100 mejores películas de todos los tiempos

Alejandro Jodorowsky Prullansky, el famoso director de cine, poeta, dramaturgo y compositor de música chileno-francés, dijo una vez: Siempre he pensado que, de todas las artes, el cine es el arte más completo. Estoy de acuerdo. En más de un sentido, el cine es en realidad una amalgama de todas las demás formas de arte importantes: pintura, escritura y música. No puede ser casualidad que el cine sea también la forma de arte más moderna. Después de todo, la evolución de otras formas de arte fue necesaria para que existiera el cine. El hecho de que siga siendo la forma de arte más popular casi desde el momento en que nació te dice tanto su fuerza como su debilidad: es fácilmente accesible y, por lo tanto, más comercializable.

Con eso en mente, me complace presentarles la lista de The Cinemaholic's 100 mejores películas de todos los tiempos . Antes de comenzar a explorar nuestra lista de las 100 mejores películas jamás realizadas, recordemos nuevamente que las listas, por su naturaleza, nunca son perfectas. Por lo tanto, no pretendemos que este sea el Santo Grial de la lista de las mejores películas del mundo. Pero lo que puedo asegurarles es que se ha investigado mucho para armar esta lista. Se consideraron miles de títulos de películas y se debatió cada selección final. Estoy seguro de que encontrará muchas de sus películas favoritas que faltan en la lista. ¡También faltan muchos de mis favoritos! Pero en lugar de frustrarte por eso, aprovecha esta oportunidad para ver las películas que no has visto. Quién sabe, ¡quizás termines descubriendo tus nuevos favoritos!

100. Los paraguas de Cherburgo (1964)

Jacques Demy colorea su ópera romántica con una sofisticación suave y desmesurada que resulta un poco hipster. Pero este color no es solo el de las paredes, la ropa y las sombrillas. También está en las mejillas de una joven imposiblemente enamorada que cruza la calle para saludar a su amado y su ausencia cuando vemos ese rostro envuelto en un velo, la joven ahora novia de otro. Hay color, también, en la forma en que las personas hablan, o para ser más precisos, cantan entre sí. Pero sus conversaciones líricas no riman como la mayoría de las canciones. Cuando todo, desde las profesiones del amor hasta las preocupaciones por el dinero, está entrelazado con una pasión indistinguible, no te haría mucho bien ir a buscar la rima o la razón. Si bien la película y todas sus revelaciones melódicas, reforzadas por la música sobrenatural de Michel Legrand, son desgarradoramente románticas, todas las decisiones que toman nuestros personajes, como todo en la vida, definitivamente no lo son.

Para una trama tan tediosamente conocida, que ha sido la base de innumerables canciones pop y telenovelas, cada cuadro de 'Los paraguas de Cherburgo', lleno de melancolía, es seductoramente fresco, incluso desconocido. Puedes atribuirlo a cuán genuinas son las emociones y cuán sincera es su expresión. Operando en una escala tan humilde como lo hace, 'Umbrellas' te devasta con el más pequeño de los reflejos. Me quedé estupefacto de cuán sustancial podría ser el impacto de dos sillas vacías, una vez ocupadas por los dos amantes. En el manjar hecho con cariño por Demy, marchamos en carnavales llenos de cintas y confeti, decoramos árboles de Navidad y nos hacemos regalos, guardando todos nuestros sentimientos en algún rincón de nuestros corazones, porque no importa lo difícil que sea soportar la ausencia de alguien o la pasado es olvidar, todo lo que podemos hacer es vivir en la fantasía de hoy.

99. Avistamiento de trenes (1996)

Es un poco difícil explicar a los cinéfilos como nosotros el fanatismo de 'Trainspotting'. Llegó en un momento en que la realidad de las drogas acababa de comenzar a asimilarse. Se diría que exaltaba el abuso de drogas y, hasta cierto punto, es cierto. El hecho que surgió fue el intento de Danny Boyle de mostrar los altibajos del abuso de drogas, sin tomar partido. 'Trainspotting' es una película de culto que cuenta la historia de cuatro amigos y su cita con la adicción. Escandaloso y extraño son las únicas dos palabras para describirlo. Un drogadicto que quiere limpiarse, solo para vacilar en cada paso debido a su más profunda necesidad de drogarse. Con una generosa sobredosis de humor, la película intenta subrayar un hecho con absoluta seriedad: a pesar de los lujos que ofrece la vida, la juventud los niega con mucho aplomo. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?

98. El graduado (1967)

¡Ah, los días de la juventud! Despreocupado y alegre. Diversión llena sin nada de qué preocuparse. Sin preocupación por el pasado, que ha quedado atrás, y sin preocupación por el futuro, que aún está por llegar. Benjamin Braddock llevó esta vida sin preocupaciones, después de graduarse de la universidad. Y cuando finalmente regresó a su ciudad natal, allí conoció a la Sra. Robinson. La llama de una aventura empieza a arder. La vida da un giro tortuoso cuando el joven Ben confunde el sexo con compañía. Se vuelve patas arriba, cuando él se enamora de su hija. Una película que invita a la reflexión, con el atuendo de una comedia, 'The Graduate' es una de las películas más divertidas de la historia. Protagonizada por Dustin Hoffman, presenta la línea icónica: 'Sra. Robinson, ¿está tratando de seducirme?'

97. La doble vida de Veronique (1991)

Quizás ningún otro cineasta entendió a las mujeres con tanta profundidad emocional como lo hizo Krzysztof Kieslowski. El hombre simplemente los amaba y lo mostró con tanta pasión e intimidad que no puedes evitar sentirte enamorado de su poder emocional puro. 'La doble vida de Veronique' podría ser su mayor logro artístico. La película trata sobre una mujer que comienza a sentir que no está sola y que hay una parte de ella viviendo en algún lugar del mundo en un alma diferente. Veronique y Weronika son las dos mujeres idénticas que no se conocen y, sin embargo, comparten una conexión emocional misteriosamente íntima entre ellas. La cinematografía altamente estilizada de Slawomir Idziak pinta la película con una sensación tiernamente melancólica que te envuelve y no te deja pasar. Hay sentimientos y emociones que nos cuesta mucho poner en palabras y la película da vida a esos inexplicables sentimientos de soledad y tristeza pensativa. 'La doble vida de Veronique' es una impresionante obra de arte que retrata el alma humana en todas sus hermosas fragilidades y ternura.

96. Cinema Paradiso (1988)

Mucha gente considera el cine como una indulgencia, una actividad de ocio, una diversión que no tiene ninguna consecuencia en la vida. Pero yo, con un ejército de ardientes cinéfilos que me respaldan con fervor, puedo afirmar con absoluta convicción que el cine es tan necesario a la vida como la vida al cine. Y 'Cinema Paradiso' es una forma hermosa, aunque irónica, de expresar mi punto. El exitoso director de cine Salvatore regresa a casa un día y recibe la noticia de que Alfredo ha muerto, lo que le lleva a recordar su ciudad natal en la década de 1950 en Sicilia. El joven y travieso Salvatore (apodado Toto) descubre un amor duradero por las películas que lo atrae a la sala de cine del pueblo Cinema Paradiso, donde Alfredo es proyeccionista. Después de enamorarse del chico, el viejo se convierte en una figura paterna para él mientras le enseña a Toto con esmero las habilidades que serían el trampolín para su éxito cinematográfico.

Ver a Toto y Alfredo hablar de cine con reverencia, y ver a Alfredo dar consejos de vida a través de citas de películas clásicas, es pura alegría. A través de la historia de la mayoría de edad de Toto, 'Cinema Paradiso' arroja luz sobre los cambios en el cine italiano y el agonizante oficio del cine tradicional, la edición y la proyección mientras explora el sueño de un niño de dejar su pequeño pueblo para incursionar en el mundo exterior. Una de las mejores 'películas sobre películas' que jamás haya existido.

95. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975)

Una de esas raras experiencias cinematográficas que te hacen sentir una plétora de emociones a la vez. Es divertido en partes, edificante en algunos y directamente desgarrador en otros. También es una de las otras hazañas raras en la narración simplista y efectiva, que cuenta sobre Randle McMurphy, un criminal que, con la esperanza de evadir el tiempo en la cárcel, finge tener una enfermedad mental y se declara inocente por demencia. Al llegar a una institución mental, se rebela contra la autoritaria enfermera Ratched (interpretada por una férrea Louise Fletcher) en un clásico escenario de orden contra caos. La película establece que, de hecho, no hay nadie mejor para interpretar personajes con destreza y encanto que el propio Jack Nicholson, lo que le otorga una merecida victoria en el Oscar por su actuación en la película. Lo que comienza como una película perdurable y conmovedora, se convierte en un final trágico aunque esperanzador, luego de escenas inquietantes que involucran un suicidio y una terapia electroconvulsiva en pacientes. La película, sin embargo, nunca deja de lado la atención del espectador y el patetismo de los personajes en pantalla, evocando una emoción genuina y alegría por el espíritu humano que emana incluso frente a una autoridad no correspondida.

94. Piaasa (1957)

Densa con ideas de cambio social y comentarios mordaces sobre la malicia y los estigmas de la sociedad, 'Pyaasa' no solo personificó la edad de oro del cine indio, sino que también fue un reflejo de la propia burguesía india. Es una película que tiene una cualidad sutil en sí misma, donde todas las verdades descaradas y las duras realidades de la sociedad hierven a fuego lento bajo la superficie esperando ser exploradas y extrapoladas por las audiencias atentas. 'Pyaasa' es un clásico atemporal no sin razones. Incluso después de 60 años de su lanzamiento, sigue siendo relevante en los tiempos modernos, porque la India sigue plagada de las mismas maldiciones sociales (corrupción, misoginia, materialismo) a las que se dirige directa o indirectamente 'Pyaasa'.

93. Tiempos modernos (1936)

‘Modern Times’ es una película humorística con un mensaje poderoso. Con los temas característicos de Chaplin de esperanza y pobreza, esta imagen se centra en los efectos adversos que la maquinaria y otras formas de avances tecnológicos tienen en la gente común, poniendo en el centro de atención a un trabajador de fábrica cuya vida pasa por muchos giros y vueltas mientras intenta hacer frente al nuevo mundo. Aunque la payasada es desgarradoramente divertida, todo está contenido dentro de un recipiente de tristeza. 'Modern Times' utiliza elementos inteligentes y sutiles para hacer preguntas filosóficas importantes de vez en cuando. El clímax es uno de los más conmovedores de todos los tiempos, involucrando una forma triste de felicidad y sin una respuesta o resolución real. Esta película puede muy bien ser el trabajo mejor escrito de Chaplin, y es sorprendente cuán relevantes son las ideas presentadas aquí incluso hoy. Habiendo superado indudablemente la prueba del tiempo, el camino que toma Modern Times para compartir sus pensamientos es probablemente el mejor aspecto de este triunfo cinematográfico.

92. La delgada línea roja (1998)

El regreso de Terrence Malick al cine después de un paréntesis de 20 años estuvo marcado por este drama de guerra maravillosamente impresionante que explora, no la guerra, sino la emoción de luchar en la guerra. La película es verdaderamente de naturaleza malickiana, con más énfasis en las imágenes que en la historia, lo que te permite sumergirte en la experiencia. La genialidad de la película radica en la visión de Malick de ver la belleza en algo tan oscuro y sangriento como la guerra. Se necesita un genio absoluto para convertir algo tan brutal y sangriento como la guerra en una experiencia tan hipnótica que trasciende las realidades de la guerra y te permite sumergirte en las emociones de sus personajes. Es una experiencia tan inmersiva que te pide que sientas a los seres humanos detrás de las armas y las bombas. Estas son almas devastadas como nosotros, anhelando un toque delicado, extrañando el calor del aliento de sus amantes y esposas mientras tienen que lidiar con la más horrible de las realidades lejos de ellos. 'The Thin Red Line' es simplemente una experiencia como ninguna otra; uno que debe ser visto, sentido y reflexionado.

91. Blade Runner (1982)

El corte final de 'Blade Runner' de Ridley Scott, creo que es la mejor película distópica jamás realizada. Aunque Metropolis es una opción discutible, hay que observar las imágenes no auténticas asociadas con el cine expresionista alemán. 'Blade Runner', por otro lado, es más que perfecto en la construcción de un mundo que sufre de desigualdad financiera, aumento de la población, deficiencia en todo lo natural porque ni siquiera se puede confiar en la carne aquí. La iluminación centelleante es contextualmente natural, porque es un mundo electrónico y Jordan Cronenweth la usa de manera similar a los objetos cotidianos que iluminan en el cine negro. Aunque puede que no plantee preguntas de tan largo alcance como 'A Space Odyssey', nos hace preguntarnos si los androides sueñan con ovejas eléctricas.

90. Fargo (1996)

Violenta, divertida, cálida y brutalmente intensa, 'Fargo' es una de las mejores películas estadounidenses de los años 90 y uno de los mejores dramas criminales jamás realizados. La película trata sobre un hombre que contrata a dos hombres para secuestrar a su esposa y extorsionar a su rico suegro. El brillante uso del humor negro por parte de los hermanos Coen impregna la película con un aire de calidez que le da un tono muy distintivo a la película. Es esta combinación magistral de comedia, drama y violencia lo que hace de 'Fargo' una experiencia cinematográfica tan memorable. Esa hermosa toma de apertura de un Minnesota lleno de nieve, bellamente complementada por una partitura inquietante marca el tono de la película y establece una sensación de profunda tristeza que se encuentra debajo de la violencia y el humor con los que está llena la película. Frances McDormand es claramente la estrella de la película y se roba el espectáculo, interpretando a una jefa de policía embarazada atrapada en un mundo de maldad y brutalidades, pero que logra encontrar luz y esperanza. 'Fargo' es una pieza de cine puro fascinante emocionalmente cruda, brutalmente intensa, adorablemente divertida y dolorosamente realista.

89. Cabeza borradora (1977)

'Eraserhead' es una pieza de libro de texto sobre el horror atmosférico. Contando la historia de un hombre con cabello extraño que intenta criar una especie de familia por sí mismo, esta película se convierte más en una pesadilla surrealista con cada minuto que pasa. Usando sonido y primeros planos para ofrecer una sensación de miedo claustrofóbico y alineándolo con una trama que tiene poco sentido en la primera visualización, el debut de David Lynch demuestra ser uno de los mejores del maestro director, lo que en sí mismo es un gran elogio. Lo que hace 'Eraserhead' es crear un mundo distópico, salpicado de edificios feos y artilugios mecánicos sumergidos en un blanco y negro vicioso, y arrojar a personajes que están más o menos confundidos por su entorno. Si bien es casi imposible descubrir el significado de esta imagen, uno debe darse cuenta de que esta nunca es la intención. 'Eraserhead' genera en la mente de su audiencia una sensación de absoluta incomodidad, utilizando tanto sus imágenes como su estilo surrealista, y encuentra una manera de manipular sus pensamientos. Solo un puñado de imágenes están tan bellamente estructuradas pero son innegablemente amenazantes como esta, y eso es algo que solo alguien como Lynch podría lograr.

88. Infancia (2014)

'Boyhood' es un cariñoso recordatorio de los años pasados ​​de alegría desinhibida, optimismo inquebrantable e inocencia burbujeante. Se basa en derivar belleza, alegría y emoción de la vida ordinaria de las personas y no de ningún acto dramático elevado (pan y mantequilla para la mayoría de las películas). Es fascinante ver cómo de una escena a otra, no solo hay cambios en la fisicalidad de los personajes, sino que también notarás la transformación en su moda, peinado, gusto por la música y, en general, perspectivas sobre la vida. 'Boyhood', de una manera que muy pocas películas lo hacen, trasciende los límites del cine y se convierte en una pequeña parte de nuestra propia existencia y experiencia. Linklater vuelve a recordarnos por qué es el mejor en los negocios cuando se trata de contar historias sencillas sobre gente corriente.

87. Días del cielo (1978)

La evolución de Terrence Malick hacia un visionario cinematográfico autoritario y completamente controlado es una de las mejores cosas que le ha pasado al cine estadounidense. Está claro por sus primeros trabajos que estaba desesperado por saltar fuera de los límites convencionales del cine. Películas como 'Badlands' y 'Days of Heaven' tenían narraciones aparentemente sencillas, pero eran películas que intentaban ser algo más. Algo más que una historia. Una experiencia. 'Days of Heaven' logra esto de manera más brillante que 'Badlands'. Mucha gente ha criticado a menudo la película por su débil argumento. No podría decir que estén completamente equivocados, pero la historia, de todos modos, no es el aspecto más importante de una película. Lo que hace Malick aquí es usar la visualidad del cine que pone énfasis en el estado de ánimo de la historia más que en la historia misma. Sus intenciones no son emocionarte con la difícil situación de los personajes, sino permitirte observarlos, sentir la belleza de los paisajes y la fragancia de su lugar. Y crear tal tipo de experiencia visceralmente conmovedora es nada menos que un milagro.

86. La tumba de las luciérnagas (1988)

Una película conmovedora y conmovedora que está a la par en todos los aspectos que se te ocurran, con las otras películas de acción real destacando el botín de guerra. Esta película de animación japonesa se centró en los horrores de la Segunda Guerra Mundial centrándose en la vida de una pareja de hermanos, me rompió el corazón de una manera que ninguna otra película ha logrado y aún así siguió pisando fuerte hasta el final. Al ser una película de guerra, también hace maravillas en el frente humano, dándose cuenta y desarrollando maravillosamente la tierna relación entre Seita y Setsuko frente a la adversidad que fue la Segunda Guerra Mundial. El mensaje es alto y claro. Ninguna guerra se gana realmente, y toda la gloria que conllevan las victorias también va acompañada de lamentos de vidas inocentes destruidas en la guerra. Aplaudiría la película por no ser abiertamente manipuladora emocionalmente al hacernos apoyar a sus personajes; pero no se equivoque, su punto de vista poderoso e intransigente sobre la guerra y las parodias sufridas por la pareja de hermanos lo reducirá a un desastre de sollozos. Es TAN triste. Dicho esto, no hay otra forma en que lo tendría. Es la perfección, en su forma más desgarradora.

85. Manhattan (1979)

El romance en las películas de Woody Allen siempre se ha sentido dolorosamente veraz y deprimentemente realista a pesar del sentido del humor deliciosamente conmovedor con el que las envuelve. Mientras que 'Annie Hall' sigue siendo su película más atrevida, 'Manhattan' se presenta como un trabajo más maduro, artísticamente. La película tiene a Allen interpretando a un neoyorquino aburrido y confundido, recientemente divorciado, que sale con una chica de secundaria pero termina enamorándose de la amante de su mejor amigo. Allen atenuó ligeramente el humor de esta película para permitirnos sentir verdaderamente la tristeza que envuelve a sus personajes, lo que la convierte en una experiencia emocionalmente agotadora. Es solo un retrato profundamente conmovedor de relaciones frágiles y seres humanos defectuosos que luchan consigo mismos y con su existencia, buscando desesperadamente una felicidad que nunca reconocerían ni alcanzarían. Y es esta realización dulcemente delicada y conmovedora de la condición humana lo que hace de 'Manhattan' una película tan poderosa.

84. Marketa Lázarova (1967)

Marketa Lazarová, el paisaje de ensueño incorpóreo del ícono checo František Vláčil, es simplemente una de las obras de arte más increíbles del siglo XX.^elSiglo. Su enfoque vanguardista del lenguaje cinematográfico apenas se ajusta a los límites de ese giro de frase a menudo condenatorio, porque es algo más. Una impresionante fusión de imagen y sonido, libre de convenciones, estructuras o cualquier regla escrita que los eruditos del cine desenfrenados han abofeteado en la forma de la película a lo largo de los años. En comparación, todo lo demás parece tan estrictamente controlado, tan antinatural y artificial en la ejecución. Marketa Lazarová es cruda, visceral y sorprendentemente dinámica. En resumen: es gratis – un verdadero pináculo de las posibilidades de explorar cada pulgada del medio cinematográfico. Por eso, se encuentra entre las mejores películas jamás realizadas.

83. Cantando bajo la lluvia (1952)

Singin' In The Rain es el musical más definitorio de la Edad de Oro de Hollywood. Es imposible olvidar la imagen de Gene Kelly bailando junto a la farola, cuando hablamos de los momentos lustrosos del cine. La película no solo celebra deliciosamente su propia habilidad, sino también el paso del cine de ser un medio visual a uno resonante y estimulante. Un logro monumental en el cine Technicolor, el esfuerzo de dirección de Kelly fue divertidamente descartado por la crítica y el público, inicialmente. Creo que la relevancia de este clásico se fortalece día a día, ya que la brecha entre los períodos de tiempo que cubre la película (vida real y en vivo) y el presente crece cada vez más. Estamos perdiendo el contacto con una era importante, y esta película te inunda con su nostalgia.

82. No mires ahora (1973)

Es muy difícil encontrar una obra de arte visual que sea tan hipnótica como 'Dont Look Now' de Nicolas Roeg. En muchos sentidos, esta obra maestra es como el horrible enano del final. Está bellamente envuelto en colores extáticos, pero alberga la peor parte de la vida: la muerte. No importa cuán efectivo sea el personaje de Sutherland, creo que esta es una película impulsada por las emociones, ya que Roeg antepone la búsqueda del amor perdido a una historia concluyente. El fundamento gótico es un recurso muy poderoso para exclamar la importancia de los lazos en los que se apoya, el del amor paterno y familiar, así como para dar forma vaga a los fantasmas que acechan al protagonista. Algunos lugares son como las personas, algunos brillan y otros no.

81. El club de la lucha (1999)

De vez en cuando, llega una obra de arte que define la psique de una generación. En cuanto al cine, los años 50 tenían 'Rebelde sin causa', los 60 tenían 'El graduado' y los 70 tenían 'American Graffiti'. E incluso dos décadas después, 'Fight Club' encaja como anillo al dedo en el espíritu inquietante, descontento y antisistema de nuestra generación. Al igual que muchas grandes películas, El club de la lucha es muy divisivo y puede interpretarse filosóficamente de muchas maneras distintas: algunos encuentran que define la masculinidad contemporánea, mientras que otros piensan que glorifica la violencia y el nihilismo.

Esencialmente un thriller, la película se cuenta desde el punto de vista de un protagonista anónimo que sufre de insomnio y está descontento con su monótono trabajo que se cruza con un impetuoso fabricante de jabón llamado Tyler Durden. Durden y el protagonista pronto comienzan un 'Club de la lucha' clandestino como una forma para que los miembros descontentos de la sociedad den rienda suelta a su ira. Pero pronto, los planes de Tyler y las relaciones del narrador se salen de su control, lo que lleva a un clímax explosivo (¡literalmente!)

Junto con la actitud despreocupada que propaga, 'Fight Club' también es un sello distintivo de alguna dirección as de la leyenda contemporánea David Fincher. La paleta de colores sombríos, la edición nítida y el trabajo de cámara hábil han inspirado una horda de oscuros thrillers después de la película. Una película decisiva de la década de 1990.

80. Antes del atardecer (2004)

Aquí está la verdad sobre la evolución humana que nadie te dirá: la humanidad pronto perderá el arte de la conversación. Los avances tecnológicos tienen un gran efecto secundario: las personas están cada vez menos interesadas en entablar una conversación real, porque tienen tecnología detrás de la cual esconderse. Y es exactamente por eso que la serie Before se mantendrá en las próximas décadas. Una serie de películas que tratan sobre dos personas que entablan una conversación real son una rareza incluso para esta generación. En el futuro, tales películas no se harán en absoluto. Es por eso que las generaciones futuras mirarán hacia atrás a la trilogía Antes con asombro y asombro. Y no me sorprendería si la trilogía encuentra su merecido lugar no solo en la historia del cine sino también en la biblioteca de todas las escuelas de cine.

Entre las tres películas de Before, 'Before Sunset' se destaca porque es la más desgarradoramente hermosa. Una película que trata inherentemente sobre el deseo humano más fuerte: el deseo de estar con alguien con quien podrías pasar el resto de tu vida. Si miras de cerca, 'Before Sunset', en última instancia, se convierte en un espejo, al mirarlo, puedes juzgar tus propias relaciones: ¿En qué te equivocaste? ¿Quién era realmente el indicado para ti? ¿Qué oportunidades perdiste? ¿Lo que pudo ser? Es una de las películas más raras donde tu propia experiencia en la vida enriquecerá y nutrirá tu experiencia con la película.

79. La matriz (1999)

Una idea ingeniosa e inteligente plasmada en la pantalla por los Wachowski, que resultó en una película que hizo que muchos espectadores desconfiaran de la realidad en la que se encontraban. Es cierto, una vez que se hizo 'The Matrix', no había vuelta atrás, cambió. cosas. La película no solo abrió nuevos caminos en su historia, sino que también revolucionó la forma en que se concibieron las películas de ciencia ficción y acción a partir de entonces. El éxito de 'The Matrix' como película también radica en cómo incursiona magistralmente entre temas que incluyen la filosofía, el existencialismo e incluso la religión, todo mientras se disfraza de una película de acción y ciencia ficción. La capacidad de Neo para manipular la realidad simulada para realizar hazañas aparentemente imposibles y el uso del tiempo bala, una técnica de acción que ahora es icónica, se suma al ingenio de la película. El género puede estar sobrecargado ahora, pero cuando salió por primera vez, es seguro decir que la audiencia no había visto nada igual.

78. El séptimo continente (1989)

Llamar a 'El séptimo continente' de Michael Haneke una película de terror me suena muy mal, pero así es como la mayoría de las personas que la han visto se refieren a ella. Es difícil discutir con ellos, porque ver esta película te deja sin esperanza, deprimido y asustado. Teniendo que ver con una familia que odia el mundo y la vida en general, este clásico de 1989 adopta una postura fría y distante para aislar aún más a los tres jugadores del resto de la sociedad, lo que, de forma lenta pero segura, hace que la audiencia los sienta profundamente como sus la existencia toma un giro oscuro. Siendo una de las películas más inquietantes que jamás haya aparecido en la gran pantalla, la pieza debut de Haneke se burla del espectador y nunca lo suelta. Si el público la llama película de terror, lo hace refiriéndose a una película de miedo que no se parece a ninguna otra. Cubierto de ambigüedad y realismo, El séptimo continente es un recuento personal, íntimo y aterrador de una historia real que te deja en silencio, porque durante al menos un par de minutos después de que termina, te vuelves incapaz de pronunciar una sola palabra.

77. Zodíaco (2007)

'Zodiac' no es un thriller convencional; es de ritmo lento y se enfoca más en el estado de ánimo y los personajes que en la trama. Hay un aura que David Fincher construye tanto que puedes sentir el estado de ánimo de la película en tus huesos. No es una película que te dejará contento cuando termine. También es una película donde el malo gana, los buenos pierden. Y por eso es tan bueno. No solo bueno, sino una obra maestra moderna. Cuando una película logra emocionarte durante dos horas y media completas y te deja pensando durante días, debe haber hecho muchas cosas bien que los thrillers que se hacen de manera rutinaria no lo hacen. En mi opinión, 'Zodiac' es la mejor película de Fincher, donde él, con su disciplina y variedad de habilidades, demuestra por qué a veces menos es más.

76. Magnolia (1999)

'Magnolia' es sin duda la obra más personal de Paul Thomas Anderson con diferencia. La vibra histérica que Anderson infunde en la película aporta cierta fluidez emocional al melodrama que es tan increíblemente adictivo y catártico en su energía. La película se desarrolla íntegramente en el Valle de San Fernando con varios personajes interrelacionados que atraviesan diferentes fases de sus vidas, luchando para lidiar con sus propios demonios internos y conflictos emocionales. Anderson ama a estas personas, las conoce y las comprende, pero las presenta sin pedir disculpas por lo que son; seres humanos completamente desnudos, crudos y puros, confrontando y superando sus miedos y debilidades más profundos. Lo que hace que 'Magnolia' sea tan especial es que es una película que dice mucho sobre su cineasta. Se nos da un vistazo a la vida de Anderson, el lugar al que pertenece y las personas en su vida. Hay tanto de Anderson en toda la película. Una película como 'Magnolia', si hubiera sido dirigida por cualquier otro cineasta, se habría sentido anticuada y parecía un producto de su tiempo, pero con Anderson solo se suma al atractivo de la película.

75. El bebé de Rosemary (1968)

'El bebé de Rosemary' es una obra de arte oscura y retorcida que juega con la inocencia para generar una sensación de horror. Teniendo que ver con una mujer que experimenta complicaciones durante el embarazo, la película toma una ruta completamente nueva con su trama al permitir que los elementos rituales jueguen un papel importante. Hay mucho de esta película para amar, desde los personajes bien escritos hasta el ambiente distante y melancólico que rodea cada incidente que ocurre. Siempre hay una sensación de tensión a lo largo de la película, y eso se debe en parte a la cinematografía silenciosa y persistente ejecutada con el estricto estilo de dirección de Polanski. Mia Farrow ofrece aquí la mejor actuación de su carrera como Rosemary Woodhouse, una mujer que se debilita a medida que lucha con los dolores que acompañan al embarazo. En general, la atmósfera capturada por esta película es igualada por pocas otras, y la forma en que se filtra en tu piel es realmente otra cosa.

74. El bueno, el feo y el malo (1966)

Personajes fascinantes interpretados por actores legendarios, acción brutal y desenfrenada, música cautivadora y cinematografía intensa: la tercera parte de la trilogía 'Dollars', que se dice que es el nacimiento de los spaghetti westerns, es un cine indulgente, cautivador y entretenido en su máxima expresión. Blondie o No Name (The Good), un pistolero profesional y Tuco (The Ugly), un forajido buscado, forman una alianza involuntaria cuando cada uno descubre un detalle importante sobre un alijo de oro escondido por un confederado fugitivo. a quien Angel Eyes (The Bad), un asesino a sueldo, es contratado para matar. El viaje del trío forma el quid de una trama fascinante que termina en una clásica mirada fija al estilo occidental. Clint Eastwood como Blondie es la imagen del machismo, Lee Van Cleef como Angel Eyes es el mal personificado y Eli Wallach como Tuco agrega una complejidad de carácter de impulso y rabia a los actos más simples pero llamativos del bien contra el mal de las dos estrellas más grandes. Pero las riendas son para siempre el director en manos de Sergio Leone: utiliza planos largos extensos y una intensa cinematografía de primeros planos según sea necesario para crear tensión en los procedimientos. Una película que definió el género Quentin Tarantino, uno de los máximos exponentes del western moderno, una vez llamada La película mejor dirigida del mundo.

73. Los jugadores viajeros (1975)

Durante demasiado tiempo, la epopeya íntima y delicadamente ensamblada de Theo Angelopoulos fue conocida por pocos entusiastas del cine y, quizás, apreciada por aún menos. Es comprensible que su construcción gradual y majestuosa de un monumento cinematográfico a nuestra relación esotérica y críptica con el tiempo no sea para todos. Pero para los curiosos entre nosotros, se sabe que brinda consuelo, brinda sabiduría y otorga una percepción que ayuda a encontrar constantes a las que aferrarse en este mundo universal y cruelmente dinámico. Entre las muchas cosas que esta película hace bien es su comprensión prístina de las revelaciones en la historia de 'Orestes'. La mitología asociada con la figura trágica se captura con una humildad alucinante y, sin embargo, la película logra transportarnos a través de su visión flexible a una visión melancólica y persistente de la Grecia de mediados del siglo XX. Su elegancia temporal justifica ver la historia estando junto a la compañía: de afuera hacia adentro. Tiendes a sentir su dureza y a reflexionar sobre su creación. Es una rara lección de historia antifascista porque nunca nos dice qué pensar. Sólo nos muestra qué sentir. Angelopoulos y el director de fotografía Giorgos Arvanitis nos ubican en escenarios de infarto y los limpian con la crueldad devastadora de la época. 'The Travelling Players' es una gema rara y humilde que se siente como si hubiera sido salvada de calles cargadas de disturbios y sobrevivió al hambre. En términos más simples, no lo merecemos.

72. Caché (2005)

A menudo se acusa a Michael Haneke de lidiar siempre con narrativas sombrías. Esa caracterización es completamente injusta porque, en esencia, lo que hace es proporcionar una visión humana de la oscuridad que nos envuelve a todos, cómo nuestras percepciones defectuosas conducen a un aislamiento angustioso y cómo nuestras ilusiones reducen nuestras posibilidades de superar dicho aislamiento. 'Caché' no es solo un documento masivo y abrasador que señala la crueldad de la Masacre del río Sena de 1961 y nuestra inhumanidad como sociedad, sino también un estudio de carácter poéticamente universal. Georges, nuestro protagonista, percibe la vida y su presencia como un ser social en una distorsionada sensación de alegría. Huye de la comodidad de confiar y comunicarse con los demás. Disfruta de su enajenación, al igual que enajena a tantos que lo aprecian tanto. Con eso, Haneke se burla de la generación que desea que la dejen en paz. Su cámara es a veces inusualmente distante, al igual que muchos de nosotros en relación con nuestro entorno. Pero bajo su control, tenemos que confrontar nuestra indecencia, nuestra desconsideración, nuestra realidad. Una de las piezas de cine más desafiantes que jamás verás.

71. El espíritu de la colmena (1973)

El maestro español Víctor Erice hizo solo tres largometrajes antes de retirarse. Aún hoy vivo, sus películas como El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ y especialmente Spirit of the Beehive, su indefinible ópera prima, nos hacen desear a todos que siguiera haciendo cine. Una historia parabólica de dos niños, uno que explora su existencia con una fascinación inocente, a menudo desconcertante, y el otro obsesionado con la película 'Frankenstein' que se proyecta en su teatro local. Su retrato desconcertante del corazón de España se deja en una ambigüedad seductora por la dirección característicamente neutral de Erice, que rara vez se aventura en el método cinematográfico a favor de la observación silenciosa. El trabajo resultante es desconcertante, fascinante y te dejará preguntándote sobre el enigma intrínseco de la vida misma: sus preguntas sin respuesta, sus grandes misterios y su desconcertante inexpugnabilidad. Para dejarte completamente devastado o incomparablemente conmovido, no hay duda de que, en cualquier extremo, 'Spirit of the Beehive' será una experiencia importante.

70. Todos los hombres del presidente (1976)

Puerta de agua. Una palabra que bajó el telón de la presidencia de Richard Nixon e hizo que la gente se diera cuenta de que incluso una persona de la estatura del presidente puede rebajarse al mínimo posible para hacer sus cosas. Mientras los compinches del presidente estaban ocupados limpiando el desorden que él creó, hubo dos reporteros que captaron el olor. A pesar de las amenazas inminentes, trabajaron incansablemente, persiguieron incluso las pistas más pequeñas y, en ocasiones, se pusieron en peligro en el proceso de llevar los hechos a la gente. Basado en el libro del mismo nombre, escrito por los reporteros Bob Woodward y Carl Bernstein, 'All the President's Men' es una astuta observación de lo que debería ser el verdadero periodismo. Dirigida por Alan J Pakula, fue nominada a ocho premios de la academia, finalmente ganó tres y, de paso, perdió la mejor película ante 'Rocky'.

69. Ejército de las sombras (1969)

Creo que un excelente punto de comparación para los recién llegados al trabajo de Jean-Pierre Melville es el de Stanley Kubrick. Ambos practican una precisión técnica extrema y exudan absoluta confianza en cada rollo de trabajo que realizan durante carreras largas y creativamente lucrativas. Dicho esto, una queja barata pero desafiante que cualquiera puede presentar al director estadounidense es su 'falta de alma'. Una vacante de expresión humana. Tal no es el caso de Melville. En 'Army of Shadows', los personajes de Melville arden con una amarga chispa alimentada por la desesperación que hace que cada acción rebose de humanidad. En el mundo mortal del movimiento Wartime Resistance, un movimiento en falso puede resultar en una destrucción total y es con la gracia antes mencionada y el control virtuoso sobre su cine que Melville siembra las semillas de un mundo completamente creíble y convincentemente muerto. 'Army of Shadows' es una de las obras más tranquilas, intrigantes y monumentalmente conmovedoras del cine francés, y perderse un clásico tan criminalmente pasado por alto sería perjudicarse gravemente.

68. El resplandor (1980)

Con su adaptación del clásico de Stephen King, Stanley Kubrick creó en 1980 una película que llegó a redefinir el género de terror. Aquí, no es solo la historia o los personajes los que generan miedo. El entorno y la forma en que se ha filmado ayudan maravillosamente a permitir que la tensión aturdidora penetre en la mente de la audiencia. La película sigue a Jack Torrence, un cuidador recién nombrado en The Overlook Hotel, y su familia mientras pasan un período de aislamiento total en el misterioso edificio. A través de impresionantes actuaciones y un excelente trabajo de cámara, Kubrick se asegura de que el contenido de la película penetre profundamente en nuestro subconsciente. La forma en que manipula el sonido y la atmósfera es absolutamente increíble y crea dos horas y media inolvidables y escalofriantes. El mundo de 'El Resplandor' es maravillosamente oscuro, agarrándote con fuerza por el cuello durante la totalidad de su impresionante tercer acto.

67. Barrio chino (1974)

Hay cine negro y neo-noir, y justo entre esos dos, se sienta Jake Gittes, vestido pulcramente con un elegante sombrero de fieltro para complementar esa sonrisa en su rostro. Aunque es un gran admirador de Polanki, siempre hay algo que no coincide con el producto final de sus películas. Excepto el barrio chino. Esta obra maestra seminal no solo creó una identidad por sí misma, sino que siempre es considerada por los cineastas que toman prestado su estilo para crear una identidad para su película. Polanski es un mago en el trabajo, engañándonos con protagonistas distinguibles, así como con el ritmo y la ambientación clásicos del cine negro. Pero luego viene el último acto de Chinatown, que rompe con tanta rapidez todas las convenciones que se adjuntaron originalmente a películas de misterio similares, que te deja con una abrumadora sensación de conmoción y desesperación. Su fracaso para vencer a Godfather II todavía me desconcierta, pero después de medio siglo, la gente se ha olvidado de Sicilia, pero nunca de Chinatown.

66. El tango de Satanás (1994)

Confesión número uno: casi nunca vi la obra maestra prodigiosa y en expansión de Béla Tarr. Uno supondría que su estatus de favorito cinéfilo de todos los tiempos y la excelente reputación que ha acumulado entre los círculos de cine de arte estadounidenses y entre algunos de los críticos de cine más informados de todo el mundo me tendrían intrigado. Pero la pura inmensidad de su duración (alrededor de 432 minutos) y el ritmo de loris que tanto había disfrutado en 'Armonías Werckmeister' de Tarr parecían abrumadores. Confesión número dos: Vi ‘Sátántangó’, por primera vez, de una sola vez. Me hipnotizó su sentido pragmático del mundo real y su paciente y prudente sentido del cine. Observó más de lo que reflexionó y contempló más de lo que emitió declaraciones bien formadas. Su realismo mítico y sombrío era demasiado bueno para ser verdad y demasiado brutal para haber sido realizado con tal ojo para la belleza.

Todo lo que deseaba hacer al final era cerrar todas mis ventanas y envolverme en la oscuridad porque la película para mí había sido como ese loco en la iglesia y sus lamentos habían tenido demasiado sentido. Confesión número tres: Me complace informar que las sagaces reflexiones sociales y políticas de 'Sátántangó' han comenzado a aclararse para mí, ya que he vuelto a ellas repetidamente. Un verano dedicado a devorar la novela de László Krasznahorkai, que actúa como fuente de material para la película, fue especialmente memorable. Todo lo que puedo hacer ahora es esperar seguir cosechando los dividendos de este feliz accidente.

65. El exorcista (1973)

'El exorcista' de William Friedkin está perfectamente dirigida. El hombre es famoso por una carrera errática que ve a los clásicos caer con Shlock (y, a menudo, los dos grupos se cruzan para algunas exploraciones fascinantes de la desvergüenza cinematográfica). Con su mejor película, Friedkin decidió rodar un drama que casualmente se trataba de una posesión demoníaca: cosiendo patetismo para sus personajes complejos y traduciendo visceralmente el texto del autor original William Peter Blatty atrapado entre la creencia y la duda paralizante. El resultado final de dos maravillosos artistas que trabajan al máximo para ofrecer un brillante clásico del cine estadounidense: uno que eclipsa a casi todas las películas de su género (salvo quizás la desmesuradamente aterradora 'Wake in Fright' o la afortunada gira de Tobe Hooper -fuerza La masacre de la motosierra de Tejas ). Simplemente impresionante.

64. Suspiria (1977)

Porque en nuestros sueños, entramos en un mundo que es completamente nuestro: J.K.Rowling. ¿Y si una de las mentes más retorcidas del cine decidiera rociar su subconsciente sobre una película? Se considera que Suspiria de Dario Argento desafía la lógica cinematográfica con su historia extrañamente estructurada. Pero creo que es una obra maestra neoexpresionista que captura la verdadera esencia del cine, que es hacernos sentir verdaderamente vivos. Argento entiende el valor del espacio y, por lo tanto, muestra un mayor enfoque hacia la cinematografía y el diseño de escenarios, que son los habitantes dominantes de su película. ‘Suspiria’ no solo representa el estilo de Argento sino todo el horror italiano, un género picado por la estética del arte.

63. Un hombre escapado (1956)

Impecablemente precisa e inspiradoramente económica, la diana tan rara de Robert Bresson fue golpeada con 'A Man Escaped' de 1956. El pico de los poderes mercuriales del hombre como cineasta, sigue los intentos del agente de la resistencia francesa Fontaine de escapar de una prisión nazi cada vez más peligrosa y encuentra significado en cada fotograma. Desde la interpretación asombrosamente humana del protagonista a cargo del no actor François Letterrier, cuyas mejillas hundidas y ojos arrancados expresaron de manera tan convincente el peso aplastante de vivir en tiempos de guerra, hasta el minimalismo de Bresson que logra cultivar una intimidad abrasadora entre el público y la desesperada hombre: De puntos de vista frecuentes y composiciones elegantes que no se entregaron demasiado a las técnicas en las que el trabajo circundante de Bresson a veces se ha ahogado. algo tan vívido y denso sin que se sienta autoritario.

62. Matar a un ruiseñor (1962)

En tiempos como estos, no hay mejor película que 'To Kill A Mockingbird' para explicar a los neonazis el verdadero significado de casta, credo y raza. Ambientada en las líneas de tiempo de una América racialmente dividida, un hombre afroamericano es acusado de violar la modestia de una mujer blanca. En el apogeo de las injusticias raciales, cuando un tribunal repleto de blancos clama por su sangre, se reduce a un hombre a luchar por su caso. Un hombre blanco, llamado Atticus Finch. Luchó valientemente para presentar el hecho de que todos los hombres son creados iguales en la corte de justicia, ya sea de color o no. Sus esfuerzos resultan inútiles, ya que el tribunal declara culpable al hombre. Pero lo que se queda con el espectador es la lección que Atticus Finch inculca a sus hijos. Es decir, nunca entiendes realmente a una persona hasta que consideras las cosas desde su punto de vista. Basada en el bestseller del mismo nombre de Harper Lee, 'Matar a un ruiseñor' es una de las mejores películas de todos los tiempos.

61. Ventana trasera (1957)

Lo que distingue a una obra maestra de la película de suspenso de las aguas residuales comunes y corrientes que se acumulan regularmente sobre nosotros es que, en esta última, los giros llegan como un relámpago, y dependen más de nuestra conmoción que de la veracidad del giro para generar un impacto. Pero en películas como 'Rear Window', las cosas diminutas son evidentes desde el momento en que el fotógrafo profesional en silla de ruedas L.B. Jeff Jeffries mira por la ventana trasera acumular gota a gota hasta que se inundan, lo que hace que el inocuo Jeff sospeche que un hombre que vive al otro lado del patio ha cometido un asesinato. Hitchcock usa su cámara magistralmente como las herramientas de un ilusionista para mantener a sus espectadores tensos, engañados y adivinando hasta que se revelan con la boca abierta. A través del acecho obsesivo de Jeff sobre su tema de interés, Hitchcock comenta sobre las falacias del voyerismo, lo tentador que puede ser y la tristeza del estilo de vida urbano y solitario que conduce a él. Aún más increíble, es tanto un comentario sobre el voyerismo del espectador como el de Jeff; mientras estamos cautivados por el encanto de Jeff. Mirar cuando no se está mirando es una alegría perversa; Hitchcock lo sabe, lo admira y nos atrae con él.

60. 4 meses 3 semanas y 2 días (2007)

Algunas películas te conmueven; algunos te hacen reír; algunos te rompen el corazón. '4 meses, 3 semanas y 2 días' pertenece a una categoría especial de películas: aquellas que te ponen ansioso y nervioso. Como habrás adivinado, estas películas son probablemente las más raras de una raza rara. La película sigue a dos amigos que intentan organizar un aborto en el brutal régimen comunista de Ceausescu en Rumania. Visceral e intransigente, la película te agarra por la nuca y nunca te suelta. Ver esta película es como experimentar la sensación desgarradora que tienes cuando esperas con nerviosismo que uno de tus seres queridos salga de un quirófano después de una cirugía. No es solo cine realista en su máxima expresión; también es una de las películas que más te cambiará la vida y que jamás hayas visto.

59. El año pasado en Marienbad (1961)

La película de Alan Resnais de 1961 'El año pasado en Marienbad' es lo más cerca que hemos llegado a visualizar un sueño, y se hace de la manera más extraña posible. La música que ocupa el fondo durante la mayor parte del tiempo de ejecución funciona como un sedante que pone a la audiencia en un estado de somnolencia. A pesar de esto, es prácticamente imposible apartar la vista de la pantalla, porque suceden muchas cosas a lo largo de la imagen, aunque solo se muestra poco. Me gusta pensar en 'Last Year At Marienbad' como una película imaginada desde el subconsciente, por su carácter repetitivo y confuso. Los personajes también están confundidos sobre el extraño mundo en el que se les ha metido. Es una pieza madura y sofisticada, y encuentro que la trama central, que involucra a un hombre y su relación con una mujer extraña a la que recuerda claramente haber conocido el año anterior, aunque ella no recuerda lo mismo de él, muy inmersiva, original, apasionada, romántica, onírica y, por supuesto, brillante.

58. Fresas salvajes (1957)

¿Alguna vez has estado en un viaje por carretera en el que no tienes nada mejor que mirar por la ventana? Durante una cierta cantidad de tiempo, miras la vista exterior, antes de que tus pensamientos se apresuren y lo que hay afuera ahora es solo una plantilla, ya no llama tu atención. Así sucede con Isak Borg, el protagonista de la clásica pieza de humor de Bergman que ha encontrado su lugar en innumerables listas de las mejores películas de todos los tiempos, incluida una compilada por Stanley Kubrick en 1963. Viaja con su nuera para recibir el título del Doctor Jubilaris de su alma mater. A ella no le gusta y planea dejar a su hijo. Pero nuestro Profesor, interpretado por el brillante Victor Sjöström, no está muy interesado en el futuro. Sus pensamientos y, en consecuencia, la película, catapultada por las muchas personas con las que se cruza en su viaje, arrojan luz solo sobre su pasado. Visto a través del lente compasivo y seguro de Bergman, sus recuerdos son simples, familiares y humanos. No glorifican su vida ni rechazan sus logros. Son desordenados, como la mayoría de los nuestros, y están deliberadamente distorsionados. Cuando finalmente llega al lugar para recibir el honor, nos damos cuenta de que nunca necesitó una recompensa. Ya lo consiguió en esas fresas que recogió con su amor de infancia, el comerciante que lo recordaba, la relación conflictiva con su esposa, lo bueno y lo malo, lo redentor y lo imperdonable. Al igual que nosotros, en la forma de esta película misteriosa e inexplicablemente conmovedora.

57. Las reglas del juego (1939)

La comedia de modales ingeniosa y mordaz de Jean Renoir logra mantenerse sorprendentemente bien después de todos estos años, sin dejar de ser tan divertida e inquietante como siempre. Fue rechazada en el momento de su lanzamiento tanto por la crítica como por el público, lo que provocó que Renoir cortara una parte importante de la película después del desastroso estreno, una parte que presentaba principalmente al personaje de Octave, interpretado por el propio Renoir. Apenas sorprende su crecimiento en estatura desde entonces. La película, en su astuto y autoritario malabarismo de personajes, temas, tonos y escenarios, es siempre delirantemente entretenida, pero nunca menos diligente o menos suntuosamente elaborada que lo mejor del cine mundial de la época. Sus imágenes escrupulosamente forjadas palpitan con sofisticación, pero el esfuerzo nunca se ve y la película te deja con la boca abierta y asombrado de lo profundamente enredado que estabas en su atmósfera hábilmente construida. El director de fotografía Jean Bachelet y Renoir juegan con la cámara de una manera que le da ligereza a la película, pero su control implacable es lo que la convierte en una empresa constantemente intrigante. Si todo esto no es suficiente, debes saber que Alain Resnais dijo una vez que la película fue la experiencia más abrumadora que había tenido en el cine. Sería difícil encontrar una recomendación más entusiasta.

56. El tercer hombre (1949)

El cine negro es un género asociado con películas que exhiben callejones oscuros, personajes secretos y seductores, una sensación de misterio y un cremoso blanco y negro para cubrirlo todo. Aunque muchas de estas imágenes son intrigantes y ofrecen un buen momento, pocas intentan algo innovador y diferente. The Third Man es una de las mejores películas de cine negro jamás realizadas, porque cuenta su asombrosa historia excepcionalmente bien, haciendo uso de impresionantes inclinaciones holandesas, una luz llamativa y una música hermosa. La película tiene que ver con un hombre y su propia investigación sobre el asesinato de su amigo económicamente acomodado. la trama de El tercer hombre está lleno de romance, humor negro, giros y suspenso. En el fondo, la película puede llamarse una dulce historia de amor, pero con todo lo demás incluido, ese enamoramiento queda en duda. Interpretando un guión magistralmente escrito, la obra magna de Carol Reed te mantiene al borde de tu asiento desde su humilde y alegre primer acto hasta un final que muy bien puede ser el final más inteligente para cualquier película que desees. alguna vez veré

55. Gritos y susurros (1972)

El trágico drama familiar de Ingmar Bergman trata sobre una tristeza que es a la vez inmaculadamente desesperada y febrilmente urgente. No se construye pacientemente escena por escena y se entrega en bandeja al final. Estás hecho para inhalarlo desde el comienzo mismo de la película que presenta a los protagonistas principales y su dolor endurecido y combustible con hermosos primeros planos que hacen que su asfixiante incomodidad sea vívidamente evidente. Todo esto está cubierto por una implacable plétora de rojo, en forma del carmesí con el que están pintadas las paredes de la casa en la que se desarrolla la historia. Bergman nos hace conscientes del hedor de la muerte que envuelve a las mujeres con una dirección tan imponente que una muerte real no es motivo de alarma. El anhelo intrínsecamente violento de las mujeres convirtió todo en la película en un recuerdo inquietante y empapado de sangre en mi mente. Las imágenes siempre fascinantes de Sven Nykvist se ven atenuadas por la escritura sutil de Bergman y las interpretaciones magistralmente vividas de los actores. La luminosa Liv Ullman parece desconcertar y cautivar cada vez que la cámara la enfoca, mientras que las incrédulas Ingrid Thulin y Harriet Andersson están tan impecables en su trabajo que se siente invasivo entrar en contacto con sus sentimientos. Bergman no nos da ideas claras para llevarnos a casa, pero nos niega todas las demás sensaciones que las que experimentan sus personajes. Nos preguntamos hasta dónde llega su acceso a nuestras emociones y lo extiende a cada paso. En última instancia, 'Cries and Whispers' no es para creerlo, es para vivirlo.

54. Érase una vez en el oeste (1968)

Tal vez sea la partitura inquietante de Morricone o tal vez la visión de Delli Colli que es tan vasta como el Oeste o tal vez la arena inquebrantable que bulle en los ojos de Bronson y Fonda y tal vez sea la culminación de todos estos aspectos en casi todos los fotogramas del maestro, Sergio Leone. . Si necesita un western que tenga tanto la belleza de John Ford como el desenfreno implacable de Sam Peckinpah, simplemente no hay nadie cerca de Leone. En su magnum opus, logra lo que le llevó 3 películas antes, crear un mundo místico en medio de la nada. Aunque puede que no haya nada espiritual en la superficie, la película tiene dioses. Dioses luciendo coronas llenas de 10 galones de pólvora y arena que tragan con agua. Además, elegir a Henry Fonda como antagonista fue probablemente la decisión de esa década, ya que sus gélidos ojos azules no se parecían a nada que Occidente hubiera presenciado.

53. Annie Hall (1977)

Nadie puede afirmar que entiende el confuso y absorbente enigma que es el amor como Woody Allen. Y ninguna película de Woody Allen se acerca a mostrarlo en su gloria genuina y peculiar que esta historia de Alvy Singer, un comediante neurótico y nihilista de Nueva York que se enamora 'más que enamorado' de la tonta, frívola y alegre Annie Hall, y luego se cae. La película también explora las diferencias de género en la sexualidad a través del tipo de relación de Alvy y Annie 'Yin y Yang'. Al final, incluso Alvy acepta el amor como algo irracional, loco y absurdo, pero necesario en la vida. El uso de múltiples técnicas narrativas innovadoras, como la ruptura improvisada de la cuarta pared, la alternancia rápida del pasado y el presente a través de cortes suaves, mostrando en subtítulos cómo se sienten Alvy o Annie mientras hablan algo completamente diferente, y la adición de un ' historia dentro de una historia' como el clímax, elevan la ya atractiva historia. 'Annie Hall' es probablemente el primer romance verdaderamente modernista en celuloide y ha inspirado a una generación de comedias románticas en su lugar. Sin embargo, ninguno es tan encantador como el que buscan imitar.

52. M (1931)

La aparición de la tecnología de grabación de voz, un fenómeno cuya cabecera era 'The Jazz Singer' de 1927, condujo a una saturación absurda de diálogos en las películas. La tecnología se dio por sentada como una actualización directa, en lugar de una herramienta para usar junto con el lenguaje cinematográfico establecido. Fritz Lang, un hombre que comenzó su carrera en el cine mudo con una serie de obras maestras que incluyen Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen y la excepcional Metropolis. Su migración al sonido alcanzó su punto máximo en 1931 con 'M', una película que, contrariamente a todas las fuentes circundantes, había eliminado casi todo el ruido ambiental. El resultado es una película sonora silenciosa con una atmósfera abrumadoramente sin vida: una que sustenta de manera tan efectiva su narrativa. La historia en cuestión ataca a un niño asesino y la incompetencia del gobierno alemán para atraparlo, formando su propia corte canguro para castigar al asesino. Lo que Lang comunica aquí es de una madurez increíble en el mensaje: La justicia que merece ser servida completamente socavada por el contexto político de la época, con la política registrada de eutanasia del Partido Nacionalsocialista y los ideales cada vez más violentos que se manifiestan como un tumor vicioso en las acusaciones de la gente. . La actuación de Peter Lorre, rica en patetismo y humanismo torturado, ayuda a recalcar el profundo engaño de 'M', uno que sigue siendo inmensamente conmovedor incluso hasta el día de hoy.

51. 12 hombres enojados (1957)

La respuesta sobre si el niño era culpable o no, nunca la sabremos. Pero una cosa que afirma 12 Angry Men es que la lógica siempre prevalecerá sobre la intuición, si hay un hombre cuerdo en medio de un mundo de tontos. ¿Y es la necedad una enfermedad o simplemente un subproducto de la ignorancia? El drama de Sidney Lumet no te pide que uses tu cerebro sobre tu corazón, sino que te esfuerces por llegar a un punto en el que puedas tomar una decisión, con ambos trabajando en conjunto. Junto con su fascinante guión, que se enorgullece de estar en el plan de estudios de todas las escuelas de cine del mundo, el trabajo de cámara y la puesta en escena parecen sacados directamente de un clásico de la nueva ola japonesa. Con una actuación inolvidable del elenco, 12 Angry Men es un monumento del cine estadounidense.

50. Luces de la ciudad (1931)

No muchos de los primeros cineastas tienen el reconocimiento y la popularidad en la cultura actual que disfruta Chaplin. Esto podría deberse a muchas razones. Sus películas le hablan al hombre común y son tremendamente hilarantes, pero más que eso, sus historias miran situaciones melancólicas bajo una luz humorística. Tal es el caso de la que probablemente sea su película más personal, 'City Lights', que cuenta la historia de un vagabundo y sus esfuerzos por impresionar y ayudar a una pobre florista ciega. Lo hace bajo una fachada, fingiendo ser un hombre rico para llamar su atención, pero se mete en problemas al hacerlo. Cuando una película sigue siendo tan divertida y conmovedora en la actualidad como lo fue hace más de 75 años, eso generalmente significa que hay algo que está haciendo bien. 'City Lights' ha dejado su huella en el mundo con su descripción de la pobreza y la vida durante los duros años de la Depresión, que está tan bien ejecutado y sentido que nunca deja de conmover a la audiencia, al tiempo que les da la esperanza de un mejor mañana.

49. Ven y mira (1985)

La segunda mitad de un equipo de realización de películas increíblemente hábil, el director Elem Kilmov estaba casado con Larisa Shepitko, la luminosa virtuosa detrás de 'Wings' y 'The Ascent'. Cuando murió tan tristemente en un accidente automovilístico, Kilmov terminó de trabajar en su excepcional proyecto inconcluso 'Farewell' (que fácilmente podría haber tomado este lugar) y creo que lo que hace que todo este contexto sea tan poderoso es la forma en que el dolor del hombre se desvanece en cada fotograma de su obra. El cine de Kilmov hierve con rabia y desesperación no expresadas: descomunal en su propio peso abrumador de emoción, y pocas películas jamás realizadas han latido con un sentimiento tan poderoso como Vamos a ver . Podría decirse que el La mejor película de guerra jamás realizada, su descripción infernal de la invasión de Bielorrusia por parte de la Wehrmacht hace eco con explosiones ensordecedoras, imágenes de pesadilla y un mundo que se está vaciando lentamente de vida: sus escenas se filman en una hermosa luz hueca. Sin embargo, en toda esta angustia, Kilmov encuentra su camino hacia la comprensión en su conclusión trascendentalmente madura. Quizás, en su compromiso de contemplar la intransigencia de la vida, finalmente esté encontrando la fuerza para enterrar los huesos de su difunta esposa. Uno solo puede esperar.

48. El séptimo sello (1957)

Desde las primeras imágenes del icónico documento de Bergman sobre la fe, el miedo y la satisfacción, hay un hechizo sobre ti. La mirada descarnada y granulosa del mar, la costa y en ella un valeroso caballero y su fatídico encuentro con la personificación de la muerte define la claridad de objetivos de la película, aunque deja espacio para que una ambigüedad seductora, casi aterradora, esté presente constantemente. Beneficiada de una actuación magnética del incomparable Max von Sydow y de una banda de actores que elevan el asombroso material de Bergman, basado en su obra Wood Painting, a niveles insospechados, 'The Seventh Seal' en sus exiguos 90 minutos tiene la influencia de un viejo fábula transmitida de generación en generación que impulsa la imaginación mucho más expansiva de lo que ella misma puede esperar contener. El blanco y negro brillante y nítido de Gunnar Fischer asegura que la intensidad desgarradora se arrastra debajo de nuestra piel. La fluidez de un arroyo es el resultado de una narración desplegada con una confianza sublime y una sensatez tangible. Puede ser una historia completamente simple, que sin embargo alberga ideas valiosas en su seno, pero está cosida con un tejido tan intrincado y audaz que no puedes evitar mirarla una y otra vez para que se traduzca en un recuerdo duradero.

47. La Dolce Vita (1960)

El virtuoso cauteloso, paciente y poéticamente suavizado de Fellini está en exhibición completa en su ganador de la Palma de Oro que, en su glamour conmovedor y sombrío, captura una forma de vida que parece demasiado esquiva y, en cierto modo, demasiado real. Su ritmo subraya la sensación de falta de rumbo del protagonista y nos obliga a sumergirnos en el arreglo sinfónico de la vitalidad de la vida y lo fugaz que es todo. Este protagonista es interpretado por Marcello Mastroianni, el mejor de su carrera, quien emplea este regalo del tiempo para llenar sus ojos con un cansancio irresistible del mundo. Cuestionar el significado de ciertas secciones de 'La Dolce Vita' que pueden parecer desprovistas de importancia filosófica o relevancia narrativa es rechazar la posibilidad de dejar que los detalles picantes te inunden y luego contemplar las consecuencias. A medida que la partitura celestial de Nino Rota nos transporta al vertiginoso mundo de Roma, visto a través del ojo ilusorio de Fellini, solo ves lo que él quiere que veas y rápidamente se convierte en lo que tú también quieres ver.

46. ​​Psicosis (1960)

Los seres humanos, en el mejor de los casos, pueden describirse como peculiares. La mente humana, que es capaz de muchas cosas asombrosas, también es capaz de degenerar más allá de la comprensión. 'Psicosis' de Alfred Hitchcock no necesita presentaciones pues mantiene la frente en alto, en medio de cines atemporales. Además de ser un clásico, también es un triste comentario sobre la caída de la moral de los seres humanos. ¡Y no es Norman Bates, eso sí! El poder cáustico de la Sra. Bates que hizo que la vida de Norman se estancara durante su infancia y, finalmente, la edad adulta es un recordatorio de cómo el amor puede ser sofocante. Famosamente, el Sr. Hitchcock adoptó políticas extrañas para 'Psicosis', que incluían no permitir que los participantes tardíos ingresaran a la película. Se adoptó para garantizar la total justicia a la pulsante escena clímax de la película. Un thriller en su forma más auténtica, 'Psicosis' es la historia de un hijo, su madre y su vínculo poco saludable de posesividad. Hitchcock estaba tan ferozmente cauteloso sobre el final, que promocionó la película con este eslogan: No reveles el final: ¡es el único que tenemos!

45. Solaris (1972)

El 'Solaris' de Tarkovsky es bastante parecido a los fenómenos representados en la película. Desde desconcertarme con su concepto profundamente arraigado hasta convertirse en una entidad de la que no puedo separarme, es una experiencia que me hace preguntarme sobre la naturaleza inconsciente de cada molécula que constituye el universo. Tal vez seamos conscientes de las dimensiones científicas, pero ¿puede algún instrumento calcular la cantidad de amor o tristeza que uno alberga en un nanogramo del corazón? ¿Puede algo encontrar la célula cerebral donde reside un recuerdo inolvidable? Desde la fascinante música de Bach en la secuencia inicial hasta la perenne escena de la carretera, el uso del tiempo por parte de Tarkovsky para alejar al espectador del funcionamiento de un mundo normal es magistral. Solaris es un reino donde las emociones te envían a dar vueltas con la locura, pero quién no se emocionaría cuando la locura es hermosa al tacto y lo suficientemente visceral como para absolverte de ti mismo.

44. La lista de Schindler (1993)

Una película importante que se beneficia enormemente del estilo dramático de Spielberg, es una experiencia igualmente perturbadora y sensible en sí misma. La película es, como muchas otras en esta lista, una clase magistral en algo que me gusta llamar narración simplista e impactante. La narración sigue a Oskar Schindler, un empresario alemán que salvó la vida de más de mil judíos al emplearlos en sus fábricas durante el Holocausto. Los tres protagonistas, Liam Neeson como Oskar Schindler, Ralph Fiennes como Amon Goth y Ben Kingsley como Itzhak Stern, se encuentran en una excelente forma y presentan las interpretaciones más sinceras. Una escena en particular hacia el final de la película, donde Schindler se derrumba considerando cuántas vidas más podría haber salvado, es profundamente conmovedora y permanece grabada en mi mente como una de las escenas más poderosas del cine. El hecho de que la película haya sido rodada en blanco y negro, con un uso esporádico y esporádico del color para simbolizar o resaltar un elemento de importancia, realza la experiencia. Fácilmente, la mejor película de Spielberg, sigue siendo una experiencia esencial para ver películas.

43. Lawrence de Arabia (1962)

El cine como medio es cada vez más grandioso. Con tecnología de punta a su disposición, los cineastas de hoy nos ofrecen algunas experiencias cinematográficas viscerales. Pero hay algunas películas realizadas antes de que CGI estuviera de moda, cuya escala pura y monumental no ha encontrado igual. El épico drama histórico de David Lean basado en la vida de TE Lawrence , una de las figuras más reconocidas de Gran Bretaña, es una de esas películas. Está protagonizada por Pater O'Toole como Lawrence y narra sus aventuras en la Península Arábiga durante la Primera Guerra Mundial. Desde el principio, David Lean pinta una resplandeciente imagen en movimiento del desierto infinito en todo su esplendor, con la ayuda del director de fotografía Freddie Young y una apasionante partitura de Maurice Jarre. Pero de ninguna manera sacrifica la emoción por la extravagancia. En el fondo, 'Lawrence de Arabia' es un impresionante estudio del personaje de Lawrence: sus luchas emocionales con la violencia personal inherente a la guerra, su propia identidad y su lealtad dividida entre su Gran Bretaña natal y su ejército y sus nuevos camaradas dentro. las tribus del desierto árabe. Esta cualidad saludable hace de 'Lawrence de Arabia' una de las películas más influyentes que jamás haya existido.

42. Los buscadores (1956)

Posiblemente el mejor western jamás realizado, la mejor película de la gran carrera de John Ford, 'The Searchers' es un clásico estadounidense, una de las mejores películas que surgieron de los años cincuenta. Aunque fue admirado y respetado en ese momento, su poder lacerante y asombroso no fue reconocido durante algunos años, pero a principios de los setenta, fue aclamado como un clásico del género y quizás el mejor western jamás realizado. Ciertamente, el tiempo ha erosionado parte del poder de la película, pero no esa imponente y furiosa actuación de Wayne, ni el racismo dentro de la película que alimenta la ira y la rabia. La narrativa conductora de la película, Ethan y su búsqueda, es atemporal, tan poderosa hoy como lo fue entonces, quizás más porque muchos de los puntos sutiles de la historia ahora están claros.

41. Pather Panchali (1955)

La película que trajo el cine indio al mundo y le dio al cine uno de los mejores autores, Satyajit Ray. Basado en la novela de Bibhutibhusan Bandopadhay, 'Pather Panchali' cuenta la historia de una familia empobrecida que intenta prosperar a través de muchas adversidades de la vida. Se puede argumentar que romantiza la pobreza, ya que el espectador es testigo de las muchas pruebas que enfrenta la familia para ganarse la vida. A pesar de eso, son los momentos, intercalados con la música del maestro Ravi Shankar, los que se quedan con el espectador. La relación afectuosa entre Appu y su hermana Durga, la secuencia del tren, que es uno de los aspectos más destacados de la película, lleva la película a un nivel completamente diferente. 'Pather Panchali' a lo largo de los años se ha convertido en una de las películas de culto y aparece regularmente en las listas de las mejores películas de todos los tiempos, y con razón.

40. Casablanca (1942)

El clásico americano por excelencia. Tal vez haya algo tan contagioso en su encanto que todavía te enamores de él, incluso después de todos estos años. Además de su inmenso factor de re-verabilidad, su partitura memorable (¡As Time Goes By!) y su diálogo supremamente citable lo convierten en un caso sólido. En pocas palabras, ¡es un placer cuando todos los elementos de una gran experiencia cinematográfica están presentes en las cantidades justas!

La historia es simple por decir lo menos, casi rayando en lo banal a veces. Un hombre cínico y desconsolado que dirige el club nocturno más famoso de Casablanca se encuentra en una encrucijada cuando la mujer que amaba aparece con su marido. Los dispositivos de la trama aquí son las famosas cartas de tránsito, pero la historia trata directamente sobre los dos amantes en el contexto de las primeras etapas de la Segunda Guerra Mundial, y la difícil decisión que enfrenta el personaje de Bogart, de aguantar o dejar ir. Sin embargo, como ocurre con muchas películas de este género, la ejecución funciona, transformando a 'Casablanca' en uno de los dramas románticos más convincentes de todos los tiempos que también está increíblemente bien interpretado; Humphrey Bogart e Ingrid Bergman son de primera categoría y cuentan con el hábil apoyo de jugadores como Paul Henreid, Claude Rains y Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Al mirar el cine como una forma de arte, no se puede negar la perfección de Barry Lyndon, desde una hermosa cinematografía, escenas fascinantes, música excepcional hasta una dirección poderosa. Como historia, habla sobre la vida de un joven en la Europa del siglo XVIII mientras sube los escalones hacia la aristocracia, solo para ser devuelto por su mala suerte. La imagen tiene en sí misma algunas de las mejores escenas jamás filmadas, haciendo usos asombrosos de la luz, los colores, las características físicas, etc. No hay mejor manera de resumir la vida de una persona que mirarla objetivamente, y eso es lo que esta película ha hecho con un narrador poco fiable. Es frío y distante, y rara vez le da al público la oportunidad de sentir algo por el protagonista. Desde esta perspectiva, barry lyndon es un estudio de personajes lujoso, con personajes ricos, un toque realista y una forma poética de comunicar emociones. Simplemente es cine en su máxima expresión.

38. El general

Uno de los títulos más antiguos de la lista, 'The General', sirve como un recordatorio de que muchas obras maestras de acción modernas se encuentran en una sombra muy larga, proyectada nada menos que por el genio de la comedia muda Buster Keaton. Con una obra tan impresionante como la de Charlie Chaplin, el adorable vagabundo de este último artista cambia de lugar con una cabalgata de personajes deliciosamente tontos en el caso de Keaton; todo ello rodeado de una erizada curiosidad cinematográfica que amplió los límites del medio en películas como Sherlock Jr. y The Cameraman. Todo esto sin siquiera mencionar su obra magna, El general de 1927: siguiendo a un ingeniero confederado que se apresura a advertir a su lado sobre el avance de las tropas de la Unión durante la Guerra Civil Estadounidense. Su narrativa forma una plantilla para la reciente 'Mad Max: Fury Road' de George Miller y prácticamente todas las películas del gato y el ratón que se han hecho, perdurando con su comedia hilarante, efectos especiales impresionantes y acrobacias bravatas que ven a Keaton poner su vida en peligro más que una vez todo por la adulación de su audiencia amorosa. The General sigue siendo una de las mejores películas de acción jamás realizadas, si no la mejor, una que se divierte con cada onza de su ser y logra convocar tantos momentos magníficamente manejados de escala épica para rivalizar con cualquier juego cargado de CG que se haga hoy.

37. Explotar (1966)

El tiempo ? Los agitados años sesenta. ¿El lugar? Londres. La ciudad que deslumbra y encandila. Vibrante y glamuroso. Sexo, drogas y rock'n'roll. En definitiva, un día en la vida de Thomas, un fotógrafo de moda que vive una vida de, digamos, dudosa moralidad. En un día repleto de acontecimientos, mientras revisa las fotografías de una pareja que capturó de forma bastante subrepticia en un parque, descubre un cadáver en ella. Va al mismo lugar y encuentra el cuerpo del hombre de la pareja. Asustado, regresa a su estudio y lo encuentra saqueado pero con una foto dejada, la del cadáver. Al día siguiente, el cuerpo desaparece. ¿Quién lo asesinó? ¿Y por qué desapareció el cuerpo? ¿Por qué Thomas sintió que lo estaban siguiendo? 'Blow Up' es el acto de clase del director Michelangelo Antonioni que ha inspirado a muchos cineastas a lo largo de los años, incluidos Brian De Palma y Francis Ford Coppola.

36. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2003)

La epifanía vertiginosa y surrealista del amor y el desamor nunca ha sido explorada de la manera y el grado de éxito con el que lo hace 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Exuberante con bellas imágenes y una partitura inventiva similar a la banda sonora de la época del cine mudo, es imposible explicar todo sobre 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Sin duda, la película está repleta de una narrativa difícil de seguir, aunque en realidad, es simple una vez que comienzas a seguirla, es una de esas películas que es muy gratificante simplemente porque no puedes evitar desmayarte por el concepto altamente reflexivo y profundamente conmovedor. película que es. Pero la verdadera estrella del espectáculo es su escritor, charlie kaufmann , quien en la forma de 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind', bien podría haber escrito el guión más profundamente brillante de la historia del cine. Una película que no solo es única a su manera, sino que también se puede volver a ver infinitamente con algo nuevo que se encuentra en cada visualización.

35. Taxista (1976)

En 'Taxi Driver', Martin Scorsese nos entrega a uno de los protagonistas más perturbados, improbables pero caprichosos de nuestro tiempo en Travis Bickle. La película lo sigue mientras se convierte en taxista para hacer frente a su insomnio y lo ve superado lentamente por toda la locura de la ciudad que lo rodea. La verdadera forma en que Taxi Driver gana como película es cómo logra acercarse sigilosamente a ti, abriéndose paso lentamente a través de la sordidez y el horror que parece afrentar a Travis Bickle. En eso, se gana legítimamente su distinción como un thriller psicológico más que un drama, a menudo trabajando en más niveles que simplemente los dos. La película puede ser un reloj inquietante para algunos, debido a su tema oscuro, un tratamiento aún más oscuro y un puñado de violencia, pero para los espectadores dispuestos a mirar más allá, es nada menos que un brillante intento de comprender la parte de la psique humana que más a menudo se deriva en forma de vigilantismo. Quiero decir, ¿quién no reflexiona sobre levantarse a la incorrección de nuestro tiempo y devolverla? Es esa fantasía profundamente arraigada de cumplimiento de deseos con la que 'Taxi Driver' juega de una manera altamente efectiva. La película ahora es ampliamente considerada como una de las películas más importantes jamás realizadas y presentó al mundo la fuerza que era Scorsese.

34. Caminos de gloria (1957)

Antes de que Stanley Kubrick avanzara para explorar los aspectos inexplicables de la sociedad que no solo trascendían el tiempo, sino también las expectativas de los espectadores sobre sí mismos, hizo esta fascinante pieza de guerra que clasifico junto a 'Come and See'. A diferencia de este último, Paths of Glory extrae su interpretación desgarradora de WW de la misma superficialidad de la humanidad que dominó las últimas obras de Kubrick. En el mundo de Kubrick, los demonios no están cubiertos de sangre y barro, sino de medallas y orgullo, y el infierno se adentra en el más sagrado de los lugares, la corte. En un momento en que la industria había adoptado la atractiva 3 tira, el monocromo de Kubrick pintaba la guerra con una sola tonalidad. Los cuerpos, los andrajos, los cuarteles, el humo, la ceniza, todo camuflado con el espectáculo común de una agonía angustiosa.

33. Tres colores: rojo (1994)

La parte más triste de la desaparición de un artista es cuando piensas que su trabajo final es el mejor de todos. Este fue el caso del autor polaco Krzysztof Kieslowski y su última película 'Red'. Kieslowski ya había anunciado su retiro del cine después del estreno de la película en Cannes en 1994, pero es su trágico fallecimiento casi dos años después de que anunciara su retiro lo que lo entristece aún más. 'Red' es la última entrega de su aclamada trilogía 'Three Colours' y trata sobre una mujer joven que se encuentra con un anciano después de que golpea accidentalmente a su perro con su auto. El anciano es un juez jubilado, desprendido de la vida y de cualquier tipo de emociones y se dedica a espiar a otras personas. Se desarrolla entre los dos un vínculo improbable con sutiles matices románticos. 'Red' se trata de oportunidades y coincidencias que nos golpean todos los días y nuestra incapacidad para reconocer la belleza y el significado de ello. Hay una inexplicable sensación de melancolía que atraviesa la película sobre la tragedia del destino y el tiempo humanos y cómo nosotros, como personas en el mundo, estamos todos conectados de una forma u otra. 'Red' es una hazaña asombrosa en el cine y es simplemente una de las mejores películas jamás realizadas.

32. El tesoro de Sierra Madre (1948)

Como sugiere el nombre, a menudo asociamos la búsqueda del tesoro con la aventura palpitante y la descarga de adrenalina asociada con ella. Pero hay muy pocas historias que hablen de las emociones que experimentan las personas al emprender un viaje para conseguir ese oro. A menudo se dice que la adversidad saca a relucir tu verdadero carácter. 'The Treasure Of Sierra Madre' cuenta una historia en la que la lujuria por el oro provoca cambios desagradables en los personajes, lo que finalmente resulta en su desolación individual. Si bien el enfoque está en la codicia que corrompe la conciencia, es el estudio del carácter humano en situaciones adversas lo que permanece con el espectador. Una trágica historia de codicia y traición, esta película ganó el premio de la academia al mejor director, mejor guión adaptado y mejor actor de reparto. Con los años, se ha convertido en un clásico de culto para los amantes del cine de todo el mundo.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, término con el que se designa a las revistas o libros que destacan por encima de todo la violencia, el sexo y el crimen. Estos elementos hicieron que las revistas se vendieran como panqueques calientes. Tarantino tomó estos elementos, los mezcló en torno a tres historias y creó una narrativa que fue nada menos que un genio cinematográfico. Una de las películas de cultura pop más singulares que se han hecho, el espectador es introducido al mundo del asesino a sueldo de la mafia Vincent Vega, su socio en el crimen y fanfarrón Jules Winnfield, la esposa del gángster Mia Wallace, el boxeador Butch Coolidge y queda impresionado con su elegante tratamiento del crimen y la violencia. Uno de los aspectos más importantes de la película que contribuyó a su éxito fue la actuación de Samuel L Jackson. Como el asesino a sueldo Jules Winnfield que cita versículos de la Biblia como remate, estuvo fenomenal. Una de las mejores películas de esta era, 'Pulp Fiction' se ha convertido en un libro de texto para los aspirantes a cineastas de todo el mundo.

30. La batalla de Argel (1966)

Pocas películas han manejado la carga de la política de una manera que enriquezca su efecto cinematográfico, pero deje que el incendiario maestro italiano Gillo Pontecorvo tome el punto álgido aún latente de la opresión colonial francesa del pueblo argelino de finales de los años 50 y lo convierta en algo. absolutamente convincente. Los paralelismos aún proféticos que la observación admirablemente neutral de Pontecorvo sobre el terror y el terrorismo cometido por ambos bandos dibujan hoy hacen que experimentar 'La batalla de Argel' sea un desafío intelectual fascinante para nuestra comprensión de la guerra en blanco y negro, al estilo de la frialdad empaladora de Miklós. La filmografía imborrable de Jancsó. Además, sus técnicas de edición de noticiarios son un hito en la comunicación fílmica y, en mi opinión, hicieron un uso mucho más fuerte de las frenéticas técnicas de corte de la Nouvelle Vague que muchos de sus encabezados exploratorios. Una vez visto, nunca olvidado: 'La batalla de Argel' es simplemente una pieza fundamental del cine mundial.

29. Buenos muchachos (1990)

Es el sueño de un director crear una película que haga época en el período en que se hace. Pero para Martin Scorsese, es un hábito. Por cada década que ha sido un A-Lister, ha hecho una película considerada una de las mejores de la época. Hizo 'Taxi Driver' en la década de 1970, 'Raging Bull' en la década de 1980, 'Goodfellas' en la década de 1990, 'The Departed' en la década de 2000 y 'The Wolf Of Wall Street' en la década de 2010. Y es el drama de gánsteres de 1990 basado en la historia real del socio mafioso Henry Hill el que se convirtió en uno de los referentes del género. La película, narrada en primera persona por Hill, narra su ascenso y caída como parte de la mafia de Nueva York desde 1955 hasta 1980. En contraste con toda la extravagancia de gángsters en 'El padrino' o 'Caracortada', 'Goodfellas' trata sobre el auténticas minucias de la vida cotidiana de los gánsteres, centrándose tanto en la relación de Hill con su esposa Karen como en sus hazañas con sus compañeros de pandilla. Pero Scorsese usa todas las flechas de su carcaj de trucos para hacer que este asunto sea tentador, como este legendario travelling largo , unos diálogos memorables y un acto explosivo de Joe Pesci como Tommy DeVito, el tempestuoso socio de Hill. Cuando se trata del género criminal, 'Goodfellas' es tan bueno como parece.

28. Toro salvaje (1980)

Martin Scorsese es conocido por representar historias de protagonistas rotos, defectuosos y, a menudo, autodestructivos en sus películas. Y a menudo ha buscado en los anales de la historia para encontrar a sus héroes caídos en historias reales. 'Raging Bull' es la historia de vida del legendario boxeador Jake LaMotta, cuya ira autodestructiva y obsesiva, celos sexuales y apetito animal, que lo habían convertido en un campeón en el ring, destruyeron su relación con su esposa y su familia. La película está completamente filmada en blanco y negro, para retratar verdaderamente la era en la que se desarrolla y el estado de ánimo oscuro y deprimente que define. Scorsese esperaba que ese fuera a ser su proyecto final. Por lo tanto, fue minuciosamente exigente en su realización cinematográfica. Igualmente dedicado fue Robert De Niro, quien protagoniza el papel titular. Ganó 60 libras y de hecho entrenó como boxeador. Absorbe los manierismos breves de LaMotta con una perfección ardiente mientras se sumerge por completo en el personaje. Recibió un merecido por sus problemas. Este es el mayor triunfo de Scorsese-De Niro. Una obra magna intensa y poderosa.

27. El Padrino: Parte II (1974)

En la historia de las segundas entregas, pocas películas han estado a la altura de la gloria de la primera, y mucho menos las han superado en algunos aspectos. Si se hace una lista que incluya este tipo de películas, 'El Padrino: Parte II' será su joya de la corona. Estar a la altura del legado del primero fue una tarea gigantesca en sí misma, pero esta continuación de la saga 'El Padrino' no solo tuvo éxito en eso, sino que también amplió su legado para convertirse en parte de la mayor historia estadounidense sobre el crimen organizado jamás contada. La película presenta dos narrativas paralelas; uno que trata de Michael Corleone como el nuevo jefe del 'negocio familiar' Corleone, el segundo que muestra a un excelente Robert De Niro como un joven Vito Corleone y su ascenso al poder. Las dos historias están hábilmente entretejidas, proporcionando una narrativa tentadora que no afloja el control del espectador ni una sola vez. Al Pacino hace algunos de sus mejores trabajos aquí, su mirada recién descubierta prácticamente mastica el paisaje cada vez que aparece en la pantalla. Una de esas películas casi perfectas que se pueden ver independientemente de la hora, el lugar y la última vez que las hayas visto, y aun así terminas totalmente sumiso y asombrado. Si la Parte I es el altar santo, la Parte II es el pan y el vino.

26. La naranja mecánica (1971)

Lo primero que probablemente le viene a la mente cuando se le pide que describa esta película en una palabra es 'perturbador'. La única película en la lista que me atrevo a volver a ver, me sorprendí estremeciéndome varias veces mientras miraba esta película. La Naranja Mecánica es un comentario social en su forma más intransigente, que proporciona imágenes descarnadas de las que es posible que uno nunca se recupere. Es oscuro, está retorcido y no brinda redención para aquellos que lo buscan en una película que probablemente sea la interpretación más sombría de una distopía en términos sociales. Y ahí, creo, radica el éxito de la película en transmitir un mensaje inquietante a casa. No convencional de ninguna manera que puedas imaginar, nos proporciona protagonistas que son rencorosos hasta la médula y se entregan a actos de ultraviolencia y violación; comenta el estado sociopolítico de las cosas de la manera más dura que puedas imaginar, te pone en un estado de confusión mientras Alex DeLarge (interpretado por un carismático Malcolm McDowell) es sometido a formas inhumanas de reacondicionamiento y termina dejando a la audiencia en un fárrago de todas las cosas que esta inquietante experiencia te hace sentir a la vez. Verdaderamente, una obra de proporciones kubrickianas.

25. Vértigo (1958)

La historia de 'Vértigo' es así: el ex detective Scotty (James Stewart) sufre de acrofobia debido a un incidente que ocurrió en el cumplimiento de su deber. Un viejo amigo se le acerca para que vigile a su esposa Madeleine, a quien cree que está poseída. Inicialmente escéptico, Scottie pronto se obsesiona autodestructivamente con la bella dama, que parece ser mucho más de lo que deja ver. La brillantez de Alfred Hitchcock radica en el hecho de que sus mejores películas, emocionantes de ver por primera vez, parecen abrir una nueva capa de comprensión para el espectador en cada mirada sucesiva. Claro, en una mirada superficial, 'Vértigo; es un misterio de asesinato psicológico bien elaborado. Pero a medida que lo miras una y otra vez, sus temas de agresión masculina y de construcción de la imagen femenina en la mente de un hombre comienzan a desplegarse como una caja infinita y te engullen. Probablemente la película más finamente envejecida jamás realizada, la brillantez de combustión lenta de Vértigo queda atestiguada por el hecho de que al abrirse a críticas mixtas, la película es ampliamente considerada como una de las mejores películas jamás realizadas. Una obra maestra del maestro del thriller.

24. Hiroshima, mi amor (1959)

Nacida de la mente del visionario de la orilla izquierda francesa Alain Resnais, 'Hiroshima mon amour' es una película que llora con un poder trascendental. Su historia del tiempo entrelazada con la memoria y las cicatrices de ambos que tuvieron lugar en Hiroshima durante la Segunda Guerra Mundial, contada a través de dos personas, un francés, un japonés, mientras intentan reconstruir el mensaje predominante de la devastación causada allí. Excepto que no hay nada que ganar, intelectual o emocionalmente, con tal locura. Es una obra impregnada de dolor internacional, que va más allá del propio conflicto y de las verdades y represiones que acechan a los seres humanos todos los días. A través de las reverberaciones de la explosión atómica, encontramos una pequeña parte de lo que está tan mal con nosotros mismos. El hecho de que Resnais simplemente entienda esta intocable confusión, en lugar de intentar arreglarla, es lo que hace de 'Hiroshima mon amour' una de las grandes obras maestras del cine.

23. Baltasar al azar (1966)

La desolada obra maestra de Robert Bresson es un ejercicio de sentimiento. Se aleja de definir un protagonista claro o un tema central a menos que cuentes la fuerza milagrosa de la naturaleza que es Balthazar y si tomas la película al pie de la letra, no lo haces. Pero si le permites que sea tu punto de acceso al paisaje emocional y temático de la película, es difícil regresar sin recompensa. El estilo visual peculiar, delgado y fresco de Balthazar parece casi glamoroso en retrospectiva; su plácida fragilidad envuelta en una resignada y singularmente sabia sensación de control. Incluso su honestidad palpable oculta un estudiado esfuerzo por contenerse un poco, por nutrir en su sencillez de ambientación y carácter una riqueza que el público puede descubrir y, en algunos casos impresionantes, imaginar. Debido a que los actores hablan tan poco de su situación, experimentamos los actos aleatorios e irrazonables de crueldad y sentimos la tristeza sofocante. por a ellos. En una forma en la que incluso los artistas más exitosos solo buscan realzar los sentidos de los espectadores al ajustarse a lo probado y probado, las imágenes de Bresson me brindaron una plantilla lírica para basar la magnitud de mi compasión, incluso para evaluar qué tan consciente es esa compasión. .

Todo esto me devuelve a mi pensamiento original. Asignar significado a cada momento de 'Balthazar' no depende de si asumimos sus contenidos como alegorías de carácter social o incluso político, sino de cómo nos hacen sentir saboreando su complejidad y tranquilidad, en lugar de confiar en la exposición sin sentido a la que recurren la mayoría de las películas. Tiene mucho sentido, entonces, que el protagonista sea el burro del mismo nombre.

22. Andréi Rublev (1966)

Creo que 'Andrei Rublev' es el mayor ejemplo del concepto de escultura en el tiempo del autor ruso Andrei Tarkovsky. Gran parte de su último trabajo fue abstracto, ya que abordó temas y visualizaciones increíblemente personales, que se dispersaron a lo largo de períodos de tiempo. Con 'Andrei Rublev', Tarkovsky capturó el tiempo mismo y luego lo acarició con los tonos más profundos del alma de un artista. Tarkovsky es probablemente el único cineasta que pudo escalar el logro más alto al representar la represión de un artista. Explora los regímenes opresivos de Rusia que son tan autóctonos del país como su profunda literatura que sorprendentemente ha cuestionado las preguntas más apremiantes sobre lo espiritual y metafísico. Muchos de los rasgos posteriores de Tarkovsky, incluida la filmación del flujo de la naturaleza, se pueden observar en el viaje de Andrei Rublev. Es una película que te filma, te destroza y te hace pensar, tanto durante la película como mucho después de que hayan pasado los créditos.

21. La aventura (1960)

¿Cómo te sientes acerca de un misterio sin resolver? ¿O una historia inconclusa? ¿Buscas el cierre buscándolo desesperadamente? ¿O aceptas los hechos y luego sigues adelante? ¿No se trata de eso la vida? ¿Compromiso y seguir adelante? La película que trajo el reconocimiento de Michelangelo Antonioni en todo el mundo, 'L'Avventura' es la historia de una joven que desaparece durante un viaje en yate por la costa de Sicilia. La búsqueda de ella une a su ex amante y mejor amigo y comienza una relación inquietante. Si bien la historia se teje en torno a la búsqueda de una mujer desaparecida, su verdadero propósito es construir una narrativa, sin estar centrada en un evento mayor y aun así poder cautivar a la audiencia. Los verdaderos motivos de los personajes centrales nunca se explican por completo y cuando la película termina, el espectador se ve obligado a aceptar que algunos eventos permanecen sin explicación, al igual que la vida. ¡Una obra maestra indiscutible!

20. Sin aliento (1960)

Mucho antes de que Quentin Tarantino se abriera camino en la escena independiente estadounidense con su enfoque salvajemente inconformista de la realización cinematográfica que realzaba el enfoque del estilo sobre la sustancia, estaba este hombre llamado Jean Luc-Godard que asumió sin miedo las gramáticas cinematográficas tradicionales y las rompió imprudentemente. down, redefiniendo y dando forma a las películas de la forma en que las vemos hoy con una película llamada 'Breathless'. Quizás ninguna otra película ha logrado capturar la locura fugaz de la juventud de la manera en que 'Breathless' lo hace con su energía temeraria y su vibra embriagadora. El extraño uso de los cortes de salto estimula la locura inherente de la premisa cuando Godard te aparta ferozmente de sus personajes, pidiéndote que te concentres en los aspectos fragmentados de la historia en lugar de la historia como un todo. 'Breathless' es uno de los debuts cinematográficos más importantes en la historia del cine y, si bien continúa polarizando a cinéfilos y críticos, no se puede negar la influencia que tiene en el cine moderno.

19. Los siete samuráis (1958)

Akira Kurosawa es uno de los directores más originales, influyentes y referenciados que jamás haya existido. Roger Ebert dijo una vez sobre Kurosawa Se podría argumentar que este gran director dio empleo a héroes de acción durante los siguientes cincuenta años y no podría haber sido más cierto. 'A Fistful Of Dollars' de Sergeo Leone, que se dice que dio origen al género Spaghetti Western, se inspiró en 'Yojmbo' de Kurosawa. Nuestra entrada actual también es un hito técnico y creativo y ha inspirado innumerables recuentos directos, así como muchos elementos visuales en el cine moderno . El drama épico narra la historia de siete ronín (samuráis sin amo) que toman las armas para defender una civilización pobre que ya no tiene un lugar para ellos de los bandidos asaltantes en el Japón del siglo XVI, que culmina en una feroz batalla culminante. Pero la brillantez de 'Seven Samurai' radica en el hecho de que cuenta una gran cantidad de historias bien elaboradas que abarcan todos los géneros dentro del drama principal. Hay elementos de acción, aventura, romance y madurez presentes en toda la película. También consta de personajes tan ricamente desarrollados como un bistec poco hecho, que luego se convertirían en elementos básicos de múltiples géneros. Verdaderamente una obra de arte inspiradora.

18. El árbol de la vida (2010)

'El árbol de la vida' es la forma más elevada de cine: simplemente no cuenta una historia, sino que pretende cambiar tu vida. Es una película que tardará en crecer en ti, y cuando lo haga, te resultará difícil no pensar constantemente en ella. Un poema cinematográfico de extraordinario alcance y ambición, 'El árbol de la vida' no solo le pide a su audiencia que observe, sino que también reflexione y sienta. En su forma más simple, es una historia del viaje de encontrarse a uno mismo. En su forma más compleja, es una meditación sobre la vida humana y nuestro lugar en el gran esquema de las cosas. No importa en qué fe creas o si crees en una entidad superior. La verdadera sensación de asombro en la película surge de la magia que es la vida misma. Lo más hermoso de la película es que va mejorando con el tiempo, como un buen vino.

17. Primer plano (1990)

El difunto gran autor iraní Abbas Kiarostami a menudo vio belleza y poesía en los episodios más absurdamente mundanos de la vida humana. Con tramas engañosamente simples y escenarios naturalistas, Kiarostami exploró temas universales que trascendieron sin problemas las barreras culturales debido al tipo de humanidad en el que su cine estaba intrínsecamente envuelto. 'Close Up' es posiblemente su obra más lograda y una de las obras más originales e inventivas. del arte cinematográfico jamás producido. La película toma la forma de una docu-ficción para narrar el juicio de la vida real de un hombre que se hizo pasar por el director de cine iraní Mohsen Makhmalbaf. El elenco incluye personas que realmente estuvieron involucradas en el juicio, interpretándose a sí mismas en la película. 'Close Up' es una asombrosa exploración de la identidad humana vista a través de los ojos de un hombre corriente que lucha por enfrentarse a sí mismo y a su vida y que, movido por una tristeza desesperada y un amor genuino por el arte del cine, se pone en la piel de su ídolo para saber lo que se siente estar verdaderamente vivo, admirado y respetado. Esto es cine del más alto nivel.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruselas (1975)

Esta película de vanguardia francesa protagonizada por Delphine Seyrig como el personaje principal no es una mera experiencia cinematográfica. Está más cerca de un ejercicio, una prueba, y te afecta de una manera que pocas películas lo han hecho antes o después. La pieza independiente se centra en tres días en la vida de una ama de casa solitaria y con problemas, mientras cumple con su estricto horario lleno de tareas domésticas mundanas. Es madre y viuda que realiza trabajos sexuales para caballeros en horario vespertino para ganarse la vida. Los problemas surgen cuando, al segundo día, su rutina se altera levemente, lo que genera una especie de efecto dominó que se refleja en las horas siguientes. Juana Dielman lo atrae a uno a su mundo lento y meditativo con la firma distintiva de dirección de Akerman, que involucra una atmósfera diegética y un aura hipnótica provocada por la personalidad tranquila, sutil y paciente de la obra maestra, que es una dolorosa celebración de la monotonía de la existencia.

15. Rashomon (1950)

Una de las piezas cinematográficas menos convencionales y experimentales de su época, 'Rashomon' observa al maestro en el trabajo, haciendo todo lo posible con sus habilidades para contar historias. En pocas palabras, es un relato de un incidente que ocurrió a través de cuatro puntos de vista muy diferentes, los de los acusados, las víctimas y los que afirman ser testigos oculares. Se destaca en todos los aspectos técnicos con una edición casi impecable y una dirección magistral, pero la película asegura sus victorias en las cuestiones temáticas que trata; las preguntas sobre la existencia de una verdad absoluta. ¿Es la verdad realmente tan objetiva e inequitativa como uno la presenta, o hay alguna subjetividad relacionada con ella? Normalmente, es objetivo o al menos se considera ampliamente que lo es, aparentemente sin otras versiones del mismo. Esta película lo cuestiona de una manera que el propio espectador queda exasperado con preguntas, y también comenta con frecuencia cómo las personas a veces no son completamente honestas incluso consigo mismas. Es tan complejo temáticamente como parece, pero aparentemente tan simple como quieres que sea.

14. El acosador (1979)

Manteniendo a raya a sus descendientes menores, que incluyen la exitosa serie de televisión 'Westworld', la colosal influencia de 'Stalker' en la narración visual no puede ser exagerada. Las ideas (filosóficas, espirituales y científicas), así como su hábil y gloriosa exploración cinematográfica en 'Stalker', han encontrado sus impresiones en muchas películas de ciencia ficción posteriores. No es tanto el ritmo deslizante, que induce al trance y, en puntos, el ritmo abstracto o el uso conmovedor del sepia monocromático fuera de la Zona y los colores impresos de las ubicaciones en Estonia, que se han reflejado en el trabajo de cineastas como Terrence Malick. y Lav Diaz, por nombrar algunos, pero la perdurable paciencia y humildad. Entregando en gran medida las riendas filosóficas a la audiencia, Tarkovsky deja tanto espacio para que los espectadores descubran múltiples facetas metafísicas de la película por sí mismos, que incluso su poesía literal y visual sin igual parece tanto un producto de nuestra fabricación como lo es de él. y sus colaboradores'. Y, sin embargo, la película se mantiene distante, guiándonos hacia los inescrutables misterios de la mente y el corazón, y nunca terminamos de desentrañarlos, porque el camino recto nunca es el correcto.

13. Fanny y Alexander (1982)

Casi 35 años después de su lanzamiento inicial, la función final de dirección de Bergman es tan fascinante de analizar como lo fue para los críticos de todo el mundo en ese momento, quienes parecían estar luchando para asegurarse de que sus opiniones fueran escuchadas. Estas opiniones fueron mucho más divisivas de lo que son hoy, pero el lugar de la película en la filmografía de Bergman todavía parece difícil de definir. Es diferente, en tono, estructura y gran magnitud, a todo lo que Bergman había hecho hasta ese momento. Pero también es una amalgama indudable de todos sus instintos temáticos y visuales entrecruzados en este tapiz que afirma la vida de una familia a principios del siglo XX en Suecia. Su exuberancia pintoresca parece captar toda su atención en la primera visualización con sus variaciones profundamente inmersivas de rojos, verdes y amarillos suaves y cálidos que forman una paleta de colores tan embriagadora que su ausencia, cuando todo está cubierto de blancos, negros y azules ásperos. parece punitivo. Las crónicas meticulosamente elaboradas de Bergman irradian el entusiasmo de un picnic familiar y poseen la familiaridad de los lazos humanos unidos durante décadas por un afecto genuino y frágil. En esta interpretación de la vida generosamente montada, el nacimiento y la muerte son incidentales. En el pequeño mundo que estos personajes, como la mayoría de nosotros, habitan, las alegrías circunferenciales son todo lo que uno puede esperar y les son suficientes, como deberían ser para nosotros. ¿Es todo una ilusión? Al ver este gigantesco conjunto hacer tales maravillas, uno podría pensar que sí. Si lo es, créeme, no querrás que se rompa.

12. Apocalipsis ahora (1979)

Hay películas de guerra que muestran las complejidades de la guerra (como 'Enemy At The Gates'), otras que reprenden y aborrecen la noción de ella (como 'The Pianist') y luego está la audaz 'Apocalypse Now', que no ofrece opinión o conclusión, sino que deja al descubierto una representación gráfica de los horrores de la guerra mientras glorifica a los soldados que toman parte en ella. El debate continúa hasta la fecha si 'Apocalypse Now' es pro-guerra o anti-guerra. Amalo o odialo; lo seguro es que lo vas a recordar. Una de las producciones más problemáticas en la historia de Hollywood, el corte final del guionista y director Francis Ford Coppola terminó siendo su trabajo técnicamente más brillante. La premisa básica es simple: el Capitán Willard debe terminar con prejuicios extremos, el Coronel Kurtz, quien ingresó a territorio enemigo y se ausentó sin permiso. Pero es el viaje debilitante de Willard a través de los angustiosos campos de batalla de Vietnam (elevado por la impresionante cinematografía de Vittorio Storaro) lo que permanece grabado en la mente mucho después de que aparecen los créditos. Con una escena memorable tras otra y las actuaciones definitivas de Martin Sheen como Willard, Marlon Brando como Kurtz y Robert Duvall como el teniente coronel Kilgore 'entusiasta del napalm', 'Apocalipsis ahora', como bien dijo Coppola, no se trata de Vietnam. es vietnam

11. Los 400 golpes (1959)

'Los 400 golpes' de François Truffaut es una verdadera obra de arte que surge del dolor real. Un trabajo verdaderamente sincero y profundamente personal, Truffaut dedicó la película a su padre espiritual y teórico del cine de renombre internacional André Bazin. Claramente de naturaleza autobiográfica, la propia infancia de Truffaut fue problemática, y eso se refleja muy claramente en la película. En el exterior, la película trata sobre la delincuencia juvenil y adolescente que a menudo es impulsada por la negligencia social y de los padres. Mire un poco más profundo y encontrará una película sobre la esperanza; Espero que sea intenso y terapéutico. Antoine Doinel, el protagonista, es de alguna manera una cruda representación de la sociedad misma, una sociedad que esconde sus propios fracasos detrás de reglas, castigos y juicios. La película fluye como un río y lleva a la audiencia a lo largo de un viaje de esperanza, desesperación, empatía e incluso pura ira. Si alguna vez quisiste ver cómo es una obra maestra, no busques más allá de 'Los 400 golpes'.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch no es cineasta. El hombre es un soñador. Y 'Mulholland Drive' es el mayor sueño que jamás haya soñado. Un sueño que encapsula cada emoción que envuelve la existencia humana. Es difícil explicar o describir una película como 'Mulholland Drive' porque es una película sobre la experiencia y lo que obtienes de ella, en lugar de una trama basada en una narrativa convencional que te alimenta con respuestas que felizmente podrías llevarte a casa. Lynch ha declarado a menudo que su visión de una película se basa básicamente en numerosas ideas y sentimientos. Y esto se convierte en una puerta de entrada para entender una película tan compleja y estratificada como 'Mulholland Drive'. Es un laberinto de sueños, ambiciones, deseos y pesadillas. Lynch sabe qué es lo que más nos aterroriza y qué nos lleva a la locura. Y es este reflejo inquietantemente íntimo del subconsciente humano lo que hace de 'Mulholland Drive' una obra de arte tan profundamente desgarradora. Uno que te envuelve con una sensación de calidez y ternura antes de atravesar tu cráneo.

9. Ladrones de bicicletas (1948)

La simplicidad es la máxima sofisticación: Leonardo Da Vinci. Una de las tareas más difíciles en el cine es averiguar cuándo terminar la película. El final de Ladrones de bicicletas está tan sincronizado con el principio, ya que comenzamos con Antonio, un hombre común que emerge de la multitud, hasta Antonio, un hombre común, que se disipa en la multitud. La vida en la Roma de la posguerra se había convertido en una lucha cotidiana, y apenas había alguien que saliera de ese pantano de miseria. Hay muy pocas películas que aporten una introspección tan profunda como Ladrones de bicicletas. Es una película que romperá tu corazón en pedazos y, sin embargo, te inspirará a vivir la vida al máximo. Rara vez, una película tan simple en su premisa es tan brillantemente efectiva en su mensaje. Es virtualmente imposible olvidar la película una vez que la has visto. Aunque el mayor logro de la película está en la cantidad de cineastas independientes que inspiró, quienes hasta el día de hoy citan a 'Bicycle Thieves' como su inspiración.

8. Historia de Tokio (1953)

“Tokyo Story” es a lo que aspira todo cineasta que quiera contar una historia significativa. ¡Obviamente, todos se quedan cortos! No hay mejor ejemplo de una película que plasma una historia épica de una forma tan sencilla pero magistral, eficaz e inolvidable. Con 'Tokyo Story', Yasujiro Ozu logró algo que es el sueño de todo cineasta vivo: residir para siempre en el corazón y la mente del público. Cualquiera que haya visto 'Tokyo Story' sabrá de lo que hablo. La película cuenta la historia de una pareja japonesa tradicional que envejece y visita a sus hijos en Tokio para darse cuenta de que sus hijos están demasiado ocupados con sus vidas para cuidarlos y se han distanciado inmensamente de ellos, cultural y emocionalmente. . Lo que también es tan bueno de la película es su tema universal con el que cualquier persona, en cualquier lugar, puede identificarse. El estilo cinematográfico de Ozu también asegura que te sumerjas en una historia que ofrece una visión profunda de la psique humana cambiante con los tiempos cambiantes. ¡Simplemente brillante!

7. Con ganas de amar (2000)

'In the Mood For Love' es simplemente la mejor historia de amor jamás filmada. Período. Fácilmente podría haber sido una obra de teatro o incluso poesía. Con imágenes hermosas y cautivadoras y una música exquisita y penetrante, 'In The Mood For Love' cuenta la compleja historia de dos personas sencillas. Dos individuos que atraviesan el miedo y la tentación de enamorarse; y una vez enamorado, el puro dolor de dejarlo incompleto. 'In the Mood for Love' representa el amor en su forma más vulnerable. Y al hacerlo, revela nuestras propias vulnerabilidades y lo indefensos que somos frente al amor. Pocas veces una película tan discreta y tan reservada tiene tal impacto después de verla.

No estoy seguro de si el director Wong-Kar-Wai tenía la intención de hacer la película que hizo, considerando que la mayor parte del tiempo la filmó sin guión. Si miras la historia, las obras de arte más definitorias son accidentes felices. Cuente 'In the Mood For Love' entre ellos.

6. 8 1/2 (1963)

Número ocho y medio en la filmografía del maestro italiano, esta epopeya sofocante y deliciosa de fantasías, pesadillas y una realidad demasiado turbia es como un biscotti: decididamente absurdo en su forma y horneado de una manera que no permite devorarlo por completo en Uno va. Su trabajo de cámara espantoso e inquieto complementa la visión consciente de Fellini de un cineasta que intenta canalizar las muchas experiencias cambiantes que ha tenido a lo largo de su anudada vida en su nueva película. Por semiautobiográfica que pueda ser, '8 1/2' pasa rápidamente ante su audiencia con toda su deslumbrante complejidad intacta a un ritmo tan radical que me encontré intentando deconstruir sus imágenes astutamente compuestas con el fin de encontrar mi propio lugar en La imponente especificidad de Fellini, pero nunca fue capaz de aterrizar firmemente en el suelo.

Explotando la sombría seriedad de Marcello Mastroianni, la pura electricidad de Fellini puede ser abrumadora. Te aferras a tu percepción de un momento en particular y reconoces su riqueza sensual solo para descubrir que el cineasta ha pasado a otra secuencia aleteante y deliciosamente equilibrada. Sus ideas sobre los artistas y su desconcertante y ridícula obsesión consigo mismos pueden parecer anticuadas, o peor aún, irrelevantes, pero la audacia de su construcción y expresión nunca se nos escapa. Nos hechiza y seduce, nunca nos permite apartar la vista de él y luego se desliza entre nuestros dedos cuando nos damos cuenta de que nunca lo tuvimos a nuestro alcance. Fellini no es muy diferente de la clarividente Maya de la película que parece saber lo que todos están pensando: una habilidad atribuida por su asistente a la telepatía. Cuando nuestro protagonista, Guido, le pregunta a la asistente cómo lo hace, él claramente señala que es en parte un truco y en parte real. No sé, pero sucede. No hay palabras más adecuadas para describir la película.

5. Persona (1966)

Creo que es seguro decir que 'Persona' rompió el cine sin ayuda. Siendo una película de terror en la superficie, el clásico de Ingmar Bergman de 1966 es más un estudio de la identidad individual que cualquier otra cosa. Haciendo uso de técnicas de edición innovadoras, ángulos de cámara nítidos, expresiones frías, diálogos inmersivos y una dirección espléndida, esta película cuenta de la manera más ambigua posible la historia de una famosa actriz que pierde la voz y la enfermera que la cuida. en un hogar aislado, donde sus personalidades distintivas comienzan a fusionarse lentamente. Siendo la aventura más cinematográfica del director, 'Persona' se asegura de torcer todas las reglas convencionales del cine para tratar de generar una experiencia nueva y fascinante. Con algunas de las mejores actuaciones jamás presentadas en celuloide, la atmósfera de la película nos ayuda a apreciar las preguntas que tenemos al cambiar inteligentemente nuestro enfoque hacia el oficio que se está poniendo en juego. Simplemente no existe nada como 'Persona', y eso podría ser un hecho.

4. El padrino (1972)

Posiblemente, la película más influyente jamás realizada. Una de las adaptaciones más raras que en realidad es mejor que el material de origen, en este caso, la novela del mismo nombre de Mario Puzo, la película ha perdurado a lo largo de los siglos y es un clásico en el verdadero sentido de la palabra que sigue mejorando con cada año. visita. La película narra una familia mafiosa bajo el mando de Don Vito Corleone y se centra en la transición de su hijo cuando se hace cargo del negocio familiar tras la muerte del patriarca. Sin duda, las actuaciones son una de las principales fortalezas de esta película, con grandes como Marlon Brando como Vito Corleone y Al Pacino como Michael Corleone que redefinen los estándares de actuación con sus actuaciones. Se espera que todo lo demás, especialmente el guión y la cinematografía y la partitura que crean el estado de ánimo, sean una calificación A y una definición del género. Con razón, no existe un cinéfilo que no haya visto esta obra maestra de una película. Es el altar donde vamos a orar.

3. Ciudadano Kane (1941)

El Santo Grial del cine americano. 'Ciudadano Kane' definió casi todos los aspectos que abarca el arte del cine. Una película que rompió innumerables convenciones cinematográficas solo para crear otras nuevas. Desde sus tecnicismos innovadores que incluyen la iluminación, el sonido y las imágenes hasta su estilo narrativo altamente innovador, 'Citizen Kane' cambió la forma en que se hacían las películas. La película es un estudio de personajes profundamente profundo que toma la forma de un drama de misterio al revelar las verdades de la vida de un enigmático magnate editorial cuya última palabra ha despertado el interés de un reportero. Se embarca en un viaje, explorando a un ser humano que una vez comenzó su vida con ambiciones y deseos crudos, pero que pronto sucumbiría a los poderes seductores de la codicia y la autoridad. “Ciudadano Kane” es una obra de arte inmensamente poderosa que explora temas profundos y captura las facetas emocionales infinitamente complejas de vivir la vida como un ser humano.

2. El espejo (1975)

¿Podría el arte ser tan personal que uno no pudiera distinguirlo de su creador? Esta es una pregunta que me surgió cuando vi por primera vez 'El espejo' de Andrei Tarkovsky. Esta es una obra de arte en la que el artista se entrega por completo a su trabajo y no logras distinguir entre él y el trabajo que está haciendo. Es casi como si Tarkovsky respirara toda la película. Los autores han hecho sus obras maestras, cambiando y dando forma al cine tal como lo vemos hoy, pero Tarkovsky dio un paso más allá y alcanzó lo inalcanzable; dando vida a su arte. 'The Mirror' es solo cine que se respira. Podías ver a Tarkovsky, su familia, la cultura en la que creció. De hecho, podías lograr verte a ti mismo en ella, a tu madre y existe este sentimiento de Deja Vu que golpea tu mente al mirar estos lugares. Es casi como si hubieras estado allí, tal vez en la vida o en un sueño perdido en alguna parte. Y que un artista elabore algo tan personal e íntimo es algo verdaderamente indescriptible. Es una película que corrobora lo que siempre supimos: el cine es la mayor forma de arte.

1. 2001: Una odisea en el espacio (1967)

Como cualquier otra entrada en esta lista, '2001' también es una lección de cine. Varios cineastas, incluidos Christopher Nolan y Denis Villeneuve, han hablado sobre cómo la película ha sido su inspiración. Entonces, sí, la película es una maravilla técnica. Pero no es por eso que la película encabezó esta lista de tantas grandes películas. Se sienta en la parte superior porque es una película que se atrevió a ir a un lugar donde ninguna película ha ido antes. Demonios, nadie sabía que existía un lugar al que el cine podría aspirar a ir. Y si alguna vez el arte del cine requirió una razón o una prueba para corroborar que el propósito de su existencia es mucho más que el mero entretenimiento, entonces aquí está: la absolutamente convincente y supremamente mítica '2001: Una odisea del espacio'.

Stanley Kubrick amplió los horizontes del cine con casi todas sus películas. Con '2001: Una odisea del espacio' también le dio un nuevo significado a lo que el cine puede lograr. La mayoría de los cineastas utilizan el cine como medio para contar una historia. Pero Kubrick usó el cine para cuestionar. ¿Qué cuestionó? Todo, desde Dios hasta el propósito de nuestra existencia. Si bien '2001: Una odisea del espacio' es una película de ciencia ficción muy inteligente por derecho propio, también es mucho más. Creo que es una película que es más una búsqueda filosófica para determinar si Dios existe. ¡Hablando de apuntar alto!