18 mejores películas existenciales de todos los tiempos

“Existencialismo” es un término acuñado por filósofos europeos de finales del siglo XIX y XX que creían que el pensamiento filosófico comienza con el sujeto humano, no meramente el sujeto pensante, sino el individuo humano que actúa, siente y vive. Según ellos, las personas buscan descubrir quiénes y qué son a lo largo de la vida a medida que toman decisiones basadas en sus experiencias, creencias y perspectivas. Sí, sé que es complicado. Pero para decirlo simplemente, el 'existencialismo' es una filosofía que se preocupa por encontrar el yo y el significado de la vida a través del libre albedrío, la elección y la responsabilidad personal.

A continuación se enumera la lista de las mejores películas existenciales a través de las cuales sus creadores han tratado de dar sentido a lo que significa existir en este mundo. ¿En qué medida nuestras experiencias dan forma a nuestras creencias? ¿Y la vida realmente no tiene sentido? Estas son algunas de las muchas preguntas que hacen estas películas. ¿Cuál de estas mejores películas sobre la iluminación es tu favorita? Por cierto, puede transmitir algunas de estas mejores películas existenciales en Netflix, Hulu o Amazon Prime.

18. Birdman (2014)

Rebosante y erizado de energía pura, 'Birdman' juega con el arte de hacer películas como lo conoce y le da una nueva dimensión. Sorprende, desafía y deslumbra; a veces de una sola vez. Es estrafalario, estimulante y una experiencia que, con toda probabilidad, nunca habrías tenido en los cines. Una mirada cáustica y oscuramente divertida a la cultura de la fama instantánea y la celebridad en esta época de Facebook y Twitter, se burla de aquellos que son prisioneros de su propia imagen. En definitiva, es una película sobre un actor que atraviesa una crisis existencial.

17. Synecdoche, Nueva York (2007)

'Synecdoche, New York' es una película difícil de ver, e incluso de estómago. No es algo que deba entenderse; películas como esta necesitan ser observadas, sentidas y reflexionadas. Intensamente cerebral, a menudo impactante, 'Synecdoche, New York' no atraería a todos; es una celebración de todo lo que un artista aspira a ser y, sin embargo, en última instancia es una tragedia, que muestra la otra cara de la ambición artística, donde lo real se encuentra con lo irreal, sumergiendo la mente artística en las oscuras profundidades de la incertidumbre y la depresión.

16. Persona (1966)

Es difícil agregar una película como 'Persona' en cualquier lista basada en géneros debido a la gran profundidad y ambigüedad de los temas tratados en la película. 'Persona' es una película que está abierta a numerosas interpretaciones y todavía es ampliamente discutida, debatida y analizada por críticos, académicos y cinéfilos de todo el mundo. La película cuenta la historia de dos mujeres, una enfermera y su paciente mudo y el extraño vínculo de sus extrañas personas. La película explora la identidad humana, difumina y sacude nuestras percepciones de los sueños y la realidad y se sumerge en los aspectos más profundos y oscuros de la compleja psique humana y las extrañas fantasías que la rodean. 'Persona' es una experiencia profundamente íntima y personal y es una pura poesía cinematográfica.

15. Taxi Driver (1976)

'Taxi Driver' cuenta la historia de un veterano de Vietnam destrozado emocionalmente por su vida nublada por la soledad y la miseria. Una película fuertemente impulsada por los personajes, 'Taxi Driver' presenta una asombrosa hazaña actoral de Robert De Niro, que retrata el descenso de un hombre a la locura cuando lo vemos ser arrastrado por las extremidades de la oscuridad humana. Quizás Travis Bickle fue una vez un chico encantador y encantador y fue la guerra lo que lo hizo sentir ajeno a un mundo que alguna vez fue su hogar. Su incapacidad y desesperación por entrar en contacto con la gente y la lucha perpetua por encajar en un mundo extraño y monstruoso plagado de asesinatos y delitos menores es un retrato oscuro, profundo e inquietante, de un alma humana.

14. Primavera, verano, otoño, invierno ... y primavera (2003)

Considerada como la mejor obra de los establos del autor surcoreano Kim Ki-duk, 'Primavera, verano, otoño, invierno ... y primavera' es una historia que narra la vida de un monje budista a medida que atraviesa las diferentes etapas de vida. La película puede considerarse una metáfora de la continuidad perpetua y la naturaleza cíclica de la vida humana. En el camino, también explora los temas del amor, el sacrificio, la devoción, la reclusión y la fidelidad. Conocida por presentar muy pocos diálogos, la película es de naturaleza profundamente contemplativa y lleva a la audiencia a un viaje sereno.

13. El séptimo continente (1989)

Llamar película de terror a 'El séptimo continente' de Michael Haneke me suena muy mal, pero así es como la llaman la mayoría de las personas que la han visto. Es difícil discutir con ellos, porque ver esta película deja a uno sintiéndose desesperanzado, deprimido y asustado. Al tener que ver con una familia que odia el mundo y la vida en general, este clásico de 1989 adopta una postura fría y distante para aislar aún más a los tres protagonistas del resto de la sociedad, lo que de forma lenta pero segura provoca que el público sienta profundamente por ellos como su la existencia da un giro oscuro. Siendo una de las películas más inquietantes que jamás haya aparecido en la gran pantalla, la pieza debut de Haneke se burla del espectador y nunca la suelta. Si el público lo llama película de terror, lo hace refiriéndose a una película de terror que no se parece a ninguna otra. Cubierto de ambigüedad y realismo, El séptimo continente es un recuento personal, íntimo y aterrador de una historia real que te deja en silencio, porque durante al menos un par de minutos después de que termina, te vuelves incapaz de pronunciar una sola palabra.

12. Espíritu de la colmena (1973)

El maestro español Víctor Erice hizo solo tres largometrajes antes de retirarse. Aún hoy, sus películas como El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ y especialmente Spirit of the Beehive, su indefinible debut, que nos hacen desear que todavía estuviera haciendo películas. Una historia parabílica de dos niños, uno explorando su existencia con una fascinación inocente, a menudo desconcertante, y el otro obsesionado con la película 'Frankenstein', que se proyectó en su teatro local. Su desconcertante retrato del corazón de España queda en una seductora ambigüedad por la dirección característicamente neutral de Erice, que rara vez se aventura en el método cinematográfico en favor de la observación silenciosa. El trabajo resultante es desconcertante, fascinante y te dejará preguntándote sobre el enigma intrínseco de la vida misma: sus preguntas incontestables, sus grandes misterios y su desconcertante inexpugnabilidad. Para dejarlo completamente devastado o incomparablemente conmovido, no hay duda de que, en cualquier extremo, 'Spirit of the Beehive' será una experiencia importante.

11. Satan Tango (1994)

La enorme y prodigiosa obra maestra de Béla Tarr me hipnotizó cuando la vi por primera vez. Su sentido pragmático del mundo real y su paciencia son sus cualidades definitorias. Observa más de lo que refleja y contempla más de lo que entrega declaraciones pulcramente formadas. Su realismo mítico y sombrío es demasiado bueno para ser verdad y demasiado brutal para haber sido realizado con tal ojo para la belleza. Todo lo que quería hacer al final era cerrar todas mis ventanas y envolverme en la oscuridad porque la película para mí había sido como ese loco en la iglesia y sus lamentos habían tenido demasiado sentido. Me complace informar que las sagaces reflexiones sociales y políticas de 'Sátántangó' han comenzado a hacerse claras para mí, ya que he vuelto a ellas repetidamente.

10. La Dolce Vita (1960)

El virtuoso de Fellini con cautela, paciencia y poesía suavizado se muestra en su Palme d'Or ganador que en su glamour conmovedor y sombrío captura una forma de vida que parece demasiado esquiva y, de alguna manera, demasiado real. Su ritmo subraya la sensación de falta de rumbo del protagonista y nos obliga a sumergirnos en el arreglo sinfónico de la vitalidad de la vida y lo fugaz que es todo. Este protagonista es interpretado por un Marcello Mastroianni, el mejor de su carrera, quien emplea este regalo del tiempo para llenar sus ojos con un cansancio irresistible del mundo. Cuestionar el significado de ciertas secciones de 'La Dolce Vita' que pueden parecer desprovistas de importancia filosófica o relevancia narrativa es rechazar la posibilidad de dejar que los detalles picantes te inunden y luego contemplar las consecuencias. Mientras la partitura celestial de Nino Rota nos lleva al vertiginoso mundo de Roma, visto a través del ojo ilusorio de Fellini, solo ves lo que él quiere que veas y rápidamente se convierte en lo que tú también quieres ver.

9. 8 1/2 (1963)

Aprovechando la sombría seriedad de Marcello Mastroianni, la pura electricidad de Fellini puede ser abrumadora. Te aferras a tu percepción de un momento en particular y reconoces su sensual riqueza solo para descubrir que el cineasta ha pasado a otra secuencia revoloteante y deliciosamente equilibrada. Sus ideas sobre los artistas y su obsesión desconcertante y ridícula con ellos mismos pueden parecer anticuadas, o peor aún, irrelevantes, pero la audacia de su construcción y expresión nunca se nos escapa. Nos embruja y seduce, nunca nos permite apartar la vista de él y luego se desliza entre nuestros dedos cuando nos damos cuenta de que nunca lo tuvimos a nuestro alcance. Fellini no se diferencia mucho de la clarividente Maya de la película que parece saber lo que todos piensan: una habilidad que su asistente atribuye a la telepatía. Cuando nuestro protagonista, Guido, le pregunta a la asistente cómo lo hace, él dice claramente: 'En parte es un truco y en parte es real. No lo sé, pero sucede '. No hay palabras más aptas para describir la película.

8. El séptimo sello (1957)

Desde las primeras imágenes del icónico documento de Bergman sobre la fe, el miedo y la alegría, hay un hechizo sobre ti. La mirada dura y granulada al mar, a la costa y sobre ella a un valiente caballero y su fatídico encuentro con la personificación de la muerte definen la claridad del objetivo de la película, incluso si deja espacio para una ambigüedad seductora, casi aterradora, presente constantemente. Beneficiándose de una actuación magnética del incomparable Max von Sydow y de una banda de actores que elevan el asombroso material de Bergman, basado en su obra 'Wood Painting', a niveles inesperados, 'The Seventh Seal' en sus escasos 90 minutos tiene la influencia de una vieja fábula transmitida de generación en generación que impulsa la imaginación mucho más expansiva de lo que ella misma puede esperar contener. El blanco y negro brillante y nítido de Gunnar Fischer asegura que la intensidad desgarradora se arrastre debajo de nuestra piel. La fluidez similar a una corriente es el resultado de una narrativa desarrollada con una confianza sublime y una sensatez tangible. Puede ser una historia completamente simple, que no obstante alberga ideas valiosas en su seno, pero está cosida con una tela tan intrincada y atrevida que no puedes evitar mirarla una y otra vez para que se traduzca en un recuerdo duradero.

7. Stalker (1979)

Manteniendo a raya a sus descendientes menores, que incluyen la exitosa serie de televisión 'Westworld', no se puede exagerar la enorme influencia de 'Stalker' en la narración visual. Las ideas, filosóficas, espirituales y científicas, así como su hábil y gloriosa exploración cinematográfica en 'Stalker' han encontrado sus impresiones en muchas obras de ciencia ficción que vendrán después. No es tanto el deslizamiento, el trance y los puntos, el ritmo abstracto o el uso conmovedor de la sepia monocromática fuera de la 'Zona' y los colores de impresión de las ubicaciones en Estonia, lo que se ha reflejado en el trabajo de cineastas como Terrence Malick y Lav Diaz, por nombrar algunos, pero la paciencia y la humildad perdurables. Tarkovsky, en gran parte entregando las riendas filosóficas a la audiencia, deja tanto espacio para que los espectadores descubran múltiples facetas metafísicas de la película por sí mismos, que incluso su inigualable poesía literal y visual parece tanto un producto de nuestra fabricación como de su y sus colaboradores '.

6. Apocalipsis ahora (1979)

Una película de guerra podría parecer una opción poco probable. Pero, como dije, las grandes películas rompen los obstáculos de sus géneros. 'Apocalypse Now' es ampliamente considerada como la mejor película de guerra jamás realizada. Pero en esencia, es una película que también explora el existencialismo. El viaje del capitán Willard a una oscura aldea de Camboya para asesinar a un enigmático oficial del ejército renegado sirve como metáfora visual del desgarrador viaje de un ser humano hacia el abismo de la existencia. 'Apocalypse Now' trata sobre la búsqueda de respuestas de Willard. Con él en su viaje, cuestionamos las moralidades creadas por una sociedad civilizada enmascarada de hipocresía y megalomanía. Su extraña y misteriosa fascinación por el coronel Kurtz culmina con su descubrimiento de los extremos de la guerra que podrían convertir a un hombre en una bestia incivilizada.

5. Los 400 golpes (1959)

'Los 400 golpes' de François Truffaut es una verdadera obra de arte que surge del dolor real. Un trabajo verdaderamente sincero y profundamente personal, Truffaut dedicó la película a su padre espiritual y teórico del cine internacionalmente aclamado André Bazin. De naturaleza claramente autobiográfica, la propia infancia de Truffaut fue turbulenta, y eso se refleja muy claramente en la película. En el exterior, la película trata sobre la delincuencia juvenil y adolescente que a menudo es impulsada por la negligencia social y parental. Mire un poco más profundo y encontrará una película sobre la esperanza; Espero que sea intenso y terapéutico. Antoine Doinel, el protagonista, es de alguna manera una cruda representación de la propia sociedad, una sociedad que esconde sus propios fracasos detrás de reglas, castigos y juicios. La película fluye como un río y lleva a la audiencia por un viaje de esperanza, desesperación, empatía e incluso pura ira. Si alguna vez quisiste ver cómo se ve una obra maestra, no busques más que 'Los 400 golpes'.

4. Tokyo Story (1953)

'Tokyo Story' es a lo que aspira todo cineasta que quiera contar una historia significativa. ¡Obviamente, todos se quedan cortos! No hay mejor ejemplo de película que presenta una historia épica de una manera tan sencilla pero magistral, eficaz e inolvidable. Con 'Tokyo Story', Yasujiro Ozu logró algo que es el sueño de todo cineasta vivo: residir para siempre en el corazón y la mente del público. Cualquiera que haya visto 'Tokyo Story' sabrá de lo que estoy hablando. La película cuenta la historia de una pareja japonesa tradicional que envejece y visita a sus hijos en Tokio solo para darse cuenta de que sus hijos están demasiado ocupados con sus vidas para cuidarlos y se han distanciado inmensamente de ellos, cultural y emocionalmente. . Lo que también es genial de la película es su tema universal con el que cualquier persona, en cualquier lugar, puede identificarse. El estilo cinematográfico de Ozu también asegura que estés absorto en una historia que ofrece una visión profunda de la psique humana cambiante con los tiempos cambiantes. ¡Simplemente genial!

2. 2001: Una odisea del espacio (1968)

La genialidad de '2001: A Space Odyssey' radica en el hecho de que el viaje espiritual que nos lleva a lo largo no se suscribe al teísmo o al agnosticismo ni nada en particular; depende totalmente de la audiencia cómo quieren interpretar el película. Eso va desde la creencia de un teísta en la existencia de un Dios amoroso y bondadoso hasta el cinismo de un agnóstico y la deprimente inutilidad de la vida que un nihilista podría elegir. Sin embargo, al menos, Kubrick establece cuán insignificantes somos y cuán diminutos son nuestros supuestos avances tecnológicos. Tenemos años luz para avanzar antes de obtener las respuestas a cualquiera de las preguntas existenciales que surgen en nuestra mente.

3. El árbol de la vida (2011)

Terrence Malick nunca cuestiona la existencia de Dios en 'El árbol de la vida'. Sin embargo, su verdadero sentido de asombro no surge de eso; más bien se regocija en la magia que es la vida misma. En una era en la que Dios se ha convertido en un medio para demostrar la superioridad y una excusa para dañar e incluso matar, 'El árbol de la vida' presenta una forma hermosa pero razonable de ver a Dios. Al final, 'El árbol de la vida' es un poema cinematográfico de extraordinario alcance y ambición. No solo pide a su audiencia que observe, sino que también reflexione y sienta. En su forma más simple, 'El árbol de la vida' es una historia del viaje de encontrarse a uno mismo. En su forma más compleja, es una meditación sobre la vida humana y nuestro lugar en el gran esquema de las cosas. Al final, 'El árbol de la vida' podría cambiar tu forma de ver la vida, me cambió a mí.

2. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruselas (1975)

Esta película de vanguardia francesa protagonizada por Delphine Seyrig como el personaje principal no es una mera experiencia cinematográfica. Está más cerca de un ejercicio, una prueba, y le afecta de una forma que pocas películas han hecho antes o después. La pieza independiente se centra en tres días en la vida de una ama de casa solitaria y con problemas, mientras pasa por su estricto horario lleno de tareas domésticas mundanas. Es madre y viuda que realiza trabajos sexuales para caballeros por la noche para ganarse la vida. Los problemas surgen cuando, en el segundo día, su rutina se altera levemente, provocando una especie de efecto dominó que se refleja en las horas siguientes. Jeanne Dielman atrae a uno a su mundo lento y meditativo con la firma de director distintiva de Akerman, que involucra una atmósfera diegética y un aura hipnótica provocada por la personalidad tranquila, sutil y paciente de la obra maestra, que es una celebración dolorosa de la monotonía de la existencia.

1. Balthazar aleatorio (1966)

La desolada obra maestra de Robert Bresson es un ejercicio de sentimiento. Se aleja de definir un protagonista claro o un tema central a menos que cuentes la fuerza milagrosa de la naturaleza que es Balthazar y si tomas la película por su valor nominal, no lo haces. Pero si le permite ser su punto de acceso al panorama emocional y temático de la película, es difícil regresar sin recompensa. El estilo visual peculiar, delgado y fresco de Balthazar parece casi glamoroso en retrospectiva; su plácida fragilidad envuelta en una resignada y singularmente sabia sensación de control. Incluso su franqueza palpable oculta un esfuerzo estudiado por reprimirse un poco, por nutrir en su sencillez de escenario y carácter una riqueza dejada al público para descubrir y en algunos casos impresionantes, imaginar. Asignar significado a cada momento en 'Balthazar' no depende de si asumimos que sus contenidos son alegorías de carácter social o incluso político, sino de la forma en que nos hacen sensación saboreando su complejidad y tranquilidad, en lugar de depender de la exposición sin sentido a la que recurren la mayoría de las películas. Tiene mucho sentido, entonces, que el protagonista sea el burro epónimo.