10 mejores estudios de personajes en películas

¿La vida imita al arte o el arte imita a la vida? Oscar Wilde se inclinó más por lo primero; en su famoso ensayo de 1889 La decadencia de la mentira , opinó que la vida imita al arte mucho más que el arte imita a la vida. Yo, por otro lado, creo que es un poco de ambos, especialmente en lo que respecta al cine. Por supuesto, el cine es un reflejo de la época en que vivimos, pero ¿no es cierto también que nosotros también somos un reflejo de las películas que vemos? ¿Qué otra forma de arte afecta nuestros gustos, disgustos y nuestra idea de la felicidad como lo hacen las películas? Sin siquiera saberlo, nuestras vidas están siendo moldeadas constantemente por las películas que vemos. De hecho, tiendo a creer que las películas que vemos son un reflejo de nuestro reflejo. Se está volviendo un torbellino, ¿no es así?

Y nada más personifica más esta complicada relación que las caracterizaciones que vemos en el cine. Los grandes personajes siempre tienen inspiraciones de la vida real y se convierten en una parte inseparable de nuestra existencia. Las grandes caracterizaciones aumentan el peso emocional y la textura temática de una película, y conectan contigo de formas inimaginables. En esencia, las grandes caracterizaciones siempre serían universales en su interpretación de la humanidad y los infinitos misterios de la mente humana. Soy alguien que siempre ha preferido las películas basadas en personajes a las basadas en la trama, más por la profundidad que los personajes poderosos le dan a una película, y porque cada vista se vuelve inevitablemente más satisfactoria que la anterior. Si bien las tramas complejas se desenredan por sí mismas después de una sola observación, las caracterizaciones fuertes se moverán y afectarán su conciencia por la eternidad y lo ayudarán a desentrañar los misterios de sus propias vidas.

Y entonces, nosotros en El Cinemaholic , hemos decidido enumerar nuestros estudios de personajes favoritos de los 21^{S t}siglo. Tenga en cuenta que esta no es una lista de las mejores actuaciones ni una clasificación de la calidad de estas películas. Lo que hemos intentado hacer es descubrir las complejidades de los personajes de estas películas y ayudar a comprenderlos mejor. Como siempre, el disenso y la crítica constructiva son siempre bienvenidos y esperamos sus opiniones en los comentarios. Entonces, sin más preámbulos, permítanos profundizar. Puede ver varias de estas películas de estudio de personajes en Netflix, Hulu o Amazon Prime.

10. Patrick Bateman - American Psycho

El clásico de terror de culto de Mary Harron no es solo una pieza de cine emocionante, también es un estudio temáticamente rico del personaje de un hombre atrapado en sus propias obsesiones y paranoia. Patrick Bateman es un ejecutivo de Wall Street rico, joven y afable, un hombre que tiene una vida perfecta, por así decirlo, pero no es ni feliz ni contento. Bateman ha construido la fachada perfecta con la que cubre su vida, pero debajo de la superficie, vemos a un maníaco egoísta, obsesivo-compulsivo, mentalmente perturbado con tendencias homicidas. Y lentamente en el transcurso de la película, lo vemos deshaciéndose mientras la fachada se despega y revela a un hombre inestable e incontrolable consumido por su rabia y delirio.

Adaptado de una novela del mismo nombre, hay evidentes inspiraciones características de los clásicos como 'Taxi Driver' y 'Psycho', ambos protagonizados por hombres cuya inestabilidad mental y paranoia los lleva a extremos ambiguos. Y aunque 'American Psycho' nunca alcanza esos niveles, sigue siendo un retrato muy convincente de la soledad y el hastío en un mundo ferozmente competitivo, y una actuación que define la carrera de los jóvenes. Christian Bale eleva el listón varios niveles más con su actuación hábilmente distante pero emocionalmente vulnerable.

9. Nina Sayers - Black Swan

Natalie Portman era solo una 'damisela en apuros' del Guerra de las Galaxias películas antes de que ella y Darren Aronofsky se unieran para ofrecer una de las caracterizaciones más oscuras y complejas del siglo. Otro drama psicológico del hombre que nos dio 'Pi' y 'La fuente', 'Black Swan', es la historia de una artista que se entrelaza lentamente con su arte, mientras se pierde en busca del premio final: la perfección.

Nina es una joven bailarina talentosa pero tímida que es seleccionada para interpretar el doble papel de lo etéreo. cisne blanco y lo oscuro, sensual Cisne negro en la producción del lago de los cisnes de Tchaikovsky. Aunque ella toca el cisne blanco con delicadeza, Nina es incapaz de imbuir la oscura seducción de la Cisne negro , y en su búsqueda de la perfección máxima, pierde su yo consciente y su identidad. Hay una sensación de belleza triste y melancólica en la desintegración de Nina como ser humano a medida que su arte alcanza su crescendo, y Aronofsky yuxtapone brillantemente estas contradicciones tanto dentro de Nina como en la película en sí, y les da a ambos una humanidad rara pero increíblemente identificable. Y Natalie Portman interpreta el papel a la perfección absoluta, ya que sus ojos tristes y su rostro de porcelana delatan el dolor, la confusión y la paranoia que han asediado su vida.

8. Theodore Twombly - Ella

Hay algo tan inexplicablemente romántico pero inevitablemente trágico en el hecho de que un hombre se enamora de una AI sistema. Theodore Twombly es un alma triste y deprimida que no ha podido superar su relación anterior; los recuerdos de su pasado continúan manteniéndolo como rehén ya que no puede seguir adelante o encontrar el amor. Es decir, hasta que compra un software de inteligencia artificial personalizado llamado Samantha y forma una rara conexión personal con ella. Él siente una gran sensación de libertad y apertura en esta extraña relación, una sin el artificio del romance moderno y al mismo tiempo increíblemente liberadora. Y a medida que se enamora lentamente de esta IA sin rostro, nuestras inhibiciones también desaparecen mientras animamos a la pareja y su futuro incierto.

El guionista y director Spike Jonze pinta un retrato muy maduro del estado de las relaciones modernas mientras nos obliga a reevaluar nuestras nociones preconcebidas de amor, romance y conexión emocional. Pero lo que finalmente hace a Theodore tan convincente es que bien podría haber sido cualquiera de nosotros; un hombre solitario que se enamora de alguien que lo entiende, lo acepta y lo ama por lo que era. Y Joaquin Phoenix habita implacablemente cada fotograma de la película, encapsulando brillantemente la vulnerabilidad y la humanidad y el amor inimitables que personifica Theodore.

7. Michele Le Blanc - Ella

Una de las películas más controvertidas estrenadas el año pasado, 'Elle' es una película que me dejó boquiabierto con su humor perturbador y sus comentarios sociales esotéricos. Siguiendo la vida de una rica y exitosa mujer de negocios que es violada en su casa por un asaltante desconocido, 'Elle' es una obra maestra posfeminista con una mujer sin complejos a la cabeza, que no se ajusta a las normalidades y no explica sus acciones. . Una mujer fascinante, hay una extraña cualidad de telenovela en la vida de Michele; todo está sucediendo a la vez. Y todo podría haber ido al sur fácilmente, de no ser por la brillantez de Isabelle Huppert, que ofrece una de las mejores actuaciones del siglo.

Huppert trae un cierto trasfondo emocional que complementa su exterior inteligente e intrépido y, como Michele, no deja que la violación tome el control de su vida; ella continúa siendo sexualmente activa y permanece tan distante emocionalmente como siempre lo ha sido. Ella no es una víctima; no, el director Paul Verhoeven enfatiza el punto de que ella es una parte integral de una sociedad que fetichiza la cultura de la violación y la objetivación sexual; ella es tan culpable como su agresor. Seguro que 'Elle' es una película que puede perturbarte hasta la médula, pero no es una 'comedia de violación' como muchos creen que es; de hecho, es una película sobre una mujer cuya violación la libera; la libera de los grilletes que ataban su existencia y la empodera para ser la mujer que quiere ser.

6. Freddie Quell y Lancaster Dodd: el maestro

Paul Thomas Anderson es indiscutiblemente uno de los mejores autores estadounidenses que trabajan en la actualidad. Maestro de ricas caracterizaciones, las ambigüedades temáticas del cine de Anderson son lo que lo convierte en un genio. Pero con 'The Master', Anderson no solo nos presenta un estudio de personajes, él subvierte asiduamente todas las compulsiones de una trama o conocimiento narrativo, y más bien une a dos hombres complejos mientras vemos su relación desarrollarse en la pantalla. Mientras Freddie es un hombre perdido dentro de su propia conciencia, que busca desesperadamente la libertad de su hastío de la posguerra, Dodd es un gurú espiritual carismático que está fascinado por el desenfrenado abandono de Freddie. Mientras estos dos hombres se enfrentan, evaluándose mutuamente con la esperanza de superar al otro, la verdadera naturaleza del comportamiento humano queda al descubierto: nuestra necesidad de compañía, nuestra sed de fe, nuestra búsqueda de aceptación y, sobre todo, nuestra obsesión con nosotros mismos.

'The Master' es una obra de cine decididamente oscura; no es fácil que te guste, pero se abre camino en tu psique y se niega a dejarlo ir. Philip Seymour Hoffman y Joaquin Phoenix aportan una extraña intensidad emocional y vulnerabilidad a sus actuaciones que es a la vez inquietantemente magnética y extrañamente repulsiva. Anderson utiliza la atracción inexplicable que impulsa a estos dos hombres el uno hacia el otro para hacer un examen muy sutil de la condición humana y lo que nos excita.

5. Caden Cotard - Synecdoche Nueva York

El debut como director del legendario guionista Charlie Kaufman, 'Synecdoche, New York' es una de esas películas que solo llega una vez en la vida. La historia de Caden Cotard, un director de teatro paranoico e insufrible que lucha por aceptar su propia mortalidad; es una de las películas más tristes y deprimentes jamás realizadas y también la más conmovedora. Una obra de teatro sobre la idea del tiempo y la realidad perceptiva, la película cambia elegantemente del realismo descarnado al surrealismo onírico mientras Caden lucha con su soledad y necesidad. Si bien la película es perfecta en su guión y otros tecnicismos, todo podría haber sido en vano si no hubiera sido por Phillip Seymour Hoffman .

Al retratar la vida de un hombre idiosincrásico de mediana edad hasta su muerte, Hoffman se convierte en una actuación que solo se puede llamar 'milagrosa'. Da vida a todas las complejas ideas metafísicas y filosóficas de Kaufman, mientras interpreta a un personaje que bien podría ser cualquiera de nosotros. Caden está paranoico con su muerte, se siente solo, extraña a su familia y detesta su existencia. Hoffman logra sacar a relucir toda la confusión emocional y los horrores de su personaje con tanta sensibilidad que te dejará boquiabierto. Sus ojos tristes y su rostro melancólico transmiten maravillosamente no solo el dolor y los miedos profundos dentro de Caden, sino que también abre una puerta a nuestros propios miedos e inseguridades como individuos y, a su vez, cuestionan nuestra existencia. 'Synecdoche, New York' es sin duda una de las mejores experiencias cinematográficas del siglo y la actuación de Hoffman es una de las épocas; algo que probablemente nunca volvería a repetirse.

4. Betty Elms / Diane Selwyn - Mulholland Drive

Nuestra inclusión de todo lo relacionado con 'Mulholland Drive' se ha convertido en una broma corriente entre nuestros lectores; Sin embargo, no estoy dispuesto a permitir que eso me impida reconocer la brillantez de Betty / Diane en el David Lynch obra maestra. 'Mulholland Drive' es una de las mejores películas que he visto en mi vida, una película que cambió mi percepción de la vida y el cine. Un drama de misterio neo-noir ambientado en el ciudad de sueños , la película sigue a una joven aspirante a actriz mientras ayuda a una extraña mujer amnésica a encontrar su verdadera identidad. Sin embargo, a medida que se embarcan en este viaje, las identidades se superponen y las realidades se fusionan a medida que nos tratan con viñetas y eventos aparentemente no relacionados que conducen a un clímax que puede impactarlo hasta la médula. La escritura de Lynch no le da mucha profundidad a ninguno de los personajes, al menos no explícitamente, ya que canaliza el aura de las gemas clásicas de Hollywood y establece un tono cursi, casi paródico, mientras aceptamos el artificio que construye. Pero, cuando finalmente quita la alfombra de debajo de nuestros pies, nuestra percepción de la realidad se derrumba a medida que experimentamos el miedo y la humillación de la soledad.

A diferencia de lo que se presenta a sí mismo, 'Mulholland Drive' no es otro paisaje de ensueño surrealista de Lynch; más bien, es una historia desgarradora de amor, esperanza y sueños, y cómo nuestras mentes se envuelven en torno a nuestras fantasías y realidades. Y Betty / Diane es el oxígeno que impulsa la película; Naomi Watts, en una de las mejores actuaciones de todos los tiempos, entrega su corazón y su alma para interpretar a estas dos mujeres; estas mujeres, que como el Dr. Jekyll y el Sr. Hyde, personifican las complejidades de la conciencia humana y la naturaleza de nuestra existencia. Desde la 'Persona' de Ingmar Bergamn, nunca hemos visto a dos mujeres retratadas con el misterioso magnetismo y la energía pura que Lynch muestra en 'Mulholland Drive', y eso es un logro en sí mismo.

3. Charlie Kaufman y Donald Kaufman - Adaptación

Charlie Kaufman es, en mi opinión, el mejor guionista de la historia del cine, un hombre cuyos guiones tienen una intensidad penetrante y una humanidad intrínsecamente inconfundible. Y con 'Adaptation', creó el mejor guión que jamás haya leído, trazando una nueva dirección en la escritura de guiones, yendo más allá de todos los tropos convencionales que existían. ¿Y cómo hizo eso? Bueno, cometió el pecado capital: se escribió a sí mismo en el guión. Se suponía que 'Adaptation' era la adaptación cinematográfica del aclamado libro de Susan Orlean. El ladrón de orquídeas , sobre la vida de John Laroche; sin embargo, el bloqueo del escritor de Kaufman lo obligó a cambiar de dirección cuando se incorporó a su guión y escribió sobre sus propias luchas creativas para adaptar el libro. Kaufman mezcla grandes dosis de ficción dentro de una premisa no ficticia, ya que él y el director Spike Jonze concibieron una de las experiencias cinematográficas más emocionantes del siglo: una película increíblemente hilarante e insoportablemente trágica a la vez. Y Charlie Kaufman, el personaje, está en el meollo de esta meta-película; un guionista repulsivo e inseguro revolcándose en su miseria y soledad, que se siente como un completo perdedor.

En un intento de retratar su propia personalidad fragmentada, Kaufman crea un hermano falso, un aspirante a cineasta sociable Donald, cuyas ideas e historias poco originales molestan a Charlie. Representando dos escuelas de pensamiento en la expresión artística, tanto Donald como Charlie siguen sus caminos y nosotros, el público, observamos con seriedad su progresión hasta que las tornas se vuelven contra nosotros al final y la película se convierte en una parodia del cine en sí. 'Adaptación' es una de las películas más originales que he visto en mi vida, y Charlie Kaufman y el actor Nicholas Cage hacen posiblemente el retrato más convincente de un genio autocrítico que duda constantemente de su lugar en el mundo.

2. Daniel Plainview - Habrá sangre

Por supuesto, nunca puede haber una lista de grandes caracterizaciones sin una película protagonizada por los grandes Daniel Day-Lewis , posiblemente el mejor actor que trabaja en la actualidad. De hecho, estuve muy cerca de tener esto en la cima, y ​​mucho de eso tuvo que ver con la actuación brutalmente honesta de Day-Lewis como Daniel Plainview. Pero, habiendo decidido que una gran caracterización es una combinación de gran escritura, gran dirección y gran actuación, decidí que hay una película que podría superar a esta. Sin embargo, eso no debería quitarle nada a esta obra maestra de P T Anderson, donde concibe a un hombre aterrador cuya mera presencia perdura en tu psique mucho después de que lo conozcas. Anderson, como de costumbre, deja que sus personajes impulsen la narrativa en 'Habrá sangre', un drama histórico épico que narra el ascenso y la caída del despiadado y sociópata Daniel Plainview a principios del siglo XX.

Al retratar a un hombre que no se detendrá ante nada en su búsqueda de riqueza, Anderson nos ofrece una de las mejores deconstrucciones de la idea del Sueño americano , donde el capitalismo crea y destruye el futuro. Y, sobre todo, el mayor logro de Anderson aquí es Plainview, un personaje tan impredecible y aterrador que su sola presencia se vuelve inquietante. Cegado por su obsesión por la riqueza y el dinero, Plainview es un hombre sin reglas ni fronteras; incluso utiliza a un pequeño huérfano desprevenido para interpretar a su hijo y así parecer un hombre de familia compasivo. Y Anderson elabora la película a su alrededor, dando un retrato convincente de las convenciones sociales estadounidenses de familia, fe y religión. Ninguna película desde la trágica obra maestra de Orson Welles 'Citizen Kane' ha logrado darnos un estadounidense tan convincente y complejo como Plainview en 'Habrá sangre'; y eso no es poca cosa.

1. Erika Kohut - La profesora de piano

Y ahí está & hellip; .. una elección controvertida, sí, pero que realmente la merece también. La gema de Michael Haneke es fácilmente una de las películas más inquietantes del siglo, y no por sangre, sangre o violencia física, sino porque Haneke tiene la audacia de tomar algo tan emocionante y vigorizante como el sexo y se convierte en una inquietante exploración de la realidad. voyeur oscuro que acecha dentro de todos nosotros. Tuve, en una pieza reciente , argumentó que el cine de Haneke es una exploración prolongada de la violencia con la que nos hemos envenenado y cómo afecta todas nuestras elecciones y decisiones.

En 'La profesora de piano', Erika es una profesora de piano respetada y muy admirada cuya existencia intelectual es más una fachada que enmascara el desequilibrio de su vida sexual y su relación emocionalmente abusiva con su madre. Es una mujer fuerte, sin embargo, es imposible que le guste o se identifique con ella debido a la inhumanidad de sus acciones, pero a medida que avanza la película, nos damos cuenta de que Erika no está destinada a ser una persona real; más bien, ella es el alter ego de nuestro peor yo: nuestros peores deseos, nuestras peores acciones y nuestro peor lado como ser humano. También está insoportablemente sola y triste, y hay momentos en los que se infiltra un tinte de simpatía, pero Haneke no deja que se quede, porque no quiere que nos guste Erika. Quiere que la aborrezcamos, no por sus inclinaciones sexuales o su naturaleza controladora, sino porque quiere mostrarnos el espejo de lo que realmente nos hemos convertido.

Una historia de amor en su esencia, con 'La profesora de piano', Haneke nos ofrece una mujer a la que no le importan sus acciones, que solo quiere existir. Rara vez retratamos en el cine a una mujer con la profundidad y complejidad que muestra Erika, y tiene mucho que ver con la diosa francesa Isabelle Huppert, que ofrece la actuación de su vida. Pocos autores y actores tienen el descaro de romper las cadenas y llegar hasta el final; Haneke y Huppert lo hicieron, y al hacerlo, obtuvieron uno de los estudios de personajes más grandes que el cine haya visto.