usa el tiempo para resaltar la difícil situación que rápidamente se convierte en su foco, Mizoguchi produce una de sus mejores obras simplemente por la forma en que tan humanísticamente se dobla y rompe junto con la propia Oharu, el director conmovido por la adversidad que enfrenta. Es esta relación que sangra directamente a través de la pantalla lo que permite que la película eleve su drama más allá de la credibilidad.

93. Sueños (1990)

Escrito en la parte posterior de su propio subconsciente, Akira Kurosawa Sueños es una representación pictórica del interior de la mente de un hombre: vagamente comparable a Pastoral excepto que carece de su sensibilidad de la Nueva Ola a favor de una exploración más mesurada y tranquila de los vagabundeos nocturnos de Kurosawa. La colección resultante de viñetas revela algo crudo y único sobre la forma en que la vida se filtra a través de la lente de nuestro subconsciente, y en esta podría ser la película más honesta que Akira Kurosawa haya hecho. Una pequeña joya lúcida y encantadora.

92. Desfile fúnebre de Roses (1969)

La visión abierta del director Toshio Matsumoto sobre Oedipus Rex (quizás el mejor cine tiene para ofrecer), Desfile fúnebre de las rosas marca un hito crucial para la sexualidad alternativa y las imágenes que desafían el género en el cine japonés, y se comercializa sin las fronteras que han transformado el movimiento actual. Es tanto una celebración como una crítica a la expresión humana, entendiendo la confusión que enfrentan sus personajes y abrazando sus propias decisiones con humildad y alegría. Esta conjetura crítica de conflicto es lo que define Desfile fúnebre de las rosas Y aunque no creo que sea el mayor logro del difunto Matsumoto, la forma en que defendió a sus sujetos de una manera tan honestamente defectuosa es algo de lo que todos podríamos aprender hoy.

91. Paprika (2008)

La película de Satoshi Kon de 2008 a menudo se compara con la de Chris Nolan. Comienzo - ambos basados ​​en conceptos de invasión de sueños y coerción. Creo que la diferencia clave que deja a los fanáticos divididos en una barricada es el hecho de que el intento de Nolan tiene una mayor resonancia emocional y enfoque en el personaje, pero todo esto se empantana en una estructura tediosa. Kon escribe durante 85 minutos y llena cada cuadro con una embriagadora floritura de energía y puentes de colores entre capas con tanta libertad y flexibilidad en la narración que el trabajo más denso de Nolan simplemente no puede seguir el ritmo. Al final, ambos se mantienen como ejemplos sólidos de habilidad e ingenio, pero en términos de lo que prefiero ponerme al final de un día difícil, no hay competencia. Y para descubrir la amplia gama de poderes creativos Pimenton tiene en su arsenal, por encima de solo ser un sabor divertido de Inception: uno solo necesita tomar un blu ray y presionar play.

90. Éxtasis de los ángeles (1972)

Como movimiento de toda la industria, siento que los puntos predominantes de la nueva ola japonesa giraron sobre la base del sexo y la violencia. Ambos son intrínsecos a la vida y al arte, elementos que continúan en la alfombra de la producción cinematográfica mundial, pero creo que pocas películas los abordan de manera comprometida. Ecstasy of the Angels comprende su propia vulgaridad. El continuo trato del director Kōji Wakamatsu con un tema tan extremo le permitió perfeccionar la representación de personalidades brutalmente violentas, y el resultado es una exploración enloquecida al estilo de Sid & Nancy en la pérdida anárquica de sí mismo, así como un matiz amargo de romance arrojado a la licuadora. Independientemente de tu vista al final, es un viaje salvaje.

89. Horquilla ornamental (1941)

De todos los artistas de antes de la guerra cuya memoria está siendo abstraída por el tiempo, Hiroshi Shimizu es quizás el principal entre los que necesitan urgentemente un redescubrimiento. A pesar de un generoso lanzamiento de Eclipse por parte de la colección Criterion (un dolor para conseguirlo y jugar en cualquier lugar fuera de Estados Unidos), parece mal mencionado entre los directores más importantes de la época y me aferro absolutamente a la creencia de que debería ser defendido. entre los mejores de ellos. Horquilla ornamental fue lanzado cuando Japón estaba arrastrando a Estados Unidos a la Segunda Guerra Mundial y, sin embargo, está mezclado con una esperanza y simplicidad que recuerda a una época más civilizada, o al menos habla del pacifismo que Shimizu podría haber vivido día a día, ignorando un conflicto. lo considera bárbaro y desafía la imagen exterior de Japón en ese momento. Sin enturbiar esta descripción en demasiadas políticas, Horquilla ornamental se encuentra entre las mejores características que Shimizu creó y es su minimalismo perdurable lo que asegura su resonancia bellamente discreta.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

No dudo que me encontré con una crítica generalizada por colocar tan bajo como un clásico tan admirado universalmente, pero hay que decir que entre incontables miles Ugetsu Monogatari todavía se encuentra entre las 100 mejores películas japonesas jamás realizadas. Siento un disgusto distintivo por la obra maestra profesada de Mizoguchi: una herida persistente de dirección ocasionalmente demasiado simple que a menudo destruye su artificio tan a menudo perfecto y arruina todos y cada uno de sus efectos anteriores. Habiendo dicho eso, estaría mintiendo sin mencionar lo singularmente fascinante que fue esta película para mí cuando era más joven y, a pesar de una decepcionante serie de repeticiones en los últimos tiempos, los momentos mágicos donde todo encaja en su lugar y la composición milagrosa de Mizoguchi, cinemáticamente fascinante y, en última instancia, atracción humana se deslizó de nuevo a mis venas. Ugetsu Monogatari se cuela en la lista en parte porque es un trabajo fundamental, lo cual es una pena porque me enorgullezco de anteponer la preferencia personal al estatus: pero el quid de la cuestión es que quiero amarlo. Algún día, pronto, el afecto podría resurgir y la obra maestra de Mizoguchi se elevará aún más. El tiempo dirá.

87. Inferno of First Love (1968)

Trazando paralelismos en su concepción directamente a los gustos de Jadeante y la compañía meditativa de Eric Rohemer en Mi noche en casa de Maud de la Nouvelle Vague en curso, Infierno del primer amor es una observación tranquila y bellamente absorbente de una pareja dando sus primeros pasos juntos y el aire acogedor, apasionado, hosco, frío y a menudo vacío que los rodea mientras intentan aprovechar la conexión que el título de la película promete con tanta audacia a su audiencia. Es una obra de arte de bajo mantenimiento que recompensa a los espectadores pacientes con una interacción humana conmovedora.

86. Cure (1997)

La edición en Cura es mortal. Progresa hasta un punto en el que quieres apartar la mirada, Kurosawa llena a la audiencia con una comprensión implícita de la crueldad de su película en la forma en que atraviesa la rutina doméstica y los cadáveres salpicados de sangre con tanta naturalidad como respirar; y es esta aceptación excepcionalmente fría, casi psicótica de la muerte en vida lo que me hace cuestionar a su oficial principal, Takabe, y qué tan infernal es la situación relacionada con la violencia en Japón para haberse acostumbrado tanto a los asesinatos brutales. Mientras se mueve a un lento rastreo que comienza a socavar la tensión sin aliento que Kiyoshi Kurosawa ha podido respirar en la pieza, Cura sigue siendo una adición más que digna a su fuerte canon cinematográfico.

85. El mal dormir bien (1960)

La adaptación de Shakespeare más débil de Akira Kurosawa sigue siendo una de sus películas más fuertes, siguiendo vagamente la historia de Hamlet con una púa de crítica corporativa esperando entre bastidores. En contraposición a otras versiones, a pesar de su tangencial, BSW se sienta como una interpretación débil de la obra venerada cuya composición cargada de diálogos no logra capturar la amplitud y el peso del drama de Shakespeare, aunque cultiva un estilo narrativo exclusivo de Kurosawan que agrega una dimensión adicional a el material original y forja un ritmo narrativo deliciosamente convincente. En conjunto más moderno y lleno de suspenso que su inspiración, The Bad Sleep Well es una visita obligada para los fanáticos de Kurosawa que anhelan la habilidad y la sutileza de sus esfuerzos en escenarios contemporáneos.

84. Tetsuo: El hombre de hierro (1989)

Abordar Tetsuo con el estómago débil es como recibir una bala sin chaleco. Mezclado con un lío de accesorios de desecho, juegos desordenados y efectos especiales dolorosos, hay una vivacidad para Tetsuo: El hombre de hierro búsqueda de lo desagradable que lo hace admirable. Siento respeto por la baratura con la que trataron sus creadores para lograr la experiencia más mortificante posible: impactante con su mezcla de sonido contundente y efectos visuales monocromáticos sucios que arrojan lo que sabemos al reino del enigma. Pinta en blanco y negro incluso los objetos más reconocibles que componen De Tetsuo mundo como horribles bastiones de lo desconocido, arrastrándose por las grietas y aferrándose a nosotros para comenzar una metamorfosis de mutación a la vez violenta e inevitablemente enfermiza. Es un trabajo más allá del punto de preocupación por la delicada sensibilidad de su audiencia, y eso es exactamente lo que debería ser el buen horror corporal. Tetsuo: el hombre de hierro es sin duda uno de los mejores.

83. Black Rain (1989)

Una película extrañamente cronometrada que considera que está co-inscrita con el propio tratado de Isao Takahata sobre el costo humano de las bombas nucleares lanzadas en el clímax de la Segunda Guerra Mundial y trata temas similares, Lluvia negra inferioridad a lo maravilloso Tumba de las luciérnagas de ninguna manera significa que deba ser ignorado. En todo caso, las legiones de admiradores que se reúnen correctamente alrededor del trabajo de Takahata también deberían acudir aquí. La primera película de Shohei Imamura en esta lista, Lluvia radiactiva toma una mirada profundamente trágica y minuciosamente personal al peso de la explosión nuclear: Abordar la culpa, el ostracisión, el dolor, la pérdida y la aceptación del evento del sobreviviente y sus graves ramificaciones en un estilo discreto y directo característico de Imamura, es decir, a su manera tan llamativo e inmediato como Hiroshima mi amor lucidez onírica.

82. La humanidad y los globos de papel (1937)

Un clásico formalista en el mismo ámbito que el venerable cuerpo de trabajo de Kenji Mizoguchi, excepto que aquí el igualmente venerado director Sadao Yamanaka se mantiene con una humildad de la que todos los que planean ingresar al mundo del cine pueden aprender. Su otra foto famosa, The Million Ryo Pot , es un relato comparablemente tranquilo, sobriamente compuesto y dramatizado por expertos, aunque creo que la ventaja llega a casa para La humanidad y los globos de papel porque logra hacer una declaración más amplia sobre la esencia de la vida cotidiana. La comodidad de su título juguetón y ambicioso resuena en cada fotograma y, aunque no es una película que encontré intensamente convincente o incluso pacientemente conmovedora, hay algo aquí que exige un reloj.

81. Silencio (1971)

Adaptado de la misma novela que fue abordada recientemente por Martin Scorsese, Masahiro Shinoda's Silencio sirve como un foco fascinante sobre las diferencias entre los estilos cinematográficos occidentales y orientales. El tono áspero y estoico de Scorsese se dobla a favor de una perspectiva mucho más humilde bajo la mano estudiosa de Shinoda, lo que permite un poco de remordimiento y sentimentalismo en una versión del libro, por lo demás fascinante y naturalista. Una escena que resalta la destreza de Shinoda en desarrollar una atmósfera mundana para su relato religioso sin la necesidad de manipulación se presenta en la forma de una anciana cantando en una habitación llena de gente: Apenas una palabra resuena con la historia en cuestión, ni ninguna. una mayor caracterización transmitida y, sin embargo, imbuye al resto de la película de una vitalidad ineludible que se dobla de manera tan evocadora bajo el peso de la angustia y la desesperación que enfrentan los sacerdotes y sus discípulos. Sobrio y seductor, su humildad encabeza la obra del legendario director italoamericano para mí en cualquier momento.

80. Vete por segunda vez Virgen (1969)

Inmediatamente haciendo las cosas difíciles para sí mismo, Ir, ir, por segunda vez, virgen golpea su tiempo de ejecución de 65 minutos con una de varias escenas de violación incómodas. Diseñar una narrativa a partir de la relación fortuita de la joven afligida con un asesino igualmente joven y perturbado que observó desde lejos la obra breve pero vital del director Kōji Wakamatsu se define a sí misma al no atribuir nunca una convención narrativa a la pareja. Dejada a sus propios dispositivos, revelaciones y conversaciones, la película hace un uso sorprendente de su presupuesto abundantemente bajo con una composición frecuentemente efectiva en el carácter de la Nueva Ola japonesa, así como una descripción confrontativa de la violencia sexual mucho más atractiva, densa y profética que Nagisa. La infame falla artística de 1976 de Oshima (y eso es decirlo generosamente) En el reino de los sentidos .

79. Los pecadores del infierno (1960)

Marcado por un guión menos que intuitivo y una trama mediocre, Los pecadores del infierno todavía se las arregla para hacerse un lugar en esta lista por su control excepcional del artificio. Cada cuadro está impregnado de una iluminación húmeda y salpicada de una paleta de colores turbios, puntuada ocasionalmente por punzadas penetrantes de rojo que sirven como un recordatorio sutil de la agonía por venir. Lo ves, Jigoku es un juego de espera: una película que espera su momento en el monótono mundo real antes de sumergirse en el infierno. La excelente escena de apertura le da a la audiencia una bocanada de sangre que tentativamente tenta en todas las demás escenas hasta que finalmente se nos permite experimentar el Tártaro por nosotros mismos: una cabalgata de deslumbrante costura, colores gloriosos, extras excesivos y pánico genuino a medida que los personajes tienen tiempo para contemplar las consecuencias de sus acciones. Entonces, si bien es tedioso, la recompensa nos recompensa con garantías de ver Los pecadores del infierno al menos una vez, por poco, en el cine coincide con su visión intrínsecamente conflictiva y sin vida del inframundo.

78. Veinticuatro ojos (1954)

Siguiendo el lugar matriarcal de una mujer joven al frente de una clase de escolares y sus implicaciones en la sociedad circundante, Veinticuatro ojos es un texto feminista que carece de la neutralidad de género trascendental de algo tan magistral como Jeanne Dielman, pero conserva su lugar como un importante trabajar para una fuerte actuación central de Hideko Takamine y la pista narrativa al estilo de Thiassos que se extiende desde 1928 hasta 1946 en un amplio estudio de la política interna y la progresión de la percepción a lo largo de los años desde la paz hasta la guerra.

77. Sr. Thankyou (1936)

La discreta meditación de Hiroshi Shimizu sobre nuestra interacción, Sr. Gracias sigue a un grupo de personas en un autobús y explora todo tipo de carácter emocional en el viaje de una hora hasta su destino (afortunadamente, alejándose de un viaje en autobús que terminaría mucho menos suavemente un poco más adelante en esta lista). Es un retrato encantador de la poesía en la vida cotidiana que se eleva por encima de tantas películas superficialmente ambiciosas en esta lista por su capacidad para sentarse y hablar durante poco más de 60 minutos sin perder el ritmo. Un pequeño tesoro.

76. Calle de la vergüenza (1956)

Balanceándose al borde de una obra, Kenji Mizoguchi Calle de la vergüenza es uno de los grandes cantos de cisne, uno que se basa en toda la experiencia cinematográfica del hombre hasta ahora en su carrera y la ensambla en un trabajo oportuno, característicamente cuidadoso y notablemente humano. Al vivir en un burdel durante el ocaso de la legalidad de la prostitución en Japón, Mizoguchi construye un tapiz maravillosamente conmovedor de conflicto y aparente 'amoralidad' dado su verdadero rostro que atraviesa la percepción y nos permite ver los prejuicios del pasado. Hoy en día, las audiencias a menudo disfrutan de personajes claramente antiheroicos o criminalmente inseguros gracias al llamativo brillo de GoodFellas y otras representaciones elogiosas, a menudo alegremente sádicas, de personajes moralmente inseguros. En 1956, particularmente durante una transición legal, tal película debe haber sido inaudita. Las mujeres de Calle de la vergüenza solo están tratando de vivir, y eso es lo que hace que su carga sea aún más desgarradora.

75. Hierbas flotantes (1959)

Considerado legítimamente entre los mayores logros de Ozu como artista, 1959 Malezas flotantes rastrea una compañía itinerante de artistas y los problemas familiares que enfrentan durante sus viajes, en particular la reunión de partes previamente separadas que amenaza con absolver a la lucrativa compañía de teatro. Es tan poderoso como las mejores películas de Ozu, pero discrepo con cierta medida de la narración aquí, en particular la estructura. Comparado con algunas de las últimas películas de Ozu que encontraremos aquí, no puede compararse con ellas, pero al menos es una medida de cuán hábil era un artista que Malezas flotantes todavía se las arregla para romper el top 75 en una forma contemplativa luminosamente silenciosa. Todavía seminal.

74. Pastoral: morir en el campo (1974)

Shūji Terayama Pastoral es un ejercicio sublime de rareza. Sería ingenuo que alguien llamara a esta rama en particular de lo extraño 'surrealista' porque Pastoral es mucho menos sutil que eso: empaqueta su breve tiempo de ejecución lleno de comedia absurda e imágenes fantásticas que evocan un recuerdo que el director experimentó en su futuro. Lo incomprensible de tal inspiración es poco a la vista de su trama e ideas, aunque, como en su obra anterior, la laxitud de la trama de Terayama no le resta valor a la experiencia que está tratando de proporcionar, y si su obra maestra intenta expresar la ira y la pasión de un joven descontento, entonces este es su seguimiento más personal: una exploración de una mente fascinante magníficamente fotografiada y cálidamente realizada. Es fácil hacer una película extraña, pero para luego acentuar el impacto de su virtuosismo visual con personalidad, técnica y capacidad de dirección es algo que el hombre logra aquí. Realmente es algo para ser visto.

73. Perfect Blue (1998)

Un grito definitorio de talento del animador Satoshi Kon, Azul perfecto encuentra la fisicalidad en la lucha interna de un ídolo del pop retirado que intenta captar su nueva identidad, todo envuelto en el empuje en constante evolución del mundo moderno. La sensibilidad visual de Kon conduce a momentos cinematográficos magníficos y muy exagerados, pero creo que el diseño narrativo embriagador Azul perfecto encuentra en la implacabilidad con la que su protagonista se tortura a sí misma y, al hacerlo, es torturada la empuja más allá de cualquier hipo de dirección. Es una pieza metafísica que se permite a sí misma hacer que el horror sea real, que empuja los límites de las características animadas tradicionales para algo en conjunto más oscuro y perturbador por su valentía. A pesar de sí mismo, Kon no rehuye la realidad en su descripción de la degradación mental, y eso es lo que ancla los dilemas de otra manera anticuados de Azul perfecto para este día. Un experimento de animación fascinante, a menudo desconcertante.

72. Dark Water (2002)

Una evolución directa de lo aterrador El anillo , De Hideo Nakata Agua oscura representa el segundo y quizás el único éxito del director, y uno que logra llevar su estilo aún más lejos. Está adornado con una madurez que escapa a muchos J-Horrors, apuntalando el poder de su drama con una astuta atención al equilibrio y la precisión que los artistas menores serían completamente incapaces de comprender. Es la búsqueda palpitante de algún objetivo invisible que repercute en cada escena y convierte la inevitabilidad en un arma no solo del miedo, sino también de la compulsión.

71. Yûkoko: el rito del amor y la muerte (1966)

Yûkoko: el rito del amor y la muerte es infame por algunas razones, a saber, porque su directora Yuiko Mishima también se suicidó a través de seppuku después de un fallido golpe militar. El hombre fue la base de la mejor película de Paul Schrader, Una vida en cuatro capítulos , y se centra a sí mismo como un tema demostrablemente fascinante aquí, haciendo uso de la puesta en escena de Noh y la fuerte composición para profesar su mensaje sin palabras. Los efectos especiales que provocan chirridos son enormemente impresionantes para su época, simulando el acto de Harakiri con un efecto sorprendente y dando la puntuación perfecta al patriotismo de Mishima. Sin rendición.

70. Akira (1988)

Un hito reluciente de la animación japonesa con neones y su infiltración en el centro del escenario internacional, Akira marca un punto revolucionario del anime e impresiona incluso hoy en día con sus colores brillantes, su lindo futurismo y la transformación amorfa y abominable del personaje principal. Si bien la estructura de la historia está repleta de notas al margen y es incapaz de encontrar una dirección clara en la que prosperar, la revelación de Akira La acción y las hazañas más impresionantes de la animación son lo que la hace tan influyente y agresivamente atractiva: pantallas abrasadoras con viñetas expresamente elaboradas y que trascienden la estupidez boquiabierta de su progresión por algo realmente espectacular. Es vicioso, dinámico y entrañable, un clásico digno y un puntapié inicial para una era maravillosa de producir animaciones de alta calidad.

69. Sansho the Bailiff (1954)

Es en este punto que tengo que confesar: nunca me ha gustado la obra de Kenji Mizoguchi. A pesar de haber intentado varias veces abrirme camino a través de sus fotografías, nada se ha quedado realmente atascado. Poco me atrae de su trabajo y lo que hay en el nivel escrito se vuelve aburrido una vez que lo trasplanta tan tajantemente a la pantalla. Sin duda hay maravillas en el trabajo de este hombre, pero me sigue engañando. Con todo esto en mente, al menos encontré algo de consuelo en mi re-reloj de Sansho el alguacil para esta lista, una película que anteriormente me había dejado frustrado con su desperdicio de material tan poderoso. Este intento floreció en una nueva apreciación del enfoque iconoclasta de Mizoguchi, uno que se siente vacío en su trabajo anterior. Está salpicado de escenas profundamente conmovedoras y, aunque creo que la película dura unos 20 minutos demasiado, y podría elevarse a los reinos de la maestría en un espacio más conmovedor, al menos ha hecho terreno para el legendario artista en esta lista. Tal vez dentro de unos años pondría el trabajo de Mizoguchi más alto aquí, solo se puede esperar.

68. Onibaba (1964)

Nuestra primera película de Kaneto Shindo, Onibaba Teje una historia de desconfianza y engaño- dos mujeres ladronas influenciadas por una máscara poseída que pronto busca su propia agenda. La atmósfera de paranoia que Shindo desarrolla a través de su cuidadosa puesta en escena y su historia discordante es equivalente al éxito de la película: unir nuevos personajes y eventos para aumentar la sensación de temor de la audiencia junto con la de sus actores principales para alimentar una conexión emocional paralela única. Pero pienso, por encima de todo esto, Onibaba El estatus perdurable como un clásico del cine de terror japonés proviene de una sola toma: una sola imagen que empaca tanta energía visceral en su quietud paralizante que me sorprendió físicamente, desalentado de aventurarme de nuevo en Onibaba por miedo a encontrar esa misma presencia aterradora. Frente a ese conjunto de fotogramas perfectamente inquietante, el resto de la película casi palidece en comparación: pero descartarlo por completo sería perder el sentido de una acumulación tan controlada, así como su clímax sensacionalmente manejado.

67. Sonatine (1993)

Lo que siempre impresiona del trabajo de Takeshi Kitano es la forma en que aporta ligereza incluso a los escenarios más duros. El casi desaparecido Fuegos artificiales y violento Golpe ambos de alguna manera comparten su lugar en la lista con su obra, Sonatina , y todos hablan de su popularidad en el Japón nativo como comediante de pantalla y cómo esas raíces se filtran sutilmente en sus ofertas cinematográficas. Cada cuadro que habita brilla, a pesar de su composición de historias oscuras y, a menudo, brutales. Jugar con nuestra percepción de la moralidad humana y la simpatía con tanta destreza es lo que hace a Kitano una figura tan fascinante como la que ha surgido del cine japonés en las últimas décadas, y lo demuestra, como dijo con tanta habilidad Rodger Ebert después de que vi Sonatina , que los valientes estudios sobre el crimen no necesitan sacrificar la profundidad por un compromiso a la Tarantino con sus monólogos superficiales y su 'caracterización' de portavoz. Kitano puede hacer ambas cosas.

66. Demons (1971)

La marca de agua New Wave Toshio Matsumoto sorprendió 2 años antes con su exquisita Desfile fúnebre de las rosas y los demonios de 71 mantiene su impulso sensorial con un paisaje nocturno de tomas crudas que sumerge cada imagen en la oscuridad total, solo lugares y jugadores iluminados en la penumbra de pesadilla. Otros directores han experimentado con esta técnica, quizás uno de los primeros ejemplos notables que se encuentran con el interrogatorio de Louis Malle en Elevator to the Gallows, pero pocos lo han llevado a efectos tan invasivos, cada toma provocó una amplia sensación de pavor y, lo que es más importante, desesperación. No importa qué tan cerca estén sus protagonistas de escapar de sus atacantes sobrenaturales, nada está a salvo. Eso, claramente, es un horror existencial ejemplar.

65. Sigue caminando (2008)

Creo que la imponente sombra de Yasujiro Ozu puede proyectar una sombra considerable sobre cualquier cineasta dramático, y el muy apreciado Hirokazu Koreeda es quizás el principal entre los afligidos. El hombre intenta evadir la comparación comparando su trabajo con el de Ken Loach, más que con la leyenda japonesa, sin embargo, tal semejanza es ineludible y resalta varias deficiencias en el método de Koreeda. Ozu te invita a sentarte con sus personajes y poco a poco va desentrañando el punto de la historia, mientras que Koreeda coloca su cámara en la misma habitación que el drama y simplemente observa en silencio. Su estilo es mucho menos directo, algo que recuerda la técnica del maestro taiwanés Hsiao-Hsien Hou, pero aún más distante.

Con todo esto en mente, la negativa de Koreeda a entrometerse, sin embargo, conduce a algunos momentos poderosamente íntimos más adelante en la línea, donde comienza a florecer a medida que los personajes nos permiten salvar los seis grados de separación entre su mundo y el nuestro. Algo tan simple como una persona acercándose a un piano, la extrema disparidad en el enfoque que subraya la importancia de la escena, hace maravillas al dar a la audiencia vislumbres diminutos y evocadores de la mente de sus personajes. En efecto Sigue caminando es un bastión de esperanza que anima a los cineastas del Japón contemporáneo a caer en el redil del drama familiar y esforzarse por imbuirlo de la misma compulsión e impacto que hicieron artistas como Ozu y Naruse hace tantos años. Con directores como Sion Sono en escena, es un regalo que gente como Hirokazu Koreeda todavía esté por encima del sórdido vientre y nos dé algo tan tranquilo y cautivador en su retrato de la vida suburbana.

64. Confesiones entre actrices (1971)

Una película brutalmente honesta y característicamente abierta, no muy diferente a la implacable inquisición de Luz de invierno - Yoshishige Yoshida Confesiones entre actrices sigue los traumas que hicieron que tres mujeres se comprometieran con su oficio: la primera película en color del director y, de manera fascinante: una que en esta nueva y sonrojada riqueza de color elimina gran parte de su trabajo de cámara extremo para una búsqueda monótona y desnuda de la verdad. y su efecto en estas personas. La revelación es, a su manera, una forma de curación, y Kiju Yoshida Confesiones entre actrices funciona maravillosamente como debate sobre esa idea.

63. La balada de Narayama (1984)

La balada de Narayama representa quizás la película más famosa de Shohei Imamura, en sí misma una nueva versión de un clásico igualmente venerado. Lo que distingue a la pieza de Imamura es su enfoque táctil de la acción humana: fascinado con las sombrías respuestas y las psiquis mutadas que la gran tensión emocional ejerce sobre la mente de un hombre o una mujer. Sus películas anteriores manejaron estos temas mucho mejor, sin embargo, creo que eso no excluye La balada de Narayama de pararse alto entre ellos. Su conocido cuento folclórico es un estudio igualmente cuidadoso del comportamiento humano y, aunque carece de la morbosidad que le dio a su obra de los 60 su mordedura, Shohei Imamura sigue ofreciendo una obra de arte real satisfactoriamente compasiva.

62. Mandara (1971)

Mandara es, a su manera, una de las películas más fascinantes desde el punto de vista cinematográfico de principios de los setenta. Desafiante pero universalmente gratificante en el tema, la fotografía y el asombroso estado de ánimo que crea: es un trabajo incomparablemente extraño que podría haber llegado a los escalones superiores de esta lista si hubiera tenido tiempo de sumergirme más profundamente en su mundo ricamente extraño. Es suficiente decir: esta joya New Wave poco vista es una necesidad absoluta.

61. The Tale of Princess Kaguya (2012)

El regreso a la forma del venerable Isao Takahata en 2012 después de la impresionante de 1988 Tumba de las luciérnagas , El cuento de la princesa Kaguya es simplemente hermoso. Una fábula familiar adecuada para cualquier edad, su estilo de animación absolutamente hermoso se remonta a los diseños clásicos pintados en una manta de blanco, un ideal de regreso a lo básico que ha inspirado propiedades en más de un medio desde entonces. El atractivo estético de largo alcance de Kaguya la historia no eclipsa del todo, pero su luminosa compulsión cinematográfica sigue siendo ineludiblemente embriagadora de principio a fin y exige la atención de cualquier fanático de la animación.

60. Tu nombre (2016)

La película más reciente de esta lista, la del año pasado Tu nombre es una revelación. El cine popular en Estados Unidos a menudo puede ser tan cínico y sin vida, que incluso su escena indie comienza a sentirse atraída por la fama más que por el mérito artístico (sin desacreditar las obvias excepciones a esta creciente observación). Digo todo esto porque habiendo estudiado los estrenos japoneses contemporáneos para esta lista, es emocionante tener una película tan maravillosa como Tu nombre tener tanto éxito en la corriente principal como antes. Japón se ha visto inundado y dotado de una gran cantidad de funciones animadas desde entonces. Akira en 1988 y aunque el bruto a menudo inunda los diamantes debajo de él, una película tan fuerte se abrió paso con facilidad. Sin introducción ni comentario solo mira Tu nombre . Es algo con el corazón y las intenciones honestas de lo que todos podríamos aprender una lección hoy.

59. Nausicaä del Valle del Viento (1984)

Nausicaä del Valle del Viento es uno de los primeros baluartes de la sublime habilidad artística del titán de la animación Hayo Miyazaki. La narración es exquisita: construye una especie de futuro apocalíptico hosco como en nuestro propio mundo con libertad de dirección y una magnífica realización de la flora y fauna únicas de la tierra, todo poblado por un elenco diverso de almas solitarias que expresan el reconocimiento progresivo de sus no deseados. mundo maravillosamente. La primera de muchas obras de Miyazaki genuinamente sentidas, originales y deliciosamente inspiradas.

58. ¿Bailamos? (1996)

Creo que lo que separa ¿Bailamos? de cualquier otra película de 'afirmación de la vida' es lo serio que es. El propio tratado de Akira Kurosawa sobre la realización (o la horrible falta de ella) en Ikiru Es un marcado contraste con el encanto inofensivo aquí, uno que germina naturalmente y se cuela en nuestros corazones, en lugar de abrirse camino a través de puntos de trama impulsados ​​cínicamente. Es una película maravillosa, una a la que se le ha otorgado una posición tan alta por lo alegremente creíble que es su historia y lo cómodo que se siente el director Yoshikazu Suo con su producto. Una delicia.

57. Akitsu Springs (1962)

El gran avance de Kiju Yoshida, Akitsu Springs representa el amanecer de algo especial dentro de los reinos de la nueva ola japonesa. Ya en 1962, Yoshida pudo llevar el enfoque psicosexual de muchas películas japonesas en ese momento a un punto crítico y tapar sus profundidades internas con una precisión impecable, una fascinación que solo continuaría agudizando a medida que pasara el tiempo. Una serie de seguimientos igualmente fantásticos lo consolidó como un miembro clave del movimiento, pero para mí es Akitsu Springs que se mantiene más fuerte como propietario de su genio cinematográfico.

56. Una esposa confiesa (1961)

Nuestra primera película cortesía del prolífico Yasuzo Masumura, 1961 Una esposa confiesa es un logro supremo de la primera nueva ola japonesa. Siguiendo a una mujer acusada de la muerte supuestamente accidental de su esposo, captura las olas de agresión, cinismo y diversión características del lado más oscuro del cine japonés en ese momento, excepto sin nada de su violencia a menudo sangrienta y brutal. Lo que tenemos aquí es violencia mental, disparada a través de voces con púas de amargura y miradas aullando por algún caso pobre y condenado a cadena perpetua con el que comparar su propia miseria. Es la morbilidad velada de Una esposa confiesa que le da un toque de peso a su mordedura social.

55. Profound Desires of the Gods (1968)

La película más larga de Shohei Imamura, Profundos deseos de los dioses También es quizás la película que ejemplifica más plenamente su estilo. Siguiendo la dinámica tensa de una colonia aislada y el romance floreciente que florece a su paso, la dirección ligeramente desviada de Imamura y el brillo penetrante de integridad casi periodística permite un documento fascinante sobre la vida nativa, el amor y cómo nos sentimos inextricablemente atraídos por nuestros propios deseos. ya sea a través de un impulso primordial conscientemente compartido, o algún implante intangible enviado directamente desde arriba. Al final, la pregunta principal de Imamura para mí fue difícil de manejar: ¿Es más fácil aceptar que nuestros dioses son crueles o que nosotros lo somos?

54. La condición humana, parte 1: No hay mayor amor (1959)

El primero de una trilogía épica de películas, La condición humana parte 1: No hay mayor amor es una película que sentaría los precedentes para sus seguimientos: una lista de fortalezas y debilidades del director Masakai Kobayashi solo tendría tiempo para aprender en retrospectiva, sin aclarar nunca el equilibrio perfecto para su pieza enormemente ambiciosa. Hay mayor amor presenta varios momentos inmortales, en particular una escena de ejecución que dura 10 minutos y ve la furia hirviente de la burbuja manchú oprimida más allá del miedo que todas las armas y el alambre de púas inspiran para algo especialmente resonante hasta el día de hoy, así como el final de un arco para varios personajes. Es una película demasiado larga, sobresaturada y, en última instancia, ineficaz & hellip; pero también es un examen manejado con maestría del costo de la guerra. Desequilibrado hasta el extremo, La condición humana El capítulo de apertura encuentra un terreno lo suficientemente sólido como para formar una película que no sea execrable ni excepcional: pero una aún lo suficientemente digna para entrar en el top 60 aquí.

53. Tire sus libros, rally en las calles (1971)

Tire sus libros, Rally in the Streets es un torrente de sangre a la cabeza. Un arreglo vibrante y apático de viñetas desconectadas que pintan una imagen vívida del desapego de los jóvenes japoneses de los viejos valores. Un rechazo del formalismo por algo en conjunto más moderno, futurista, cortado en pedazos y, sin embargo, totalmente cómodo en su propia incomprensibilidad. Es la naturaleza creativa de la industria que se manifiesta en la mente de los jóvenes, lo que resulta en escenas por lotes sorprendentes, seductoras y, a menudo, asombrosas. Pocas películas, incluso de la nueva ola japonesa, pueden encender ese mismo fuego rigurosamente rebelde.

52. Ángel rojo (1966)

El prolífico maestro Yasuzo Masumura trabajó en 33 películas colosales solo durante la década de 1960, y uno de los aspectos más destacados de su obra en expansión es el sublime Ángel rojo de 1966. Centrado en una joven enfermera comprometida románticamente que es empujada a la guerra, Red Angel desarrolla su mundo agotador excepcionalmente bien: comenzando con las legiones de veteranos cubiertos de cicatrices y salpicados con su propia sangre y sudor en la mesa de operaciones en un complejo sucio y abandonado, todo antes de ser finalmente arrojado al crisol de este conflicto mortal. El miedo palpable es una marca del lujoso toque impresionista de Masumura, y lo marca como una voz definitoria y tristemente eclipsada del cine de la nación durante la década de 1960.

51. El hombre sin mapa (1968)

Una entrada lamentablemente invisible de la impecable obra de Hiroshi Teshigahara, debidamente eclipsada por su imponente obra desde el 62 al 66, en la década de 1968. El hombre sin mapa ve la transición rigurosamente iconoclasta del director del monocromo absoluto a la fotografía en color seductora: contemplando el laberinto en expansión del Japón industrial con una paleta sombría y algo aburrida que refleja tan ricamente el deseo insatisfecho de respuestas del protagonista. El hombre sin mapa corre en ríos de duda y confusión, aterrizando a su detective en aguas profundas para la más pequeña de las incursiones y rara vez le permite un segundo para respirar y asimilar la inmensidad de todo.

Teshigahara urbaniza juguetonamente la persecución tortuosa de sus protagonistas con un mundo que niega la catarsis a cada paso, comentando la incesante incertidumbre de la vida moderna con diabólica precisión. Abandona la sobrenaturalidad y el surrealismo matizados de su obra anterior por una pieza mucho más sólida que, como resultado, es quizás incluso más inquietante que la agonía de Sísifo de Mujer en las dunas o Trampas avance irreflexivo e insensible de la muerte. El hombre sin mapa nos golpea en nuestro propio terreno y es por eso que es tan desconcertante, tan desconcertante, y por qué sigue siendo una pieza tan vital del cine hasta el día de hoy.

50. La mujer insecto (1963)

Nuestra cuarta película hasta ahora del venerado maestro Shohei Imamura, el lado algo más respetable de la moneda peligrosamente excesiva de Nagisa Oshima, La mujer insecto es una representación ejemplar de por qué la visión de Imamura de la política sexual fue siempre mucho más fascinante que la de su controvertido contemporáneo. Es una película de suntuoso control visual: infundir significado y peso a sus imágenes, así como un delicioso poder estético que sangra tanto significado en monocromo- La vida cotidiana de la mujer acosada por un mar aullante de blanco y negro que se vuelve tanto misterio como en Tetsuo: el hombre de hierro . Su escena de apertura inquietantemente profética, aunque simple, cose las semillas del Tomo de la jaula de Kafkan (interpretado maravillosamente por la merecidamente honrada Sachiko Hidari) se coloca en y sugiere las implicaciones monstruosas que el vicioso título de Imamura pone en movimiento. Es difícil de ver, no ayudado en lo más mínimo por los problemas de Imamura con el ritmo, pero sigue siendo un cine verdaderamente vital en todo momento.

49. Pulse (2001)

Kiyoshi Kurosawa ha superado constantemente a su clase bajo el peso de su familiar homónimo con una fantástica serie de esfuerzos siniestros, pero ninguno ha eclipsado la abrumadora vacante de 2001. Pulse . Rebosante de pavor y haciendo un agudo uso de referencias tecnológicas oportunas sin depender de ellas hasta tal punto que envejezca la imagen, Pulse es una versión superlativamente aterradora de la obsesión moderna que hace un uso mucho más efectivo del rostro familiar de sus espíritus Yūrei que muchas más representaciones famosas de los acosadores de rostro pálido.

48. Batallas sin honor ni humanidad (1973 & hellip; 1975)

La antología de crímenes de varias partes de Kinji Fukasaku es El Padrino drogado con cada droga bajo el sol naciente. Libre del estructuralismo a menudo autoritario de la pieza perfeccionista de Coppola, Fukasaku filma la violencia como jazz mientras sigue a una familia criminal gobernante a través de los años.A menudo se sumerge en ángulos y ediciones hiperestilizados gratuitos para garantizar el efecto evanescente de su montaje cinético. Si bien carece de un desarrollo complejo de personajes, una resolución temática o incluso un gusto básico, hay algo tan increíblemente vivo en Batallas sin honor ni humanidad que no puedo evitar amarlo. Cada película se suma a la última y representa colectivamente un cenit para el cine policiaco populista en el Japón de los 70. Poco podría acercarse jamás.

47. Kwaidan (1964)

Kwaidan, la antología de terror característicamente bien elaborada de Masakai Kobayashi, es una inmersión fascinante en el misterio y la malicia de las antiguas fábulas japonesas, las raíces medievales del variado elenco de apariciones macabras y maldiciones ineludibles de J-Horror. La implacable falta de piedad o respiro omnipresente en la próspera escena de terror de Japón es tocada por la mano de un maestro aquí, lo que resulta en una joya visualmente suntuosa que logra dar nueva vida alarmante a historias que de otro modo serían anticuadas. Es sin lugar a dudas la mejor antología de terror jamás realizada: con la voz pura de un cineasta exquisito que suena alto y claro que J-Horror es algo que hay que temer. Décadas más tarde, todavía estamos atrapados en su dominio macabro.

46. ​​Tokyo Drifter (1966)

La condenatoria porción de genio del arte pop del inconformista Seujin Suzuki, Tokio vagabundo estalla como un fuego artificial y aporta más a su estilo de lo que incluso Quentin Tarantino y Martin Scorsese pueden afirmar hoy. La ardiente influencia de la película marca notablemente su edición y enfoque de la acción, no muy diferente de la forma en que Goddard es interminablemente excesivo Jadeante sigue dando forma a la forma en que cortamos. En mucho menor grado, la pieza de Suzuki se desliza en tantos fotogramas del cine criminal moderno, pero es el ejemplo más fuerte de un estilo que elimina toda necesidad de sustancia: su juego de armas se dispara como un fuego artificial con efectos de neón que resplandecen en la gloria carmesí con cada lluvia de tiroteo. Hecho por un maestro coreógrafo en la cima de su juego. Tokio vagabundo es el cine pulp en su máxima expresión. Eléctrico y todavía un gran barril de diversión.

45. La tumba de las luciérnagas (1988)

En la superficie, una inversa de las fábulas de audiencia universal de Hayo Miyazaki, el venerable icono de Ghiblia, Isao Takahata. Tumba de las luciérnagas se erige como una de las animaciones más aclamadas jamás realizadas, cargada de un peso emocional nacido de su magistral uso del medio. Caso en punto: Tumba de las luciérnagas no sería tan universalmente apreciado o incluso notable si se hubiera abordado dicha historia en el ámbito de la realidad. Sin embargo, la lente de Takahata está dibujada. Sus imágenes están inyectadas con una elegancia e inocencia indicativas de la infancia, una que complementa perfectamente la difícil situación de sus protagonistas. Mientras que para algunos estoy seguro de que parece un cambio batante, pocas películas han utilizado con tanta habilidad el arte de la animación para acentuar con gracia el poder de su mensaje. Paralizante contra la guerra, las imágenes expresivamente elegíacas de Takahata comienzan a chocar con la configuración abrumadoramente triste de la historia: dejar que una bocanada de cinismo se escape de su apretado control estético, aunque tiene pocas consecuencias. Tumba de las luciérnagas es una experiencia inquietante y, a menudo, hermosa en tiempos de guerra.

44. The Samurai Trilogy (1954-55-56)

Una exquisita franja de entretenimiento de capa y espada, la deliciosa y atractiva serie populista del director Hiroshi Inagaki es un hito en la realización de películas de acción y aventuras, y posiblemente la mejor trilogía para adornar el subgénero. Liderados por una actuación excelente como siempre de Toshiro Mifune y marcados con pequeños destellos de madurez, sobre todo al final de la primera película, las narrativas relativamente inofensivas e incompletas de Inagaki se mantienen a flote en una comprensión de la acción cinematográfica tan aguda y emocionante como la década de 1950 tengo que ofrecer. Su movimiento de la cámara es emocionante y dirige a los actores con una ferocidad y vigor que ayuda a la trilogía a superar sus sequías narrativas con la adición de una emocionante secuencia de esgrima. No es nada especial en un frente dramático, pero cuenta con suficiente pasión por el oficio y sorprendente conmoción en sus éxitos como para merecer una posición tan alta. Visualización vital para los amantes del cine de aventuras.

43. El arpa birmana (1956)

El artículo de ruptura de Kon Ichikawa sobre un soldado japonés que se desliza en el país que una vez ocupó e intenta encontrar la paz en el dolor de un mundo de posguerra, El arpa birmana ha generado críticas comprensibles por su descripción a menudo embotada de la guerra: más pelotones de baile y movimientos fáciles de la trama que una versión completa y fascinante del tiempo. Paradójicamente, creo que lo que ayuda El arpa birmana Superar estos problemas es el corazón detrás de ellos. A pesar de su narración abundantemente controlada, Ichikawa teje hermosas imágenes a lo largo de la película, adornando cada escena en al menos un cuadro encuadrable que, al tiempo que contribuye al sofomorismo estático de su dirección, logra efectivamente transmitir el estado de ánimo, especialmente en una secuencia donde la muerte está impulsada los soldados son derribados por morteros y nuestro héroe se despierta en medio de un mar sangriento de cadáveres: con tomas inspiradas más parecidas a la composición asombrosamente compacta de Rembrandt que cualquier asunto de guerra normal. Es simplista en cierto sentido, pero su debilidad nunca eclipsa el impacto colectivo que crea la iluminadora fotografía de Ichikawa y su firme humildad.

42. Una página de locura (1926)

La primera pieza de esta lista, Una página de locura es un elemento básico del cine japonés mudo por su resonante voz estética: una pieza que ha informado la locura y la chispa creativa erizada que alimenta las obras más maravillosas de su industria incluso hoy. Su retrato de un asilo carece del matiz o la profundidad de algo como Titucut Follies o incluso la humanidad de Uno volo sobre el nido del cuco en forma ficticia, sin embargo, la conclusión trascendente de este hito de 1926 es una apreciación más amplia del cine japonés de antes de la guerra más allá de titanes dramáticos como Ozu, Mizoguchi, Yamanaka y Shimizu. Lo que tenemos aquí es una fuente de su río aún corriente de piezas de trabajo cinemáticamente desafiantes, estilísticamente provocativas e intencionalmente peligrosas que es aún más fascinante con esta pandilla de artistas trágicos en mente.

41. La fortaleza oculta (1959)

La infame pequeña franquicia de George Lucas, Star Wars, se construyó en la parte trasera de The Hidden Fortress, con A New Hope robándolo todo, pero se está conformando con esta excepcional historia de aventuras. Es una pena ver que este 'remake no oficial' se salga con la suya, aplastando la película de Kurosawa bajo el peso de sus colosales seguidores, porque The Hidden Fortress es una película clásica mucho más valiosa de lo que la serie de Lucas podría pretender ser. Repleto de acción emocionante, caracterización hilarante y un fuerte estilo visual habitual incluso en los esfuerzos más medianos de Akira Kurosawa. Con todo esto en mente, no envidio a Star Wars por esto, solo deseo que la brillante obra de Kurosawa se contuviera al mismo tiempo.

40. La condición humana, parte 2: El camino a la eternidad (1960)

La pieza mordida por la batalla de la trilogía épica de Masakai Kobayashi, El camino a la eternidad sirve como una epopeya japonesa considerable en tiempos de guerra para competir con cualquier Salvando al soldado Ryan , si no tan peligroso como algo como Sam Fuller's El gran rojo o incluso Casco de acero . Conserva la desordenada obsesión ética de La condición humana parte 1: No hay mayor amor pero se las arregla para construir sobre él con una experiencia de combate visceral y un enfoque mesurado y consistente de sus personajes que está subrayado por su vida y muerte en una parte mortal de la historia humana. Al igual que con cada segmento de procedimiento, La condición humana se acerca cada vez más a lograr su homónimo y, aunque la parte 2 no se da cuenta de esta ambición, al menos lo intenta. Más de lo que podemos decir de la mayoría de las películas de la época.

39. Purgatorio heroico (1970)

Inmediatamente incomprensible, expresivo y visualmente desconcertante: Purgatorio heroico es una cartilla perfecta para la filmografía excepcional de Yoshishige Yoshida. Su estética maravillosamente alienígena a menudo es desorientadora: cada plano dobla nuestra relación con el espacio, cada corte fragmenta el tiempo no muy diferente a la narrativa frenética inspirada en la memoria de Alain Resnais, y con toda honestidad, hace la trama de Purgatorio heroico en particular, realmente difícil de seguir y comprender. Su técnica de narración fragmentada ejerce aún más presión sobre el deseo de las audiencias menos abiertas de una experiencia narrativa totalmente cohesiva, pero las delicias indefinibles que se encuentran dentro del mundo deformado de Yoshida hacen justicia a su precedente sobre historias estrechamente estructuradas. Para describir Purgatorio heroico sería imposible. No recomendarlo simplemente por su propia imposibilidad sería un delito.

38. Intenciones de asesinato (1964)

El sombrío tríptico de Shohei Imamura de Cerdos y acorazados, Intenciones de asesinato y Los pornógrafos alcanzó su punto muerto indiscutible con una película que observa con peligrosos detalles la difícil situación de una mujer que coquetea entre una relación degradante con su esposo y una afligida aventura con su violador. El primer encuentro de este último y la escena que lo sigue directamente son ejemplos maravillosamente sucintos de lo sublimemente feos que pueden ser los mundos de Imamura, y de cómo el contacto humano a menudo puede llevar a sus personajes a extremos que muchos podrían intentar desacreditar como inaceptables. En verdad, Intenciones de asesinato El estudio cruel pero honesto de la opresión y una libertad enfermiza a través de la expresión carnal logra reflejar un retrato tan fiel de cualquiera de nosotros en la misma situación que sus mejores películas.

37. Asesinato (1964)

El año de doble estreno de Masahiro Shinoda en 1964, como era de esperar, vio dos de las mejores películas que el país ha producido hasta ahora, la última de las cuales fue Asesinato . Un brillante ejemplo de comodidad en escala, Asesinato teje un drama temáticamente poco ambicioso que extrae lo suficiente de su simple historia para ser considerado entre las mejores películas de esta lista: tan magníficamente iluminado y fotografiado como cualquier película de mediados de los 60 con una acción tan precisa y poderosa como cabría esperar de los establos de Shinoda. Se minimiza la imitación del estado mental, ya que los rumores descabellados sobre el objetivo se anulan y sofocan en una narrativa que se deleita en sus momentos de incomprensibilidad impredecible, cambiando rápidamente de la realidad al pasado para dejar tanto a la audiencia como a varios grupos aprensivos de posibles aspirantes. asesinos al filo de la navaja de la victoria triunfal y de la derrota sin duda mortal.

36. La isla desnuda (1960)

El estoico examen de Kaneto Shindo de una tranquila vida en el campo, La isla desnuda casi no contiene ningún diálogo hablado, cambiando el enfoque por completo a sus imágenes para contar su historia o, más exactamente, para crear su _sentimiento_. El enfoque iconoclasta de Shindo de la realización cinematográfica conduce a algunas imágenes maravillosamente resonantes a lo largo de su filmografía, pero mientras que las imágenes de Onibaba y Kuroneko mejoran su narrativa en pequeños focos de inspiración visual, La isla desnuda son 96 minutos de fotografía esencial. Se entrelaza de una manera que haría sonrojar a Bergman, cultivando un estado de ánimo y permitiéndole florecer en algo universal y conmovedor. La tranquilidad y la tribulación que enfrenta la pequeña familia de isleños de Kaneto todos los días, casi como una inversa extrañamente optimista de El caballo de Turín de Béla Tarr. Lo que le falta en el poder aplastante de esa película, Shindo en cambio se convierte en una celebración ritualista de la resistencia humana y la belleza natural que tal esfuerzo puede otorgar. Encantadora, esclarecedora y una pequeña experiencia increíblemente absorbente.

35. Marcado para matar (1967)

Si el antes mencionado Sejiun Suzuki alcanzara su pico estilístico con 1966 Tokio vagabundo , una película tan vilipendiada por sus productores que condenaron sus imágenes de seguimiento a presupuestos más ajustados y redujeron cualquier posibilidad de que usara el color, entonces Marcado para matar se convertiría en su cenit creativo y en un ejemplo perfecto de arte a través de la adversidad. La electrizante obra maestra del hombre, Marcado para matar sigue a un asesino a sueldo que intenta engañar a un asesino aún más letal mientras se abre paso a través de legiones de matones y un romance de rayo. Es siempre nítido sin perder su valor, llega tentativamente a un territorio más dramáticamente ambicioso y aún se las arregla para empacar escenarios llenos de malos sin rostro para que nuestro antihéroe los derrote en masa. Marca para matar El estilo aún logrando buscar significado, sin importar el resultado, es lo que lo distingue del resto del paquete.

34. La espada de la perdición (1966)

El elegante piloto del maestro de acción Kihachi Okamoto para una trilogía tristemente cancelada, The Sword of Doom es la máxima catarsis cinematográfica. Es una exhibición coreografiada por expertos de un juego de espadas diabólico mientras la leyenda principal Tatsuya Nakadai se enfrenta a Toshiro Mifune y una horda interminable de matones sin nombre, empeñados en demostrar cuán mortal puede ser el arma titular. Decenas caen ante la espada, sobre todo en la escena final gloriosamente imprudente y sin resolver de la película, y aunque la devoción por la narración y los personajes es tangencial en el mejor de los casos, la atmósfera y la valentía del director evitan que se convierta en otro carrete de acción. Vale la pena ver hasta el final amargo y sangriento.

33. Hausu (1977)

Un cumplido tan alto como alguien puede pagar una película extraña es que sigue siendo rara. Muchos de nosotros hemos apodado algo extraño porque no somos iniciados, solo para descubrir que su supuesta rareza palidece en comparación con los descubrimientos cinematográficos posteriores. Tal es el camino de nuestro camino a través del cine, como es esta una forma muy larga de afirmar que Hausu es totalmente mental. Constantemente acosado por una partitura de fondo a veces inspirada, a menudo irritante pero siempre loca y llena de escenas de colegialas luchando contra sandías poseídas, siendo devoradas por pianos asesinos y escapando de un macabro gato fantasma empeñado en maldecir a cada alma que cruza su umbral. Básicamente, es Ju On pero con la autoconciencia y la creatividad vertiginosa para recorrer todo el camino solo con el estilo, renunciando a la historia de los mitos de fondo que tan a menudo estropea las historias de casas encantadas con una devoción absoluta al artificio vertiginoso. La experiencia resultante es un glorioso alto horno de diversión.

32. Ikiru (1951)

El tan promocionado retrato de la vejez de Akira Kurosawa, Ikiru corre como un firme paralelo al propio trabajo de Ozu sobre personas en sus años de invierno, perdiendo su dirección minimalista por el trabajo mucho más directo e intenso de Kurosawa. El resultado tiene un gran impacto: varias escenas lamiendo con retroalimentación cinética únicamente a través de la fuerza de sus imágenes y el silencio o las oleadas de sonido que las acompañan. Creo que la voz de Kurosawa aporta pocas novedades al canon excepcionalmente fuerte del cine sobre el envejecimiento y, en general, no alcanza las alturas reveladoras de Fresas silvestres o Vida y muerte del coronel Blimp a pesar de su comparativa falta de inmediatez cinematográfica, sin embargo, nada de eso resta valor a la asombrosa resonancia del trabajo de AK aquí.

31. Bestia ciega (1969)

Una exploración incomparable de la sensualidad y la esencia física, Bestia ciega rastrea la relación entre un hombre ciego y una mujer a la que toma cautiva, atrapada en un laberinto laboriosamente diseñado y alfombrado con esculturas de forma humana, con paredes cubiertas de ojos y labios, mientras que el suelo está enredado con una maraña inavigable de miembros. Su surrealidad y su premisa intrigante no son ventanas a ningún terreno temático verdaderamente denso, aunque el director Yasuzo Masumura se las arregla para exteriorizar la relación de la lujuria con el anhelo mucho mejor que el constante filo del fracaso en el que Nagisa Oshima a menudo se desliza y se rebana. Para piezas más contemplativas sobre la sexualidad, Yoshishige Yoshida es un artista esencial, pero negar la visión completamente única de Masumura aquí sería criminal, independientemente de su falta de sustancia. En cambio, llena su película con magníficos escenarios y dolorosos sentimientos que arañan a los personajes. En un frente estilístico, Bestia ciega absolutamente se eleva.

30. La condición humana, parte 3: La oración de un soldado (1961)

La devastadora y poderosa conclusión de Masakai Kobayashi a su trilogía de diez horas, La condición humana, parte 3: La oración de un soldado sirve como la culminación de todo lo que Kobayashi ha estado desarrollando a lo largo, impactante y exagerado a partes iguales, como con las otras piezas. Es una pena que la serie nunca haya superado del todo la longitud inerte del libro, ni el humanismo forzado que ocasionalmente puede atrofiar la forma fuerte de su director: sin embargo, sin estos momentos forzados nunca hubiéramos tenido el don de una abrumadora colección de obras bellamente realizadas. escenas que podrían haber hecho una obra maestra por sí mismas. Oración de un soldado no es más delicado que sus predecesores, sin embargo, la sensación de un final se cierne sobre el trabajo de Kobayashi como un cansado amanecer, ansioso por tomar el nuevo día con un stock renovado en la industria cinematográfica japonesa. Tanto un triunfo imponente del cine épico como, lo que es más importante, ese paso final a través de la puerta de la fama que le dio a Kobayashi una abundante libertad artística durante la siguiente década. El resultado, como veremos, vale más que unas pocas horas de práctica & hellip;

29. Doble suicidio (1969)

Una exploración alarmantemente inquietante del proceso creativo, Doble suicidio ve una obra de títeres de madera escenificada con la intención de que sus dos protagonistas terminen cobrando vida, con figuras sombrías merodeando por los escenarios para progresar en su narrativa simulada. Una historia febrilmente aterradora cuando la fachada se derrumba y sus titiriteros de pesadilla exigen sus próximos movimientos, a menudo transformando los decorados junto con la cámara cambiante de Masahiro Shinoda para formar una sensación de espacio espantosamente retorcida. Fuera de su dispositivo artístico multifacético, la trama de Doble suicidio es relativamente convencional y no logra encontrar ningún terreno profundo, pero eso es quizás lo que asegura su éxito: el cuidadoso sondeo de Shinoda en su propio bloque creativo mientras manos demoníacas entrometidas tiran de los bordes de su visión para hacerlo más preciso, así como descarrilar su intenciones enteramente. Ya sea una representación de sus luchas internas o una fuerza laboral, el director no coordina: la doble presunción de Doble suicidio trasciende su fábula mediocre para una experiencia cinematográfica que merece estar entre los 50 primeros y más que ejemplar de los colosales talentos de Masahiro Shinoda como cineasta.

28. Ring (1998)

Mientras que el algo similar Ju On se asfixia bajo la tensión de su propio tedio vacante, Ringu el vacío es su arma más mortífera. El mar de silencio del director Hideo Nakata impregna e invade cada escena que pasa, resaltando cada ruido con la mayor intensidad de una persona impulsada por el miedo que palpita con adrenalina, sin importar cuán mundana sea la escena. Y contadores de sonido tan relevantes como el timbre del teléfono cortan el silencio con una ferocidad intransigente. No hay escapatoria de El anillo en cualquier rincón de tu mente. No importa dónde corra, tan pronto como presione play, simplemente prolongará lo inevitable. Después de todo, ¿qué podría ser más aterrador que la muerte confirmada por nuestra propia ineludible curiosidad?

27. Kuroneko (1968)

De Kaneto Shindo Kuroneko se siente como un espejismo abrasador de compuestos de películas de terror esparcidos juntos para una visión perfectamente demoníaca de una pesadilla absoluta. El complejo dilema moral que hierve a fuego lento debajo de la superficie es una nueva versión de esos espíritus imparables en los que los medios de terror japoneses han apostado desde el principio, forjando una narrativa intrínseca que supera la aspereza de Shinoda. Onibaba para formar algo especial. Es un trabajo con tomas seductoras y estéticamente atractivo que cierra la brecha entre la realidad y la fantasía siniestra con un ojo claramente compasivo, a pesar de la furia erizada de sus sujetos. No solo una película definitiva de J-Horror, sino también un clásico del drama mundial de finales de los sesenta.

26. El viaje de Chihiro (2001)

Hay poca animación que pueda competir completamente con Hecho desaparecer , al menos en un sentido creativo. La película está sobrecargada con un impresionante mar de diseños únicos y personajes memorables que se mueven y hablan con la misma expresividad que los protagonistas. El universo detallado que Hayo Miyazaki logró crear, en mi opinión, supera con creces la narración y el ritmo característicamente extraños de su trabajo, no muy diferente a Akira en el sentido de que salta hacia adelante y hacia atrás en progresión a intervalos aleatorios con el fin de obtener el material de otro acto; aunque el peligro apático Hecho desaparecer se encuentra en lo que al menos nos permite sumergirnos en sus vívidas creaciones por un poco más de tiempo.

25. Death by Hanging (1968)

He hecho pequeños comentarios a la aclamada directora Nagisa Oshima a lo largo de esta lista y entiendo la infantilidad de tal postura: pero solo hago esto porque este cineasta genuinamente talentoso se ahoga muy a menudo en una producción cinematográfica obsesivamente sobreexualizada. La serie de trabajos tempranos comparativamente conflictivos de Imamura es efectiva en su comentario subyacente sobre la emoción humana, pero con Oshima tan poco se deja a la imaginación que empiezo a creer que no hay nada detrás es un trabajo frustrantemente inepto. Es decir, con la excepción del brillantemente extraño Death by Hanging de 1968. La historia de un ejecutado que se niega a morir, Oshima usa su lente grosera pero no obstante perceptiva para resaltar una gran cantidad de problemas sociales, fallas gubernamentales y expresiones humanas, todo envuelto en una comedia farsa constantemente hilarante con una autoconciencia segura de un cineasta con tanta frecuencia. sucio como Oshima había parecido anteriormente tan lejos. Ni antes ni desde entonces ha logrado igualar este tiro inspirado a la pena capital, lo cual es una pena, pero al menos pudimos verlo remontar al menos una vez.

24. Un fugitivo del pasado (1965)

Tomu Uchida Un fugitivo del pasado es, en una palabra: excepcional. Las películas supervivientes de su director lo suficientemente competente son simplemente incomparables con el trabajo que se muestra aquí, hablando de una especie de rayo fortuito en una botella, ya que Uchida recibió exactamente la historia correcta para cumplir su promesa como artista. Un fugitivo del pasado analiza la violencia y el dolor autoinfligido de una manera que pocas películas pueden: comparándose con la arena del tiempo a medida que avanza y más personajes se acercan a entregar la retribución divina a nuestro protagonista, un personaje singularmente desafiante para apoyar o contra como intenta escapar del sangriento camino de la violencia que se abrió en Japón en sus primeros años. encontré eso Un fugitivo del pasado es tan singularmente poderoso e incluso posiblemente profundo en su resolución que no debería decir más que, por supuesto, verlo lo antes posible.

23. Pitfall (1962)

El sorprendente debut de Hiroshi Teshigahara, Trampa combina géneros con la confianza y precisión de un maestro mayor, y mucho menos un director que solo había manejado documentales antes. Si bien le cuesta un poco mantener su historia convincente durante los 97 minutos completos, ¿qué Trampa ofrece supera cualquier problema con su ejecución narrativa. Jugando con nuestra percepción de la realidad mezclando asesinos, fantasmas e imágenes surrealistas. Trampa es con frecuencia aterrador ya que sus muchos personajes intentan desesperadamente defenderse de su atacante imparable: un hombre normal vestido con un traje blanco blandiendo una navaja. La humanidad del asesino macabro de Teshigahara actúa como el primero de muchos comentarios sociales que sus obras hacen solo en imagen, sin sacrificar tiempo o credibilidad para insistir en un punto. Ausente de sus inclinaciones izquierdistas, Trampa conserva su poder como una experiencia cinematográfica desgarradora: presenta varias escenas impactantes que hablan de la claridad y el arte del método de Teshigahara, ya que inyecta incluso los momentos más singulares con una amplia gama de emociones que bailan libremente entre sí, encajando del humor al horror en un latido. Pocos debutantes han sido tan meticulosamente conscientes de la trayectoria profesional de su maestro.

22. Crepúsculo de Tokio (1957)

La última película en blanco y negro de Yasujirō Ozu, Crepúsculo de Tokio suena como una elegía contextual a las salidas monocromáticas del hombre, así como quizás su característica más oscura. El notable cambio de Ozu de su propia regla de 360 ​​grados para sentarse detrás de los personajes, sus rostros hoscos reemplazados por una cabeza de cabello fría y abrumadoramente en blanco es una desviación magistral de su bloqueo y composición característicamente involucrados para un asunto mucho más sombrío, uno que refleja su la difícil situación de los jugadores clave. Crepúsculo de Tokio toma señales del Hollywood noir con sus sombras persistentes y escenarios embarrados e imperfectos para crear un mundo cinematográfico universalmente implacable y en última instancia sin rumbo que afecta en sus sombríos paralelos emocionales a nuestra propia sociedad, en lugar de una distopía desproporcionada que seguramente perdería su brillo con el tiempo. Una joya excepcional, dolorosamente oculta.

21. Eureka (2000)

El sencillo más largo de esta lista, S's Eureka se extiende por s- y siento que sería imperdonable divulgar cualquiera de sus líneas argumentales. Incluso para el año más rico de la memoria cinematográfica reciente, Eureka todavía se encuentra entre las mejores películas de 2000 y, de hecho, de la década en su conjunto: una solemne, visualmente impactante y única & hellip; japonés retrato de dolor. Solo en un país así se podría combinar tal sobriedad y melancolía conmovedora con una corriente táctil de humor, ligereza y absurdismo inadvertidamente bienvenido, todo tejido en un tapiz abultado de emoción humana que simplemente tiene que ser visto. No lea ninguna sinopsis, no la mire, solo vea Eureka .

20. La venganza es mía (1979)

El director Shohei Imamura es una figura superlativa del cine indecente. Sus personajes oscuros y dañados y situaciones cargadas de confrontación articulan una fascinación desvergonzada con la corruptibilidad del alma humana. La venganza es mía transpone el relato de Ryūzūo Saki sobre el asesino en serie de la vida real Akira Nishiguchi con una sofisticación desgarradora: presenta a un ser humano profundamente violento, sociópata y, sin embargo, inconfundiblemente real con todas nuestras idiosincrasias en su nido de destrucción amoral. El ritmo de Imamura choca con el flujo, según, pero encuentro que en este caso la historia justifica un tiempo de ejecución prolongado y al final ofrece una resolución metafísica única para un trabajo tan brutal, llamando al viento y a la tierra misma para emitir su juicio final.

19. Yojimbo (1961)

En el ámbito del cine de acción, pequeños chasquidos nos pisan los talones como Yojimbo . El uso entrañable de Kurosawa de leitmotif pica un resorte en el paso de sus personajes y funciona tan bien en la tensión tensora como en cualquier partitura de Morricone. Las secuencias de acción nítidas se ven algo embotadas por el diseño de sonido slap y la apreciación del chirrido público, algo como películas La espada de la perdición y Asesinato No tengo problemas con, pero lo que da a cambio es una toma constantemente cómica de la base de Red Harvest, Mifune resulta una actuación clásica que rezuma personalidad física e ingenio, trabajando como la piedra angular de lo que posiblemente sea el mejor directo. película de acción jamás realizada.

18. Audición (1999)

Audición es una película con un control febrilmente preciso de su propio tono. Takashi Miike, de otro modo impredecible, se ha hecho un nombre gracias a una carrera prolífica y ocasionalmente fructífera que ha dado vida a clásicos seminales como Visitante Q y Ojo - pero poco de su estilo de director transmite exteriormente la confianza y la habilidad aguda necesarias para lograr algo tan audazmente retorcido como Audición . Mucho más maduro que cualquiera de sus obras circundantes, la obra de Miike explora una premisa simple con brutal eficiencia: mancha cada momento tierno con una paleta deliciosamente sombría y un ritmo inquietante que coloca cada escena en el filo de la navaja de algo que va horriblemente mal. Audición representa un pico fascinante de esa infinitamente admirable comodidad japonesa con la realización de películas de género: Desentrañar su enigma cristalino para lograr un efecto trascendentalmente impactante. Ver es creer.

17. Ran (1985)

La adaptación de Shakespeare más famosa de Kurosawa, si una que, en mi mente, cede demasiado terreno a su inspiración. King Lear es una escritura impecable, pero en la pantalla se retrasa hasta un ritmo lento que no logra recuperar la sensación asombrosa de los primeros 85 minutos. Desde el principio hasta la insondable y profunda secuencia de asedio- Corrió es una obra maestra: una porción de arte cinematográfico sin paralelo en la obra más que impresionante de Kurosawa, y sin duda un zapato para el Top 10. Pero después de esta acumulación y recompensa manejadas con maestría, Kurosawa continúa la historia del Rey Lear de una manera que se filtra tediosamente, apático y plano a pesar de los esfuerzos de la villana perfecta Lady Kaede. Es una verdadera lástima que Corrió desperdicia tanto potencial, en mi mente de todos modos, en la fidelidad, pero al menos la llama incandescente de la primera mitad arde lo suficientemente brillante como para asegurar su lugar en el top 20.

16. Princesa Mononoke (1997)

El atractivo de la fantasía oscura de Hayo Miyazaki nunca ha sido particularmente complejo. Cualquier película con un mensaje por lo general no logra comunicarlo de una manera sofisticada y como lo expresó tan acertadamente Orson Welles: “Podría escribirse en la cabeza de un alfiler”. El mensaje directo y descarado de La princesa Mononoke sin embargo, suena un poco más cierto en el corazón que en la mente. La división cuidadosamente construida de Miyazaki entre hombres y monstruos genera una comparación fascinante con cómo los antiguos veían nuestro mundo y cómo el inevitable colapso de sus civilizaciones algún día podría reflejar el nuestro. La mística y el misticismo de sus personajes es el núcleo que permite Mononoke trascender las trampas tradicionalmente insípidas de las películas de mensajes, para deslizar su línea omnipresente sin una palabra, cada acción dándole seriedad y, al hacerlo, reforzando el impacto cinematográfico de lo que está en la pantalla. La relación mutualista que se muestra aquí habla del profundo talento de Hayo Miyazaki como cineasta, y que su trabajo es más que una creatividad deslumbrante desenfrenada.

15. Una tarde de otoño (1962)

Creo, para que yo comente Una tarde de otoño , sería desperdiciar el aliento que ya pasé examinando la película que Ozu hizo más de una década antes que efectivamente rehizo aquí para ser su última película. Una tarde de otoño es igual de elegíaco, sutil y melancólico, logrando desarrollar varios conceptos expuestos en la primera película y expandirlos. Se aleja de algunos elementos del original para centrarse en otras ideas, lo que brinda una oportunidad única para que un gran artista conecte profundidades similares en el mismo molde. Ozu pasaría toda su carrera haciendo películas muy similares, pero logrando minar nuevas áreas de interacción humana cada vez, produciendo algunas de las mejores películas jamás realizadas. Dejando un legado tan venerable a su paso, el hombre podría haber terminado su carrera de la forma que quisiera. Una tarde de otoño es el cierre perfecto de su brillante obra.

14. Trono de sangre (1957)

Una adaptación magistral si alguna vez hubo una , Trono de sangre toma el incomparable Macbeth de Shakespeare y forja un texto artístico que se sostiene por sí mismo. El descenso controlado y devastadoramente humano de Toshiro Mifune hacia una locura asesina sigue siendo uno de los mejores papeles del hombre, y el propio Kurosawa marca su película con imágenes excepcionales que están casi fuera de lugar con un director desvinculado de la práctica iconoclasta centralizada. Sin embargo, es la imaginería de Trono de sangre eso lo hace tan masivo. Tan fascinante y sobrenatural. El ataque culminante ve una de las mejores conclusiones de personajes jamás filmadas y la consolida como una obra de arte que de alguna manera elude por completo la imponente sombra de su obra madre.

13. Historia de Tokio (1953)

Hablando de hitos de la década de 1950, hay pocas películas que ejecuten tan indomablemente tus aspiraciones como cineasta como Historia de Tokio . Un resplandeciente pico de la impecable filmografía de Yasujirō Ozu, siempre en su mejor momento, es una película que ejercita un lenguaje cinematográfico desarmadoramente simple para lograr efectos penetrantes e íntimos. El público se sienta con los personajes: silenciosos voyeurs de una familia que poco a poco cierra sus vidas a la generación mayor que se degrada gradualmente. Ozu permite que todos sus personajes tengan voz, compone momentos de revelación elegantes e impactantes y solo mueve su cámara una vez durante 136 minutos completos. No existe una película objetiva 'mejor' o incluso 'excelente', pero para aquellos de ustedes que eligen qué ver en base a esos sitios, debo agregar que Historia de Tokio es el trabajo mejor valorado en Rotten Tomatoes, con un increíble promedio de puntuación de 9,7. Basta decir que es una mirada paciente y reflexiva a la vida y la edad que ha conmovido a muchos inconmensurablemente, y merece que cualquiera que lea esta lista lo pruebe por sí mismo.

12. Incendios en la llanura (1959)

De Kon Ichikawa, posiblemente la figura humanista más convincente del cine japonés de posguerra, Fuegos en la llanura cuenta la historia de un hombre perdido en medio de una batalla perdida en el fragor de la Segunda Guerra Mundial. Es una película valiente en su soledad, que representa situaciones de guerra en un paisaje vacío, ausente de la vida y lleno del vacío del terror, cada esquina con otra figura de Odyssean preparada para acompañar o destruir a nuestro héroe degradado. Y, al igual que con el poema épico de Homero, la comprensión de Ichikawa del panorama general crea un mundo densamente emocional, en el que nuestro héroe es una pieza de rompecabezas movido y motivado por generales lejos del frente. Es una película que apesta en su propio aislamiento, extraña a su hogar y lleva a actos amorales por el terror de la supervivencia. Obra magistral de una figura pintoresca pero vital de la industria en la década de 1950.

11. Samurai Rebellion (1967)

Una fuerza clave del drama de Masakai Kobayashi es que permite que hierva a fuego lento, casi hasta el final. Sus meticulosas composiciones y sus acciones impecablemente sincronizadas giran cada vez más en torno al conflicto central, exprimiendo cada centímetro de espacio para respirar hasta que todo lo que queda es la necesidad de actuar, un activo subyacente a los siempre presentes ideales de moralidad de sus personajes. En Rebelión samurái , el acto en sí mismo está a la mano incluso después de leer el título, pero el hombre juega con él por cada segundo: audiencias picantes con pequeñas punzadas hacia la primera espada que se desenvaina antes de finalmente resolverse en una amarga, brutal y finalmente sangrienta relación que continúa con los despiadados. el rigor Kobayashi lo lleva muy bien: una habilidad incomparable tanto para construir la inevitabilidad terminal de la situación de sus personajes como para empatizar con ellos en cada paso del camino. Es en Samurai Rebellion donde este humanismo selectivo alcanza sus alturas más evocadoras y se casa con la culminación de la carrera de uno de los artistas más grandes de Japón.

10. Eros + Massacre (1969)

De todos los directores de la Nueva Ola sinónimo de psicosexualidad, ninguno ha igualado jamás el laberinto apasionante y seguro de la diabólica creatividad de Yoshishige Yoshida. En contraste, Oshima e Imamura simplemente golpean a los mismos temas, uno más convincentemente que el otro, y solo Kiju logra perforar el meollo de su contemplación existencial con una valentía asombrosamente cinematográfica. En ninguna parte es este fascinante dominio de la narrativa psicosexual y la estética que convoca más abundante que en Eros + Masacre , La épica parábola vanguardista de 215 minutos de Yoshida, una euforia incomprensible de la vista, el sonido y el tacto palpable ...

9. Mi vecino Totoro (1988)

Resplandeciendo con la magia de la infancia, Mi vecino Totoro es una película infinitamente alegre. Finalmente lo descubrí a la edad de 18 años, pero su increíble belleza y capacidad de asombro me invitaron a tener una mente más joven una vez más, o tal vez simplemente a una menos cínica. La pesada carga de la experiencia humana nos deja exigiendo escapismo o ansiando un realismo continuo, pero lo que Totoro hace que lo eleva por encima de quizás cualquier otra película animada jamás realizada es ignorar por completo los deseos de su audiencia y presentar una historia que, en cambio, le permite llegar a fascinante con su exuberante diseño visual, personajes animados y descubrimiento de los tesoros ocultos de la naturaleza junto a sus protagonistas. En lugar de apelar al niño que alguna vez fuimos, Totoro se permite aprovechar un sentimiento más amplio de aventura y esperanza invertido en el misterio más profundo de nuestro planeta. La recompensa por tal fe es un brillante diamante de Japanimation: Luminoso, universalmente conmovedor y absolutamente esencial.

8. El rostro de otro (1966)

Un diagnóstico inquietantemente trascendental de la vida moderna a través de la retícula discretamente entrenada de la fantasía oscura, el Rostro de Otro explora la experiencia de un hombre desfigurado después de que su nuevo rostro milagroso comienza a abrumar su antigua personalidad. El trabajo de Teshigahara siempre está lo suficientemente matizado como para aparecer con el brazo extendido mientras se araña silenciosamente con sus dedos esqueléticos y su obra maestra de 1966 es lo más cercano a revelar su verdadera naturaleza: llevar las siniestras composiciones del director y las imágenes de horror a la metrópolis y contemplar su ciudad. abismo con la misma visión imparcial que tan vívidamente dio vida a Travis Bickle en Taxi Driver una década después. Una obra para rivalizar con Persona y eclipsar a Seconds en el mismo año por su desafiante provocación del deseo, la personalidad y la identidad: el rostro de otro es un cine vital: un triunfo imponente del método de Teshigahara y una obra tan estrechamente envuelta en su propio impecable ideas y atmósfera sería criminal divulgar más de sus secretos. Ver por ti mismo…

7. Rashomon (1950)

Uno de mis accesos personales al cine mundial, Akira Kurosawa's Rashomon se ha convertido en una parte tan integral de la cultura cinematográfica que se ha iniciado en el lenguaje para describir el efecto psicológico que llevan los personajes: cada uno de ellos brinda un testimonio contradictorio sobre un caso espantoso de violación / asesinato. La vitalidad de Kurosawa está en plena exhibición, siendo pionera en técnicas de cámara como disparar directamente al sol y velarlo a través de un desorden de follaje para que cada escena en el bosque sea tan abstracta como su contraparte en la corte. La cautivadora simplicidad de De Rashomon El irresistible gancho de la trama deja espacio para los comentarios sobre la verdad humana, la moralidad y una rica experiencia cinematográfica que presenta las famosas demostraciones de furiosa habilidad con la espada de Kurosawa. Hay poco que agregar al diálogo que rodea a Rashomon, aparte de que continúa sintiéndose adelantado a su tiempo. Uno solo puede imaginarse la sensación de ir a ver así allá por 1950.

6. Harakiri (1962)

Haraquiri es tan fuerte como las películas. Abriendo con una toma tan impactante como uno podría imaginar, el director Masakai Kobayashi crea un fenómeno que sigue siendo una de las películas más elogiadas universalmente de todos los tiempos: clasificarse entre las películas mejor calificadas en una gran mayoría de sitios de usuarios a pesar de lo que tuve primero. asumió era atractivo menguante. Es una exploración minuciosamente paciente y tortuosamente inspirada del código de honor japonés, una herida aún dolorosa en la posguerra de 1962 que Kobayashi aborda no solo como un compatriota, sino como un ser humano. Cada gota de sangre derramada Haraquiri habla del odio agonizante del artista hacia la muerte y la violencia: casi como si le doliera poner tal brutalidad en la pantalla. En el mundo de hoy, una dirección tan incondicionalmente humana es divina de contemplar y funciona como piedra angular para la conclusión de la película. Sin la devoción de todos los involucrados, Haraquiri habría sido olvidado como otro drama engañoso, bien elaborado pero por lo demás humilde. Haraquiri se sienta aquí hoy porque Masakai Kobayashi se preocupa más de lo que puedas imaginar y creo que, con su propia elegancia aguda y dichosa, lo coloca en medio de las mejores películas de la década de 1960.

5. Siete samuráis (1954)

Seven Samurai, la película más aclamada que jamás haya salido de Japón, quemó una marca indeleble en el medio y todavía tiene sus raíces en el cine de acción de hoy. El clímax multicámara bañado por la lluvia de Kurosawa no eclipsa del todo la profundidad profética del asedio al castillo de Ran, pero continúa informando la forma en que cortamos las secuencias de acción, incluso si los editores contemporáneos pueden no notar su influencia. Muy por encima de su poder cultural perdurable se encuentra la caracterización convincente de Seven Samurai: crear un mundo entero de figuras ricas con la ayuda tremenda de la extensión del método meticuloso de Kurosawa hasta la parte más pequeña para hacer que su visión del Japón feudal sea lo más fascinante posible. Este crisol intrínsecamente elaborado de acción magistral y narración luminosa da como resultado una pieza de cine fundamental que afecta, electrifica y, en última instancia, nos deja con un final de película tan valiente y poderoso como nunca antes había visto. Un elemento básico merecido en el panteón del cine internacional.

4. Flor pálida (1964)

Si no fuera por solo dos palabras dispersas en una lista de las grandes películas japonesas, el nombre Masahiro Shinoda no se habría deslizado a diez pies de esta lista. Teniendo en cuenta sus contribuciones al gran cine japonés, es una verdadera lástima, y ​​pensar que una obra maestra así casi escapó a la investigación es decir algo de cuántas películas están pidiendo ser redescubiertas. Elogiado en su lanzamiento y publicado silenciosamente por Criterion Collection, Flor pálida es una de las mejores películas sobre crímenes de todos los tiempos. Simplemente ver a un jugador y a su nuevo amor caer en una espiral de degradación y desapasionamiento alimentada por la desesperación: sigue siendo una de las obras visionarias más audaces y oscuras para escapar de los labios de la nueva ola japonesa: una que es increíblemente nítida de encuadre uno hasta el final y ofrece un efecto cinematográfico tan trascendental como cualquier trabajo menos extremo de Ozu o Kurosawa. Shinoda nunca será considerado como uno de los grandes, al menos por el público en general, pero espero al menos que la gente se sienta impulsada a descubrir su cine desde este crisol de perfección criminal: una obra tan cruda y desencadenada como los juegos sobreestimulados de la contracultura excesiva y, al mismo tiempo, tan profundamente delicados y controlados como cualquier película que haya visto. Es meticuloso, milagroso y sin escrúpulos. Arregla eso.

3. Mujer en las dunas (1964)

Si Kiju Yoshida y su Eros + Masacre es el campeón de la psicosexualidad del alto arte, luego Hiroshi Teshigahara Mujer en las dunas es mítico en comparación. Transpuesto de la célebre novela original de su colaborador Kobo Abe, el método casi malicioso de Teshigahara es tanto en su forma más rencorosa como tortuosamente compasiva aquí. Las tenues luces de la humanidad reprimida brillan a través de las arenas movedizas que rodean a nuestros dos prometedores protagonistas, personas forzadas al estado más primario del ser por el bien de una amarga supervivencia. De hecho en Mujer en las dunas , Resiliencia es sumisión. Nada es sagrado. Ningún lugar está a salvo de los ojos crueles de los aldeanos casi omni-ausentes que condenan a nuestros héroes a su abismo infernal. Es un concepto perfecto, impecablemente ejecutado cinematográficamente por Hiroshi Teshigahara, además de producir lo que yo diría que es la partitura más efectiva del legendario compositor Toru Takemitsu. Reuniendo a tres artistas increíblemente seguros en la misma línea que De Niro, Scorsese y Schrader en Conductor de taxi – Mujer en las dunas es su propia bestia, en partes iguales, humana e ineludiblemente aterradora. Una obra de arte esencial y espantosa.

2. Finales de la primavera (1949)

Finales de la primavera es una revelación de la monotonía moderna: un exorcismo de demonios que este lugar y tiempo exige no solo que se mantengan bajo llave, sino que se oculten como si no existieran. Si bien el doloroso deseo de expresar estos terrores nunca se desencadena por completo, podemos detectarlo en el rabillo de cada ojo, entre las palabras de cada línea y, a menudo, zumbando silenciosamente en el centro de cada habitación. Y así, para un mundo tan superficialmente saturado por sonrisas llenas de dientes y melodías tiernas, la de Ozu Finales de la primavera También alberga una atmósfera de absoluta desesperación: un temor de que no seamos aceptados, de que cada expresión pueda conducir a la derrota, por lo que es mejor llamar al curso irrevocable en lugar de arriesgarnos y quedarnos en medio de las vías. Su piedra de toque que regresa de generaciones en conflicto se sienta como el núcleo de Finales de la primavera El drama manejó cuidadosamente, pero creo que aquí, más que cualquiera de sus otras obras (o tal vez cualquier película producida en las décadas circundantes): Ozu logró encontrar un final perfecto. Lograr una síntesis clara de tus temas y los sentimientos de tus personajes no es tarea fácil, más aún encontrar un momento tan singularmente demoledor como el que nació aquí, y por eso sugiero a todos en el vaivén de la escritura dramática, la dirección, la producción o simplemente palos de interés cinéfilo Finales de la primavera justo en la parte superior de su lista de seguimiento. Confía en mí: te dejará sin aliento.

1. Alto y bajo (1963)

High & Low es una empresa cinematográfica intrínsecamente imposible. Se extiende tras un elemento escurridizo con un núcleo tan conflictivo que parece no haber nada que encontrar. En la superficie, carece del poder matizado pero sin embargo abrumador de Seven Samurai, así como del infierno lento y ardiente que ruge en un silencio mortificante al final de la primavera tardía. En verdad, High & Low combina ambos: Caminando tan tentativamente entre la gente común por miedo a correr hacia más enfermedades, depravación y adicción, a más codicia, celos y amoralidad despiadada que rezuma interminablemente detrás de cada esquina. Es una película aterrorizada por lo que ve en la condición humana, algo que a Kurosawa le duele tan claramente poner en pantalla, y es su corriente fluctuante de auto-represión creativa lo que asegura su venerable importancia. High & Low tiene la audacia de enfrentarse a la crueldad banal y sin esperanza que acecha en todos nuestros corazones, a lo feo y abrumador que es el mundo entero en su saturación de autoservicio sin alma. Quizás, para finalmente dar la vuelta y reconocerlo, nos convertimos en mejores personas en el proceso. Capaz de comprender que está bien tener miedo, siempre que aceptes la presencia de lo inexplicable. Lo impagable. Que al final, el único consuelo que puede encontrar es el perdón. Si va a hacer todo lo posible para ver cualquier película de esta lista: conviértala en esta.